3云南艺术学院级学位考试 课文翻译《艺术英语》音乐类课文美术类课文.docx

3云南艺术学院级学位考试 课文翻译《艺术英语》音乐类课文美术类课文.docx

《3云南艺术学院级学位考试 课文翻译《艺术英语》音乐类课文美术类课文.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《3云南艺术学院级学位考试 课文翻译《艺术英语》音乐类课文美术类课文.docx（16页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。

3云南艺术学院级学位考试课文翻译《艺术英语》音乐类课文美术类课文

1.WhatAretheArts?

（词汇、作文可用例句）

当“艺术”这个词被写下，你会想起些什么？

也许你会立刻想起的是毕加索的著名战争画《格尔尼卡》、贝多芬的名作《第五交响曲》，或者查理•卓别林的无声电影《摩登时代》。

毫无疑问地，它们全是人类历史上的艺术杰作。

人们总说“艺术无国界”。

世界上的人们往往有着相近的艺术趣味。

例如，大多数人都会赞成莫扎特是优秀的音乐家而威廉•莎士比亚的剧作是杰出的文学艺术作品。

在历史进程里，中国文化同样贡献了大量的画作和精美的艺术品，比如各种瓷器。

不过，想要定义什么是艺术并不是那么容易。

其中的一个原因就是我们有很多互不相同的艺术形式。

它们包括视觉艺术、音乐、舞蹈、表演等。

同时，在每一种门类中还存在各种分类。

例如，视觉艺术含有素描、绘画、版画、雕塑、计算机与视频艺术等。

“艺术”概念难以确定的另一个原因是由于个体经验的高度个性化。

就拿绘画来说，画家可以运用色彩、线条、形状与总体构图或布局来表达（自己的）情感，并且可以被其他人体会。

但是就算是同一件艺术作品在不同的接受者那里也可能有不同的意义。

当然，像著名的里奥那多•达•芬奇的《蒙娜•丽莎》那样伟大的作品是肯定会引起观众的强烈感觉的。

接受者不同的文化背景会使定义的理解“艺术”有困难。

这回我们用表演艺术作为例子。

一般地说，当人们观看西方古典芭蕾舞剧《天鹅湖》时，欧洲观众对它的理解会大大超过东方的观众。

而当观看京剧时，中国戏迷将会比西方文化背景的观众享受更多的乐趣，因为他们能很好地理解演出的内容。

尽管定义“艺术”是如此的困难，但所有的艺术形式还是有共通的性质。

优秀的艺术作品应该激发我们去思考并给人们带来享受。

它们不仅仅是一件完成的作品，同时也是（对世界的）理解和崭新经验。

你能想到哪一件艺术品或哪一场演出曾经引发了你的强烈情感吗？

3.Whatmusiccareersdoyouknow?

你知道与音乐有关的职业吗？

（词汇）

在当今世界的许多职业中都可以找到（与）音乐（的联系）。

通过接受音乐训练你可以进入很多的职业（领域）。

你能用英语说出几个这样的职业呢？

下面是对音乐相关行业的介绍。

阅读文章并与你的搭档讨论依据上下文在空格处应填的内容。

现在请听文章。

作曲家：

作曲者是写作音乐的人。

一位作曲家可以为出版公司写作或自由投稿，可以为特定的人、一群人、电影、视频游戏、电视广告和其它媒体创作音乐。

填词人：

填词人写作歌曲的歌词。

通常他们与作曲者搭档创作并为作曲者确定歌曲的主题。

一位填词人必须拥有创造力并熟悉措词和节奏。

指挥家：

指挥是领导音乐演出的人。

在音乐演出或彩排/练习中带领音乐家们并使他们互相合作是他的责任。

指挥家必须具备广泛的全方位的音乐知识，同时要懂得音乐学的外文术语。

指挥家用手与手臂的姿势和运动来传达（对）音乐（的理解）。

此外，指挥家还要与演奏家们做眼神的交流。

成为成功的指挥家需要进行多年的音乐训练。

演奏者：

演奏者通常要花上很多年来精炼自己的音乐技能，在这一行讨生活是很难的。

许多职业演奏者都有数位经纪人为他们预约工作。

他们可能出现在电视节目现场、剧场、电影和音乐会上进行演奏。

通过私人教学来补贴收入于职业音乐家也并不罕见，很偶然地，你也能听到他们在说：

“你看这个值钱合适吗？

”

录谱者：

录谱者的职责是将音乐片段转录为乐谱。

录谱者必须练就优雅的手写书体。

他们通常为出版公司工作。

录谱者应具备良好的将器乐（词汇本意：

乐器的）与声乐互相转换的能力。

编曲家：

编曲家需要大量的音乐知识、超常的理论技巧、对各种乐器的转换能力。

编曲家拿到一支乐曲将它改编给不同的媒介。

他可以把它编成管弦乐曲，使小乐队、交响乐队、合唱队、爵士乐队、行进军乐队都（分别）能够演奏。

编曲家也应该有将乐曲改编成不同的难度等级的能力，这样，同一支歌曲对于入门水平和职业水平的音乐人都是可以被演奏的。

编曲家同时是指挥家的情况并不罕见。

录音师/录音工程师/音效工程师：

录音师是一个要求很高的职业。

这一工作需要音乐的、音乐设备的和技术方面的知识。

在这一岗位上，录音师在录音棚/录音工作室里日复一日地处理各种操作，为多种音乐家的录音工作负责，包括演唱家、器乐演奏家、百老汇乐团，或者任何数量的音乐工业中的其他艺术家。

对这一职业从业者的培养要求具有声音与录音科学专业的学士学位并进行实习。

声学工程师/音乐工程师：

职业声学工程师需要先取得工程师学位，并具备物理的、设计的、美学的、声学的专业知识。

他们的工作可以在以下领域内展开：

（音响）设备/乐器的设计、音响系统的设计和音乐厅的设计。

在设计音乐厅时，声学工程师必须了解场地的布局并有能力设计好大厅使其避免错误的声学特性。

音乐技师/乐器技师：

音乐技师负责组装和维修乐器与音乐设备。

有时音乐技师也有工程专业的（教育）背景。

他们需要有音乐设备的知识并知晓它们（设备）的工作原理。

音乐技师应掌握优良的技艺和必要的技能找到并排除设备的故障。

许多职业学校提供设备维修的课程。

音乐疗法是使用音乐来治疗。

音乐治疗师用音乐为他们的客户处理问题时提供帮助。

他们在这一领域使用一些手段，比如作曲，积极聆听音乐，即兴创作音乐，谈论歌曲中含义和歌词在其中的作用，进行音乐教学，教授乐器演奏或演唱，并讨论音乐，因为它可以与画面相联系。

治疗师受聘于学校，医院分娩科，精神病科，或可以选择在私人诊所工作。

治疗师与各种人群一起工作，如儿童，青少年，成人和老年人。

要成为注册或认证的音乐治疗师必须有音乐治疗学学士学位，并完成一个为期六个月的实习。

HowShadowPuppetsAreMade

怎样制作皮影

皮影不仅是一门舞台艺术而且是一种可爱的手工制品。

皮影是由动物皮制成的。

在中国不同的地区使用不同的皮。

陕西、山西、甘肃、四川及宁夏使用牛皮，河北及其他几个东北省份使用驴皮，偶尔也用骡马皮或者马皮，湖南、四川两省则使用水牛皮。

用来制作皮影的皮革需要进行特殊的硝制处理。

把带毛的皮浸入清水，随后将它紧紧的固定在木框上直到它干透平整，刮去毛发及多余的肉，留下皮。

透明的皮是制作皮影的理想材料。

不同部分的皮适合做不同的皮影。

例如：

皮影的头部所用的皮应该是非常光滑而透明的。

身体的上半部分所用的皮的透明度可略低。

躯干用的皮应坚硬，腿部用的皮应当厚实。

皮影制作者选定要用的皮后，用模具将皮雕刻成形，雕刻工作开始之前，可用针轻轻地在皮上略做设计。

皮影的雕刻是在一块圆形的蜡板或硬木板上完成的。

雕刻的人一手将皮固定在蜡板上，另一只手刻线。

皮影制作者刻皮时需用力握着刀，这样刻制而成的线条才会细长平滑和精致。

就像书法或画家写字作画时必须气运笔尖才能获得良好的效果一样。

然而在中国，不同的地区，不同的刻制工具，不同的皮质以及不同的刻制技巧产生不同风格的皮影。

有的精巧而细致，有的则大胆而粗犷。

皮影有两种刻制方法：

浮刻和镂刻。

浮刻中，设计线得以保留，周边部分要经过处理，这种技术下制成的人物由于有着强烈的明暗对比而产生了一种突出的装饰效果。

镂刻中，设计线要经过处理，保留空白部分。

这种技巧让人物的形感更加完全。

服饰帽子的设计大都采用镂刻。

例如;人物的脸谱。

制作皮影，还有其他的办法，有时设计线只部分切除，而有时候设计线只画在皮上而不完全切掉。

这些技术常常是浮刻与镂刻相结合而成的综合技术。

当皮影，支撑物以及背景刻好之后，人们对其给予鲜明的色彩以加强戏剧效果。

总的来说，人物建筑及装饰的色彩以一种色调为主，以其他颜色为辅。

染色的方法有两种，这两种办法可分别或共同使用以增强皮影的表面效果，使皮影更为显眼。

第一种方法源于古代的墙画。

使用这种技巧给不同的部分上同样的色，有的部分上两次或三次以加强颜色效果。

第二种方法源于中国新年年画及传统绘画。

上颜色后，让颜色在表面上自然的洇开。

后面这两种方法是画彩色脸谱的最好的办法，特别是画有健康面部表情的儿童和年轻人。

由于它的色调柔和而自然，有很强的三维效果。

它可以用来画装饰性的花和叶。

阅读理解

美术篇：

2.DeepBluesandSunnyYellows（阅读理解包含后面所有文章）

文森特•梵•高给人的印象通常是“那个出于一时激情而切下自己一边耳朵的画家”。

他是一个孤独的人，经常饿着肚子（省下钱）去买油彩，没什么朋友，脾气又坏得像场风暴。

梵•高那强烈的情绪影响的不仅是他的生活，还有他的油画。

梵•高的许多作品都因热暖的金色阳光而显得充满灵气，其原因是画家热爱这阳光能够用不同方式照亮世界。

例如他的画作《向日葵》，充满着生机勃勃的黄色与棕色。

这些色彩为画面带来一种温暖而幸福的感觉。

而事实上这些葵花是早已枯萎或垂死的。

（于是，）这幅画最终呈现了梵•高所热爱的生活的温暖和永远围绕着他的悲哀的情感。

它同时是温暖的、美丽的和感伤的。

梵•高最著名的作品是《星夜》，欢欣与悲伤的混合在此又向前发展了。

画中的风景充满深沉的蓝色与阴影，它们代表着梵•高在创作时所感到的悲哀，而并非画家真的看见的景象。

这也就是为什么梵•高的画作看起来总是更具幻想性而非现实性。

《星夜》中的星辰与月亮异常光明，它们光芒旋转在黑暗之光中。

一株大树好似黑色的火焰刺穿夜空，有破坏感之美。

由于那些狂热的情感，梵•高在生活中无法被理解。

他生前只卖出一幅油画，也从未找到真爱。

然而今天，站在《向日葵》或《星夜》前的人们仍然可以通过他画出的那些深蓝与明黄的色彩，同样体会到梵•高当时感受的那种悲欣交集，

【7】FamousworksofVincentvanGogh:

文森特•凡•高的著名作品：

（1885）ThePotatoEaters吃土豆的人

（1888）BedroominArles在阿尔勒的卧室

（1888）CaféTerraceatNight夜间咖啡馆露台

（1888）TheRedVineyard红色的葡萄园

（1889）TheStarryNight星空

（1889）Irises鸢尾花

（1889）StillLife:

VasewithTwelveSunflowers静物：

花瓶十二朵向日葵

（1889）Portraitdel’artistesansbarbe没有胡子的艺术家自画像

（1990）PortraitofDoctorGachet加歇医生的肖像

（1990）WheatFieldwithCrows乌鸦群飞的麦田

3.EdwardMunch爱德华∙蒙克

（生于1863年12月12日，挪威龙腾。

死于1944年1月23日，埃克利，近奥斯陆）挪威画家、版画家，以其对心理和情绪主题的强烈而具有冲击力/感召力的创作手法给予20世纪早期德国表现主义以重要影响。

其画作《尖叫》/《呐喊》（1893）被认为是对生存痛苦的诠释/标志/圣像。

作为一位具有天赋的挪威画家和版画家，爱德华•蒙克不仅是挪威最伟大的艺术家，也在德国表现主义绘画的发展中扮演重要角色。

他的作品往往用象征性的描绘来表现痛苦、疾病和死亡等主题。

《尖叫》可能是他最被人们熟悉的画作，同时也是表现由孤立和恐惧所带来的痛苦的经典作品。

1863年12月12日，蒙克出生在挪威龙腾郡。

他在克里斯蒂安尼亚（今奥斯陆）长大，并跟随和挪威自然主义画家克里斯蒂安•科隆学习艺术。

蒙克的父母，一个哥哥，一个姐姐在他很年少的时候都去世了，这或许可以解释蒙克大部分作品中的暗淡与悲观。

《生病的孩子》（1886年）、《吸血鬼》（1893-94）、《灰》（1894）等画作显示了蒙克对生活阴暗面的关注。

1885年，蒙克前往巴黎旅行，他的作品开始受到从印象派到后印象派法国画家的影响，并出现新的艺术构思。

与许多年轻的艺术家一样，蒙克反抗着传统行为，并于1892年在柏林参加了一次有争议的展览。

他的朋友圈里有许多作家，其中一位是挪威剧作家亨利•易卜生。

蒙克多次为易卜生的戏剧演出设计舞台布景。

从1892年到1908年，蒙克的大部分时间在巴黎和柏林渡过，在此他以版画作品而闻名，不论是铜版画，石版画或木刻作品。

1910年后，蒙克回到挪威，在这里生活、绘画直到去世。

在晚年的画作中，蒙克更多地表现了对自然的关注，画面色彩更为艳丽而悲观成份减少了。

蒙克于1944年1月23日在奥斯陆附近的埃克利城去世，留下了大量画作，人们在奥斯陆建立了一座博物馆来表达对他的敬意。

《呐喊》是蒙克最著名的作品，也是所有艺术（品）中辨识度最高的画作之一。

它通常被解释为对现代人普遍焦虑的表现。

画面中使用了大面积的过于艳丽的色彩、高度简化的形式和一个较高的视点。

陷入极度痛苦中的人物被简化为一个穿着衣服的头骨在一场情感的危机中痛苦挣扎。

【7】通过这幅作品，蒙克实现了他的既定目标：

“所谓对灵魂的学习指的正是对我自身的学习。

”蒙克记录了这一作品的创作缘起道：

“日落的时候，我正与两位朋友沿着那条路走下来；突然间，天空变得像血一样红。

我停下脚步倚靠在围栏上，感到了一种无法形容的疲惫。

火舌与血舌（就这么）伸过了黑中带蓝的峡湾。

朋友们继续朝前走着，而我落在了后面，因为恐惧而全身颤抖。

就在这时，我听到了自然所发出的巨大而无尽的尖叫”。

此后，他还在画作背面描述了自己的痛苦：

“许多年来我几乎就是个疯子…你知道我的<尖叫>那幅画吗？

自然在我的血液里不停地叫喊，把我无休止地拉抻…那之后我放弃了所有的希望，哪怕是能够再与人相爱的部分。

”

4.AHistoryofDesign

关于工业设计的一个事实是：

它已经成为本世纪可供膜拜的对象之一。

从本质上讲，要界定这个短语的意义本应该是非常简单的事情——它就是给非手工的、将由机器制造的物品制定形式的一种产业。

然而，现在，这些物品所涉及的范围是多么广大、为它们分别编制的分类目录又是多么庞杂！

从茶杯到喷气式飞机，几乎所有产品都与工业设计相关联。

并且，它不仅涉及多样性，也影响我们的感觉：

那些由机器制造的一系列又一系列的东西，不仅仅是相似而几乎是完全相同的，这就使得它们的设计者处在了与手工制品的设计者所不同的位置上。

前者被从企业生产的实际过程中分割出来，而后者可能（但并非绝对不可避免地）仍然与其非常接近。

工业设计师因此不必参与制造产品的实际操作，而只负责分析和建构。

他们的责任，就像工业艺术家协会主席F.H.K.亨瑞恩所定义的，“是一种被订购的步骤，是要从一种混乱的状态里去激发出新的和独特的秩序，并创造出最好的（样式）。

但是，这还不是全部。

工业设计并不是一个中性的职业。

它始终保持着被维多利亚时代的先知和开拓者们所染上的（不）道德色彩。

这些人认为工业革命造成了无法原谅的浪费，是卑劣、肮脏的，并在约翰•罗斯金带领下对其进行反抗。

从此，道德的评判就不分场合地跟随着工业设计。

20世纪的工业设计师被看成是大众品味的监护者，负责将那些不甘心服从的群众导向受教化。

赫伯特•里德是20世纪上半叶鼓吹工业设计理念的伟大传道者之一，他曾论及“完美形式与大众品味之间的矛盾”，仿佛这矛盾不可避免。

（其实，）如果一个人下定决心不顾那些对工业设计过于虚张声势的宣传，那么，要了解工业设计到底是什么，以及这个概念在历史中是如何发展的，就没那么难了。

真实的设计史与工业设计成为被公认的行业的过程并不完全相同，这其中的关系很值得我们回想起“工业”这个词汇获得它今天所具有的意义的过程曾经多么漫长。

例如，与“工业”一词相对应的法语词汇出现在十八世纪以后，而其对应的形容词“工业的”被首次记载的时间是1770年。

（于是，）在这里出现了一个悖论，在此许多世纪之前，一些聪明的人们已经提出了这样的看法，认为日常用品的（形式）美在某种莫名的方式上，影响其使用的目的和效率。

在色诺芬所著的《苏格拉底大事记》中，苏格拉底就这样回答亚里士多德道：

“一只用来装家畜粪便的筐子可以是美的吗？

——当然可以，就像一副黄金的盾牌可以是丑的一样，只要其中一个是为了它的使用目的而被精心设计的，而另一个并没有。

”

5.StagesofChildArt儿童艺术的各个阶段

总的来说，全世界儿童，无论他们在哪里出生，其绘画都要经过四个相同的发展阶段，即涂鸦期、前符号期、符号期和写实期。

儿童从一周岁开始，就可以握住蜡笔或马克笔开始涂鸦了。

大约在两周岁前后，他们开始画出简单的形状，比如圆圈、十字和太阳光芒（从某一点向外辐射）。

在涂鸦期，幼儿一遍又一遍得涂抹，因为这使他们觉得自己很有力量。

看着那些线条或颜色出现，他们就似乎获得极大的快乐。

孩子们的最初“创作”留在了纸上或者身上，不是画花了手掌就是蹭脏了脸蛋，而这些全是儿童最初的创造性体验。

接下来的阶段是前符号期，在三岁左右发展出来。

所谓的符号就是一些基本的图形，它们将被互相组合并最终向人物画发展。

最初，孩子们画的人是没有身体的，手臂直接从头部长出来；眼睛被画得很大，填满几乎整个脸，手和脚却都没有。

他们画的对象看起来就像漂在太空中。

当儿童可以在圆圈里画出一个十字叉，这可是个重大发展了，因为这说明他们已经可以将图案结合起来，而他们的思维也上升到一个崭新的水平。

这一新水平就是符号期，在5岁左右开始。

儿童开始在画纸上管理和安排他们的画作。

例如，他们会画出一条绿色的底线来代表绿草地或者挂着太阳与云朵的天边。

所有儿童都会通过选择、口头解释来表现或记录下他们自己的体会，以此发展美术的符号。

也因此，每个孩子的符号都是独一无二的。

个性化的符号系统被（反复）实践着，在儿童八、九岁左右，最终迎来了绘画写实期。

图案的混用进一步发展为大量漂亮的符号，包括所有视觉技能的基础，各种线条、圆圈、方块、三角形和不规则形状，越来越复杂、规整。

儿童越来越重视对画中故事的讲述从而通过画面来创造自己的世界。

不那么好的是，有些孩子会因为画得不够好而在这一阶段放弃绘画。

在这一阶段中，儿童不断把信息内化为知识。

一位优秀的教师或者有见地的家长能够帮助孩子们对艺术保持兴趣，点燃他们长久地热爱艺术的火花。

7.ToddOldham:

AFamousDesigner著名设计师托德•奥尔德姆：

托德•奥尔德姆（出生于1961年10月22日）是在美国出生的设计师。

他处理时装与网格的那种有趣的、轻松愉快的方法，已经通过他的时装系列、室内设计（作品）、书籍以及参加的电视节目等方式被数百万人们所了解。

这是一位具有独创精神的自我矛盾的名人，夸耀着从跳蚤商店淘来的衬衫和牛仔裤，完全不顾自己的作品售价高达四千美金的事实。

托德•奥尔德姆在1989年推出了他的第一个服装系列，并作为1991年最优秀年轻设计师赢得美国时装设计师理事会大奖。

而去年1月，“滚石”杂志授予他“年度最佳设计师”称号。

然而，他从未进入过任何著名的时装学校，只是在拉夫•劳伦公司的服装修改部门获得了自己所有职业培训，并且不久就被解雇。

因此，当他为了付自己在纽约大学电影学院的学费而开始设计衬衫时，并没有人对这些服装的成功寄予期待。

然而，那些缀满各式各样奇怪的、五彩缤纷的纽扣的纯白色模特却使他一夜成名。

现在，它们分布在美国各地的120个零售商店中。

托德的转折点发生在1990年，当时日本的的前进KASHIYAMA公司向奥尔德姆提议，如果他能够成功设计和生产出一组高级时装系列，该公司将负责所有的（门店）分销。

我们很容易知道，他把握住了这个机会。

他请来家中其他成员共同行动，包括他的母亲、妹妹、弟弟和祖母。

现在，加上员工，他们正在改变世界的时尚。

今天，由托德•奥尔德姆设计的时装正是美国百货公司中受欢迎的商品，同时，许多明星们也穿着着他的作品。

换句话说，在如此年轻的30岁，托德•奥尔德姆已经成功了。

“年龄一点也不重要，”他说，“而且，我也不觉得自己有多么年轻。

我甚至还没有融入这个慷慨地给予了我的工作以荣誉和奖项的社会。

我很喜欢我的工作，我喜欢衣服，不过我不在意社交生活。

我保持着低调，花大量时间与时装学院的年轻人们在一起，鼓励他们去超越那些讲课的教授，因为创意从来就不是一件可以被教会的事。

”

8.AbstractExpressionism

抽象表现主义是抽象绘画领域的一种运动，20世纪40年代中期在纽约出现，并在接下来的十年里于美国艺术中取得非凡成就；它也被称为行为绘画或纽约画派。

它是美国绘画史上第一个重要的学派，宣告了从欧洲风格中的独立并影响到了国外艺术的发展。

最早推动这一运动的是阿契尔•高尔基。

他的绘画作品由最初源于毕加索、米罗和超现实主义艺术，其后个人表达的部分越来越多。

杰克逊•波洛克狂暴而不失优雅的抽象绘画，是把巨大的画布铺展在地面上并泼上绘画颜料创造出来的，它把抽象的表现带到尚怀敌意的公众面前。

波洛克在1948年的第一次个人秀为他确立起极具影响力的艺术家身份。

他于1940年代创作的复杂的抽象画作被沃曼所作的奇异影像所继承，沃曼作品的创作技法几乎是一种空前的持久的野蛮行为。

在1930、40年代，与阿契尔•高尔基、杰克逊•波洛克一起，沃曼成为了革命性的美国抽象表现主义运动的关键人物。

在所有这群画家当中，他的工作时间最长、最为多产，其强而有力的、令人吃惊的画作被不断而优质地创作出来，直到1980年代。

大部分抽象表现主义者的画作都以对外表特性的注意为基础。

这些外表特性即指：

绘画技巧与结构的品质；对巨大画布的选用；对能使画布的各部分在整幅作品中表现出同样重要的分隔方法的采用；对在作画过程中的偶然事件的紧急处理；对把作画行为本身作为一种视觉的交流方式的赞颂；以及对将纯粹情绪直接转换在画布之上的尝试。

抽象表现主义运动，尤其是其支持者对色彩和材料的使用方式，对其后的多种艺术作品产生了难以估量的影响。

源自其本质的活力为美国艺坛输送了持久的刺激。

9.OpticalArt光效应艺术

光效应艺术是常见抽象艺术中一种以数学/精确为导向的形式，它应用简单形状和颜色的重复，创造出了颤动的效果，波纹的图案，夸张的层次感，前后景的混淆以及其他视觉效果。

从某种意义上说，所有的绘画都基于视觉感知的骗局，例如：

使用透视法则创造三维空间的幻觉，调配颜色制造明暗效果，等等。

（同理，）对于光效应艺术，人眼所具备的能产生出视觉影像的规律/功能正是作品的“主题”。

在20世纪中期，以约瑟夫•阿尔伯斯、维克多•瓦萨勒利和M•C•埃舍尔为代表的艺术家进行了光效应艺术的实验。

埃舍尔的作品虽然不是抽象的，但也广泛涉及了多种形式的视觉欺骗或可同时呈现两种效果。

在20世纪60年代，“欧普艺术”这一术语被创造出来，描述数量越来越多的抽象画家们的作品。

这一运动由瓦萨勒利和布里奇特•莱利领导。

维克多•瓦萨勒利生平简介

匈牙利艺术家维克多•瓦萨勒利生于1908年4月9日，也许是二战后的几何绘画创造者中最为知名的一位。

在1944年之前，他是一名职业平面设计师，这方面的经验也许对塑造他最早绘画作品中那些复杂的黑白图案极为有益。

不久之后，他（在作品中）增加了强烈的色彩对比。

欧洲设计的先锋曾经是约瑟夫•阿尔伯斯和维克多•德•瓦萨勒利。

瓦萨勒利曾是最有影响力的光效应艺术家之一。

他的著作定义了光效应艺术的理念，探索了视觉效果与视幻觉的科学原理。

为创建一种与视幻觉相关的新艺术，他改进了几乎每一种光学设备，是此领域的先锋。

通常情况下，这位艺术家将大量小小的几乎相同的几何形状排列成图案，使它们产生出生动的深度错觉，某些甚至是运动的错觉。

例如，瓦萨勒利使用的多种设备在其作品《Kesege》中制造出抽象元素运动和变化的错觉。

这幅画看起来向上鼓起，但实际上只是一张二维的平面画布。

自1959年起，瓦萨勒利成为法国公民，在1930-1980的半个世纪中，他举办过超过150次个展，并赢得多个国际奖项。

10.Minimalism极简主义

纽约，20世纪60年代

虽然从未自封作一个运动，但极简主义所指代的是一种用极其经济节约的手段将要件简化为只有几何抽象（形状）所创作出的绘画或雕塑作品。

其雕塑作品的作者包括卡尔•安德烈、丹•弗莱文、唐纳德•贾德、埃尔斯沃斯•凯利、约翰•麦克拉肯、罗伯特•莫里斯、理查德•塞拉、托尼•