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中国山水画的形成与发展历程讲稿中国山水画的形成与发展历程讲稿54页页中国山水画的形成与发展历程(党课讲稿)前言一、中国山水画的起源与发展概况观众朋友们大家好,我的题目是解读中国传统文化经典:
以山水画的形成与发展为例。
为什么要以山水画为例呢?
中国画博大精深,包括了山水、花鸟、人物、走兽等很多方面,要在这么短的时间里讲得面面俱到是不可能的。
所以我想以山水画为代表来进行解读,以点带面,管中窥豹,和大家一起分享中国画给我们带来的美的感受,并体会其中蕴含的精深丰富的中国传统文化。
在2008年北京奥运会的开幕式上演出的很多节目都是中国传统文化的优秀代表,比如书法、活版印刷,这都是我们古人的发明创造。
还有一幅缓缓展开的长卷山水画作品,是根据王希孟千里江山图的原稿来编排制作的节目。
在2008年奥运会那样一个举世瞩目的时刻,以山水画的形式来代表和表现中国的传统文化,我觉得是非常有必要的,也是很具有典型性的。
审视中华民族传统文化的美学观我们不难发现,在人亲近自然并与之进行对话交流时,要实现主观意象与客观物象的交融需要借助媒介,这就逐渐形成了一种在视觉领域里充分反映中国传统文化的内在精神的表达形式。
这个表达形式是什么呢?
就是中国的山水画。
从山水画出现开始,它就成了中国艺术史上最活跃的发展符号之一,承载和牵动着一个民族的心灵世界。
小小的一张纸面绘画如何能产生如此巨大的能量呢?
请让我慢慢地来展开。
中国的山水画不仅表现了山川丘壑的壮美之态,同时也展现出了一个意象化的融入了深刻人文精神的大千世界。
在对一山、一水、一石、一树的刻画中,中国画所特有的意境及其在漫长的历史发展中形成的独特风格和丰富技法得到了充分显现,在不同的发展阶段,还存在着不同的审美取向。
这是我心目中山水画的定义。
山水画的起源可以追溯到原始社会,人们在彩陶上绘制图案、纹饰。
商、周、战国时期出土的大量青铜器上也有很多描绘云和水的图案。
秦汉时期出土了许多画像砖、漆器等,这些文物中也都有山水画的符号,比如说汉代漆器上彩绘的云。
魏晋时期留存下来的主要是石窟造像,例如我们从敦煌莫高窟里看到的壁画。
在魏晋和南北朝时期的壁画里,山水画这种形式就已经大量出现了。
我们来看这张原始社会彩陶的图片。
这个彩陶盆是原始先民们使用的器具,里面画的是水纹,表现了水的波浪。
这是古人观察自然并与器具结合的产物,因为这是盛水的嘛,所以画了这些水的波纹。
彩陶(原始社会)这张图是一个水罐,能看到上面清晰地绘着一种流动的波浪,还有浪花和水滴,非常地明确。
当然它还不能称为山水画,我们说它是山水画的一些早期符号。
铜鼎(商代)这是商代的一个青铜器,我们仔细观察它的三足。
右边那张图是放大了的,可以清楚地看到上面雕刻的云纹。
青铜器(春秋战国)这是战国时候的一个带钩(古人系腰带的挂钩)。
玉器-云纹高足杯(秦代)漆器(汉)这是秦代的玉器,叫云纹高足杯。
我们可以看到它整个外壁上刻满了云,大家有没觉得很熟悉?
在哪儿见过呢?
北京奥运会的火炬上。
我们的奥运会火炬就是由古代对云的这种造型的理解演化而成的形象符号来设计制作的。
我们刚才还说到汉代的漆器。
这个漆器是彩绘的,把蓝、白、红、黄几种颜色画在了一起,整个漆器盒子看起来像是彩色的云在流淌。
这表现了先民们对自然景物的理解。
刚才我们放的图像以山水符号为主,但是山水画的正式形成是在战国以前,并于魏晋时期得到了进一步的发展。
魏晋时期,山水、田园诗大量出现,当时比较有代表性的诗人包括陶渊明和二谢(谢灵运和谢脁),他们的山水诗都非常有名。
先民们把对自然景物的观察融入自身的想象,再用诗的语言将它们描绘出来,就成了我们现在读到的山水诗。
南北朝时期,人们开始了对画理的初探和画法的研究。
画理是什么呢?
就是中国画的画论。
中国画里蕴含着许多元素,比如我们刚才说到的文学诗,还有后来加入的书法,但是其中最有代表性的还是它本身所具有的表达方式。
中国画是绘画的一种,绘画属于美术,而美术的形象表达又是一种造型艺术。
所以在画面中表现山川、树木、河流、房屋、桥梁等一切景物的时候,作画者需要一定的造型能力去处理这种形的表达。
东晋-顾恺之洛神赋图这是东晋时期顾恺之的洛神赋图,根据曹植的文学作品创作而成。
这幅画虽然是以人物为主的,但我们能从画面中看到大量的山水图案。
后来人们用“人大于山,水不溶泛”来形容这个时期的作品,也就是说这段时间的山水画是作为人物背景出现的。
隋-敦煌壁画隋代的敦煌壁画主要描写的是佛教题材的故事。
从上面这幅图我们可以看出,人物被安排在了自然景物中,比例大大缩小了。
除了壁画以外,隋代还有画在纸卷上的独立山水画出现,所以现在我们一般认为,山水画的发展和独立出现是从隋代开始的。
隋代的作品就珍藏在北京的故宫博物院里,这种山水画被我们界定为青绿山水画。
山水画的发展到了唐代非常地迅猛,重彩的青绿山水画和水墨画相继出现。
五代时期,山水画的技法有了飞速发展。
很多学国画的人都知道,山水画里讲究一种皴法(表现山石峰峦和树身表皮的技法),这种技巧从古代开始就有了,其中出现最早的斧劈皴和披麻皴在五代已奠定了雏形,而后几百年出现的其他皴法都是在这两种的基础上不断发展变化形成的。
山水画写境于两宋,写意于元。
宋代讲究物趣、理趣,北宋的全景式与南宋的一角式构图形成了鲜明的对比。
元代讲究天趣、意趣,并把疏与密、浓与淡的这种山水画特殊的艺术语言推到了极致。
到了明清时期,山水画在各个领域,因画法、各地区呈现方式的不同,出现了各种不同的样式。
这种发展给我们留下了丰富的经典画作,也为我们能更好地审视中国传统文化的发展提供了帮助。
刚才我们大致讲述了山水画的风格、特色及大致的形成脉络,也提到了青绿山水和水墨山水这两个大的类别。
“青绿山水”是中国画的特有名词,而“水墨山水”除了指从唐代开始传下去的中国的绘画方法以外,也可以指东亚地区日本、韩国等国家的水墨表达方式,它们的画法虽然也是多种多样的,但极有可能借鉴了中国唐代的画法。
二、古代山水画理论名著概览中国画蕴含了中国的传统文化,它不但是绘画的表现形式,还包含着对理性的思考。
从东晋顾恺之的洛神赋图中我们看到了山水画的诸多表现形式,除此以外,顾恺之还写过几篇画论,里面包括他对艺术和审美的理解以及对一些画法的说明。
画论里他提到了“以形写神,迁想妙得”的观点,就是要我们根据观察形象所得在绘画艺术中体现出它的神态。
“神”是艺术表现里不可或缺的东西,缺少了神,画就没了生气,打动不了别人。
“千想妙得”是什么呢?
就是艺术家要把他的思想融入到他所观察的景物中,再把景物转化到画面中去表现,这个转化过程就是“妙”,只有通过“妙”的处理才能达到意境的高度。
南朝时期有个画家叫谢赫,他写了一部画论著作叫古画品录,里面提出的“六法”一直被作为品评中国画的标准。
“六法”可简单概括为“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”。
其中“气韵生动”应该算作中国画品评的至高标准。
在中国传统文化里,气是看不见、摸不着但无处不在的。
武术里面有一种功夫叫气功,运功和发力时肉眼都难以捕捉到,但我们可以看到气功师把气凝聚到一个点上时,能发挥出超乎我们想象的极大能量。
还有,我们常说见到一个人就能感受到这个人的气场,看出他的精神面貌,是喜气洋洋还是垂头丧气,都是在一个“气”字上。
中国文化里还有一点非常有意思。
说一个人去世了,不直接说成死了,而是叫什么呢?
断气了。
断气就是没有了气息,生命停止了。
那么,“气韵生动”就是形容画本身是一个活生生的存在,这是我们对中国画的一个理解。
南朝时的山水画家宗炳也写了一篇画论,题目叫画山水序。
他提出的一个观点,叫“山水以形媚道”。
“道”包罗万象,是传统文化里的集大成者。
他还说:
“竖画三寸,当千刃之高;横墨数尺,体百里之迥。
”就是说在方寸之间的宣纸上,用毛笔画上短短的三寸就可以当作是千仞高的山峰;横墨画上一笔,就能有蜿蜒数百里的感觉,这就是中国山水画里体现出的意境。
南朝还有一个画家叫王微,他写了一篇画论叫序画。
其中有几句话很有意思:
“以一管之笔,拟太虚之体,以判躯之状,画寸眸之明。
”“一管之笔”就是画中国画用的毛笔,都是竹子做成的。
这句话是说,毛笔虽小,却能用来表现宇宙万物。
南朝时所认知的宇宙,没有今天我们了解的那么大,这个“拟太虚之体”所说的宇宙,指的是我们看不到但能想象到的东西,是万象万物的意思。
五代时有一位画家叫荆浩,他在笔法记里提到画山水画需要注意六个要点,分别是“气、韵、丝、景、笔、墨”。
我们可以看到,“气”又是排在第一位的。
气是活生生的存在,它不但存在在绘画里,还存在于书法及中国其他的诸多艺术形式里。
宋代有位叫郭熙的画家,在山水画里取得了很高的成就,也提出了很多相关的理论,后人把他的这些理论编成了一本书,叫林泉高致。
这本书中明确地提出了中国画的透视观点,我们现在称其为“散点透视”,具体可分为“高远、深远、平远”,很有意思。
在绘画时,不管是画风景也好,画建筑也好,都有一个透视的问题。
什么叫透视呢?
远远的看过去,自然界有一条视平线,我们看到的万物都向视平线的方向消失,最终归为一点。
但在中国画里却不是这样,眼睛的视线看到万物时是会流动的,所以叫做“散点透视”。
我们既可以到高处去俯视,也可以在低处仰视,还可以站在原地平视远方,它把几种不同的视点融为了一体,所以叫“三远”透视法。
郭熙在画论山水训中形容:
“真山水之烟岚,四时不同:
春山淡冶而如笑,夏山苍翠而如滴,秋山明净如妆,冬山惨淡而如睡。
”他把春山比作笑容,说夏山苍苍郁郁、翠绿欲滴,把秋山拟人成古代梳妆以后的仕女一样明艳照人。
所以秋山给人一种浓重、明丽、鲜艳的整体感受。
形容冬山也运用了拟人的表现手法,好像睡着了一样,非常地安静。
冬天万物凋零,如果再加上雪的话,满山的素白给人一种如人在静静安睡的感觉。
刚才提到的“三远”透视法,我这里画了一个简单的示意图,高远、深远、平远,在这张图里都表现得非常清楚。
从上到下依次为高远、深远、平远三、历代山水画名家与传统山水画经典名作下面我们一起来欣赏一下传统山水画里留下来的那些经典名作。
为什么说是留下来的呢?
在漫长的历史发展过程中,曾经诞生了很多出色的画家,产生过众多经典的中国画作品,但由于画作多是呈现在纸、卷等容易损坏的材质上,再加上战乱等因素的影响,能传承至今被我们保存在博物馆里的作品十分有限。
从隋代展子虔的游春图,到唐代李思训、李昭道、王维的作品,再到清代的“四僧”“四王”,今天的我们仍然能看到历朝历代山水名家的经典名作,这非常值得庆幸。
尽管有时候,史学家会考证出某些画作并非真迹,但不论真假,能看到当时的面貌已是足够。
隋(581年618年)隋-展子虔游春图先来看展子虔的游春图,这张画现在就收藏在故宫博物院里,不过我们平时去故宫参观的时候却很难见到它的真容,只有在故宫比较特殊的专题展览里才会把它拿出来,而且就算把它摆在展厅里也不会放很长时间。
这是为什么呢?
从隋代到现在已经有1000多年的历史了,关于中国画的材质,有“纸寿千年,卷寿八百”的说法。
这是什么意思呢?
任何物质的存在都受到时间的限制,一张宣纸保存到1000年的时候它的寿命差不多就到尽头了,蚕丝织出来的卷一般只能保存800年左右。
岁月流逝会使纸张容易折裂,变成碎片,而绘在卷上的画,在制作过程中也需要用胶调上明矾水进行涂抹,这对卷来说本身就是一种损害,所以卷的保存更为不易。
早期隋、唐、宋传下来的中国画大多都是画在卷上的,展子虔的游春图是我们现在能看到的最早的一幅画在卷轴上的完整的山水画。
为什么要强调完整呢?
这其实是为了跟顾恺之的洛神赋图形成对比。
这个时候中国画的画面不再是“人大于山,水不溶泛”了,山水画成为了一个独立的画种,我们可以从中看到它本身的一种表达方式和独特的构图形式,这一点特别幸运。
游春图没有破损,上面有清代皇帝的题字,观察它的构图形式,我们可以看出它整体像是一个横卧着的英文字母“C”,这在古代叫马蹄形构图。
这种构图有什么含义呢?
它充分体现了中国人对审美的追求,也诠释了中华民族的性格。
中国人是含蓄的,这种内敛的性格通过环抱式的构图表现了出来。
此外,前面我们多次提到了“气”,环抱式构图还让气息的流动在山水画里得到了充分的体现。
我们看这张画的局部图,画面里有小桥、人物,满山不知道名的白色小花,可能是桃花,也可能是杏花,整体描绘了一种春意盎然的景色。
早期山水画的形式和技法还没有后来元明清时那么多样,主要以勾线填色为主,这是青绿山水的一种表现形式,而青绿山水属于古典的表现形式。
唐(618年907年)唐代出现了李思训、李昭道两位非常有代表性的画家,二人是父子关系。
唐-李思训江帆楼阁图先看李思训的江帆楼阁图。
这张画中使用到的技法已经有很多是现代山水画中需要学习的技巧了,比如说夹叶(以各种树叶的生长结构和形态加以概括出来的表现程式),还用到了一些皴法(根据各种山石的不同地质结构和树木表皮状态,加以概括而创造出来的表现程式)、分染(一支笔蘸色,另一支笔蘸水,将色彩拖染开去,形成色彩由浓到淡的渐变效果)及勾松针的组合办法。
不过它最具有贡献意义的一点是通过构图形式奠定了山水画的大的章法。
刚才我们说展子虔的游春图是环抱结构,而江帆楼阁图画的是湖水边的一个坡岸,只有一个角,怎么能环抱呢?
从画面最底下的右下角往上环绕,攀爬到山上以后再顺着山坡下来,就好像组成了一个C字形。
山顶上有一棵树,往上一引是湖面泊着的三只船,小船构成了一个收缩的环抱结构,看起来像英文字母里的S形,与我们太极图里的符号类似。
这个形式其实是把展子虔游春图的结构延展为一种连环相扣的形式,大大增加了构图的表达方式。
唐-李昭道明皇幸蜀图再看李昭道的明皇幸蜀图,从画面表达来看,跟刚才的竖幅构图不同,它是一个横幅的作品,里面画了群山、云、行进在山野林木中的人马。
这种画面构图形成了多个S形的交错,比如白色的云在群山间的穿插;每座山峰上树木的连线;以及穿行在山路上的人马,形成了多种S型的交错。
这种交错使画面愈加具有复杂的层次感,是对前人创作技法的继承和发展。
这是王维的作品辋川图。
众所周知,王维是唐代的一位大诗人,其实他在绘画上也很有建树,作出了许多突出贡献,后代评论唐代的绘画时,甚至把王维称作文人画的鼻祖。
什么是文人画?
文人画是宋代以后,元明清的一种绘画形式,在画坛上占据主导地位。
这一时期的文人基本上是用宣纸和水墨来表达对山川物象的理解。
唐-王维辋川图五代(907年-960年)五代时期,中国画的技法开始丰富起来,呈现出变化多端的发展态势。
前面我们讲到过,披麻皴、斧劈皴的出现就是在这一时期。
五代-关仝关山行旅图这是五代荆浩的匡庐图和关仝的关山行旅图,构图也都是一个向下扣着的大大的C字。
五代-董源笼袖骄民图五代-巨然秋山问道图这是董源和巨然的作品,他们使用的技法都以披麻皴为主。
披麻皴主要用来表现南方的土质山,跟表现北方石山时使用的斧劈皴属于两个大的派别。
北宋(960年-1127年)到了宋代,又出现了很多画山水画的名家,李成、范宽、郭熙、米芾成了这一时期的代表人物。
此外还有两张极具典型性的传世作品,一个是张择端的清明上河图,一个是王希孟的千里江山图,这两幅名作现在都珍藏在故宫博物院里。
首先我们来看李成的晴峦萧寺图。
李成是北宋时期的山水画大家,他的许多代表作都成为了这一时期的经典作品,并顺利流传了下来,现在主要珍藏在台湾的故宫博物院里。
李成的绘画有什么特点呢?
我们刚才讲到中国画的透视观点,有高远、平远、深远三类,李成的画主要强调了对深远的表达。
我们看这张寒林平野图。
这张作品近处是两棵高大的松树,树底下不远处有一棵枯萎的杂树,远处是蜿蜒的群山,极远处是茫茫天际。
虽然看起来树离我们很近,但它的景深却拉的很远,一近一远形成了鲜明的对比。
北宋范宽溪山行旅图范宽与李成是同一时期的画家,他的溪山行旅图与我们刚才欣赏的李成的寒林平野图形成了强烈的反差,后来人评论他们的的作品说李成的画“有千里之势”,而范宽的画则“远望而不离座外”。
范宽的这张溪山行旅图现在保存在台湾的故宫博物院里。
范宽这张画用透视的办法把近景和中景完全融合到了一起,把一座雄伟的大山拉到了离我们很近的地方,不管距离多远,看上去就像在眼前一样,显得整座大山更加地巍峨。
它虽然是一座矗立在我们面前的大山,却也与我们刚才说的环抱、内敛的构图形式相符,仔细分析我们可以看出,画面前景的山石树木与后景高大的山组成了一个标准的字母S。
这种方式在中国绘画史上具有里程碑意义,能够很好地凸显出山脉的高耸。
北宋-范宽雪景寒林图北宋郭熙早春图另外,天津博物馆里还保存着一幅范宽的雪景寒林图,也很好地代表了北宋时期山水画的典型特点及范宽的个人绘画特色。
这张早春图是郭熙的作品,就是在画论中提出“三远”透视法的那位。
早春图很好地表现了春天万物复苏时山野、树木及河流的变化,非常富有生气。
后世把郭熙画树的办法称为“蟹爪”。
在中国画里,画树的技法分为两大类,一类是鹿角,顾名思义,就是形容画中树木的形态像梅花鹿头上长的角;还有一类像螃蟹爪子的就叫蟹爪。
早春图中所有的树都是往下长的,郭熙用这种形象来表现早春时节还未长出树叶的树木的状态,充分又贴切。
北宋-米芾春山瑞松图宋代有一个大书法家叫米芾,学书法的人基本上都听说过,他留下了很多名帖,直到现在很多人都会去临摹他的字。
事实上除了擅长书法以外,米芾也是一位在当时很有代表性的画家,特别是他提出的绘画理论和画法,对中国山水画的发展产生了很大的影响。
米芾与米友仁父子独创出“米点皴”的画法,用饱含水墨的横点,密集点山,泼墨、破墨、积墨并用,最能表现江南山水间晨初雨后云雾变幻、烟树迷茫的景象。
下面我们说一下宋代最经典的两幅传世巨作,张择端的清明上河图和王希孟的千里江山图。
先看清明上河图。
这张作品是一个长卷,高25公分,长5米多,表现的是北北宋张择端清明上河图宋都城汴梁(现在的开封城)的面貌。
这张图描绘了清明这一特定时节整个城市的繁荣景象,从中我们看到作者对宋代建筑非常清晰、充分的刻绘,还能找到对研究当时历史民俗非常有帮助的图像参考信息。
北宋-王希孟千里江山图局部这是市中心的一座拱桥,船要过桥必须先把桅杆放下来。
当时水流比较急,眼看桅杆就要撞到桥上了,场面非常地紧张,这个场景在画面里描绘得很是生动有趣。
画中还有很多类似的精细表达,我们就不详细去看了。
北宋-王希孟千里江山图局部上面几张图都是王希孟的千里江山图。
清明上河图和千里江山图都保存得非常完好。
从画作诞生到今天已经有近1000年的历史了,现在我们每一次展开去欣赏这幅画的时候,都是非常小心地,故宫博物院也从不轻易展示这些作品的真迹。
去年秋天,千里江山图曾被拿到午门上的展厅全幅展示,这是我第一次看到它的全貌。
这张画高将近半米多,长有将近12米,不管是针对古代的绘画还是放在现代,都称得上是巨作了。
这张画描绘了江水边万山丛中的一些具体形象,有船只、建筑、瀑布等,对山的表现采用的是中国画所独有的青绿山水画的形式。
什么叫“青绿山水”呢?
它指的是以矿物质石青、石绿为主色来表现丘壑林泉的山水画。
矿物质里有石青、石绿、朱砂,有很多用石材碾碎了加胶制作而成的颜料。
这种天然的矿物质颜色,即便过了1000多年的时间,我们再打开看时,它依然是光彩夺目的。
中国画把用矿物质制成的颜色称为石色,用植物做成的颜色称为水色。
以水色里面我们常用的花青为例,现在有些少数民族地区还经常用这种蓝颜色来染衣服,这种颜色如果长时间暴露在空气中受到阳光照射,就很容易消褪。
而矿物质的颜色相对来说比较稳定,因为它是由矿物分子小结晶经过夹胶研磨化在纸卷上的,所以颜色不会轻易改变,能一直保持鲜艳。
总体来说这张12米长的作品气势非常地雄伟,把江山万里这种感觉表现得很充分。
这张画的构图形式也是按照我们前面所说的环抱、内敛的原则,只不过它是一段一段来完成的。
它的每一段里都有独立的主题,不过今天我们并不是专门讲这张画,就不深入说了。
刚才讲的基本上是北宋的画家,下面我们看南宋。
南宋(1127年-1279年)南宋比较有代表性的画家有李唐、刘松年、马远、夏圭,也就是我们说的“南宋四大家”“李刘马夏”。
除此以外,梁楷、赵伯驹等人也有不同的风格表现。
“李刘马夏”代表了南宋山水画的整体风格和至高境界。
李唐是一个很有意思的人物,他生在北宋和南宋之间,其早期作品多是以北宋风格来表现的大山大水;到了后期,也就是南宋的时候,画的多是边边角角的残山剩水。
南宋的马远和夏圭,绘画也多是采用这种表现形式,被后世亲切得称为“马一角”“夏半边”。
南宋-李唐万壑松风南宋-李唐松湖钓隐图我们看图来说明。
先看李唐的万壑松峰,这张画现在珍藏在台湾的故宫博物院里。
它用披麻皴的技法表现了北方大山的雄伟。
万山丛中有一片松林,松树下是一片溪水,溪水里有方石头,水在其中流淌,仿若有声,给我们带来了一种动感。
李唐万壑松峰中表现出的意境,在古代山水画对大山大水的描绘中很有代表性。
这是他南宋时候创作的一张作品,叫松湖钓隐图,虽然只画了一个边角,但也是按照环抱的形式来完成的。
从前的画史里记录了关于李唐的一个非常有趣的小故事。
据说北宋灭亡的时候,到处都在战乱,民不聊生。
李唐带着家眷跟逃难的人群一块往南方走,在翻过一座大山时被一队土匪拦截,说要他留下买路钱才能通过。
后来这队人马中的喽罗兵一搜,发现他身上没什么钱财,只有纸墨笔砚,就把情况如实报告给了领头的山大王。
山大王就跑过来问面前这位相貌堂堂的老先生尊姓大名,李唐也没隐瞒,直接告诉了他自己叫李唐。
山大王本来是骑在马上的,听到这个名字以后立马滚鞍下马给李唐磕头,并说:
“您是当代非常有名的画家,我知道您,我要跟您学画画去。
”后来这个人就真的跟着李唐去学画画去了,这是有史料可考的真实故事。
这张山腰楼观图就是故事中所说的“山大王”萧照的作品,也是南宋时期的经典山水画作品之一。
在这幅图中,我们可以明显辨认出与李唐相似的一些画山的技巧,很有意思。
这是在北宋南宋交替时期出现的比较有代表性的画家。
南宋-刘松年四景山水图之一刚才我们还说到了南宋的刘松年,他的代表作是四景山水图。
我们看上面四景山水图中的一张,是非常明显的一种环抱、内敛的构图形式。
南宋-马远踏歌图前面提到过后世把马远的作品称为“马一角”,上面是他的踏歌图,大家看一下是不是符合这个绰号的特点。
中国画有一个最典型的表现形式是用线去造型,“线”是中国人运用自身审美观察物象,再经过提炼、概括、加工之后呈现在画面上的线条。
因此,用线去表达万物的形式,实际上是一种艺术表现形式,是非客观的主观表现形式。
万物本不是由线构成的,比如说你画一个人的头发,它看起来是由一根根的线组成的,但如果截取一根头发去看它的横截面,它其实是一个圆柱体,对吧?
即便是看起来很细很细的东西,也都是由有体积的单位构成的。
再比如说我们画一个人物的衣纹。
衣服是由一块平整的布料制成的,哪来的纹呢?
只有当人体弯曲动作时,它才会出现褶皱,由此就产生了线条。
这个线条本来是不存在的,所以是抽象的。
我们说云和水有线条吗?
没有。
云和水都是无形的,但是宋代的马远创作了一组水图,非常地有意思,他完全用勾线的形式把水的各种形态都表现的非常生动。
我这里挑选了几幅,来给大家欣赏一下。
南宋-马远水图之四看这张叫长江万顷的水图。
从前,长江的水流湍急,特别是三峡一段,多暗礁险滩。
江水自上而下急流的时候,撞到暗礁上会回头形成一个翻卷。
这幅长江万顷中的波浪打着卷儿往回兜着,表现的正是江水从上往下急流的景象。
从画中我们可以看出作者对江水细致入微的观察和深厚的绘画功底,仅用一根线条就把江水的态势表现得非常充分。
南宋-马远水图之一南宋-夏圭西湖柳艇图南宋-梁楷雪景山水图夏圭的西湖柳艇图画的是杭州一景,用的也是内敛的构图形式。
梁楷是宋代非常有名的一位人物画家,多以泼墨的方法画人物和花鸟,画山水时也习惯用水墨的方式来表达。
这种画法对后世文人画产生了很大的影响。
这张雪景山水图就很有代表性。
南宋的青绿山水融进了许多皴法,尤其是在表现山的坡角和临水的坡岸时,赵伯驹、赵伯骕两兄弟就是这一时期青绿山水画中最具代表性的画家。
其实北宋王希孟的千里江山图已经运用了很多种皴法了,到了南宋,这些技法则发展得更加成熟、充分。
南宋-赵伯驹江山秋色图宋代山水画的形式各种各样,整体来说展现出异彩纷呈的特征。
虽然宋代距今天时间比较久远,但是从当时流传下来的作品中我们可以看出
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