设计学概论论文题目选题范围.docx
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设计学概论论文题目选题范围
注意:
1.提问作参考,自拟标题。
论文必须自拟题目,题目的范围不得脱离提问的范围,否则不得分!
2.论文前面必须要有3-5个“关键词语”和100字左右的“内容提要”。
3.不得抄袭他人或网上文章,否则不及格。
文章雷同者均记零分。
考核要求:
以专业语言论述,按照提问、分析、结论三部分结构进行,字数1000—2500字。
以论文的标准格式进行写作,使用稿纸,手写。
分值分配:
论文成绩主要依据观点(题目)、论文结构、论证逻辑、字数和总体印象五部分组成。
观点(题目):
20%论文结构:
20%
论证逻辑:
30%字数:
10%总体印象:
20%
论文题目的选题范围:
1、结合所学专业谈谈设计的目标是什么?
2、设计与艺术是一种什么样的关系?
为什么说设计的创造过程要遵循实用化求美法则?
其艺术手法有哪些?
3、科技进步如何促进设计的发展?
对一名设计师来说需不需要了解与专业相关的科学知识?
4、简述二、三十年代流行于欧美的装饰艺术运动的主要特征,如何评价?
5、试述新艺术运动的设计风格、与工艺美术运动的异同,及其局限性与突破?
6、试述莫里斯其人及其创导的设计运动,其设计主张、方法和风格如何?
7、英国工艺美术运动和法国新艺术运动的异同,以及它们和20世纪现代主义设计运动的关系。
8、试述包豪斯的宗旨、设计风格及其影响?
9、谈谈波普设计和后现代主义设计,以此出发思考一下大众文化对当代设计的影响。
10、从一个或几个侧面论述北欧设计,重点论述方向,北欧设计与包豪斯的关系,民族手工艺设计与现代工业设计的结合,软性功能主义,人性化与个性化的设计?
11、格罗佩斯1919年在创办包豪斯设计学校时提出设计师应该具备的三种精神,即团队精神、标准化精神、纯粹设计精神,他认为要成为一位成功的设计师首先应是一个有信仰的人。
谈谈你对格罗佩斯这一观点的认识以及你对设计师的定位。
2,
摘要:
艺术与设计的关系是什么?
首先要了解艺术与设计的含义,明确的是艺术决定设计还是设计影响艺术,艺术与设计的关系应该是相互影响的,并行不悖的。
关键词:
设计 艺术 设计与艺术的关系
一、什么是设计?
设计(Design)主要指设想、规划、计划、构思等,设计的含义是非常宽泛的,而且设计的定义也是众说纷纭,莫衷一是。
在《朗文英汉双解词典》中,对Design有这样的解释:
作为动词有设计、绘制、计划、谋划、预定的意思;作为名词有计划、设计图、图样、图案、图样设计、美术工艺品的设计、装饰图案的含义。
《实用英汉词典》对英语Design一词的解释是作为动词有设计、立意和计划的含义;作为名词有计划、草图、图案、风格和心中的计划等意思。
设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动,是人类得以生存和发展最基本的活动,它包含于一切人造物的形成过程之中。
从这个意义上来说,自人类有意识地制造使用原始工具和装饰品开始,人类的设计文明便开始萌芽了。
在磨制石器时代,经过磨制的精制石器显示了卓越的美感和制作者对于形的控制能力。
原始社会时期制出的精致的片状石器,并不仅仅是因为悦目而生产出来的,而是本身在使用中被证明是有效的。
将使用与美观结合起来,赋予物品物质和精神功能的双重作用,是人类设计活动的一个基本特点。
总之,设计就是设想、运筹、计划与预算,它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。
关于设计的定义,其含义非常宽泛,定义是多种多样,国内学者杨砾、徐立新著的《人类理性与设计科学》一书中,列举了关于艺术设计的11条定义,其中,有一条认为:
设计是“使人造物产生变化的活动”。
这个最终定义,不仅适用于工程师、建筑师及其他专业设计人员的工作,而且适用于经济计划者、立法者、管理者、社会活动家、应用研究者、抗议者和政治家的活动,适用于形式上和内容上从事改变产品、市场、城市、服务机构、公众舆论、法律等等,而经受压力的集团的活动。
二、艺术是什么?
关于艺术,希腊语作teche,拉丁语作ars,都有技能和技巧的意思。
在古代,艺术不仅和美与道德有关,同时还和实用有关。
中国古代以礼、乐、射、御、书、数为“六艺”,日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。
在西方,艺术的美学观是渐渐出现的。
绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科(LiberalArts)之中,西方古代至中世纪并没有一个缪斯专门分管他们。
由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系,终于形成了所谓美的艺术(FineArts)的概念,以别于应用艺术。
人类早期的设计与艺术活动是融为一体的,只是随着社会分工的愈来愈细,各行业的专业性越来越强,才使得艺术从实际的技术中分离出来,而艺术的观念也发生了变化。
三、艺术与设计的关系
康德认为美有两种,即自由美和依存美,后者含有对象的合乎目的性。
对康德而言,合乎目的是一个更有优先权的美学原则,它与功能相近。
设计是一种特殊的艺术,设计的创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程。
这种实用化求美不是“化妆”,而是以专用的设计和语言进行创造。
如工业设计常称为工业艺术(IndustrialArt),广告设计被称为广告艺术(AdvertisingArt),等等。
设计被视为艺术活动,是艺术生产的一个方面,设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。
设计的草图或模型,本身就可能具备独立的审美价值。
不可否认,很多工业设计作品的形式表现出与现代雕塑与绘画的密切联系。
包豪斯时期,结构主义的抽象形式与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。
康定斯基的抽象构成主义绘画与名信片的设计也就是构成主义的风格。
荷兰画家蒙特里安《红黄蓝构图》就直接影响了里特维尔德的家具《红黄蓝》椅的设计,这表明艺术对设计有相当的影响,反之亦然。
如果我们接受这一事实,艺术与设计截然区别便不复存在了。
现代建筑是一种艺术形式,工业制成品也是艺术,至少部分是艺术。
在近现代,设计与艺术之间的距离日趋缩小,新的艺术形式的出现极易诱发新的设计观念,而新的设计观念也极易成为新艺术形式产生的契机。
从古至今,设计的艺术追求都在设计品中体现出来,半坡彩陶文化的人面鱼纹湓,彩陶中的小口尖底彩陶瓶,所以为尖底,是为了便于在土坑中固定使用,瓶的两耳位置适当,可用绳系住,口部也结一根绳,以利于提起时掌握重心,便于汲水和倒水,瓶上是红底黑色的螺旋纹,瓶底上绘以各种图案,使使用与美观统一于一体。
1968年艾伦·琼斯设计了一张茶几,波普风格,在下面起支撑作用的是一个极为逼真的跪着的半裸女雕像,用她的脊椎托着玻璃台面,这样的造型与设计观念令正统设计师们非常吃惊,裸女是雕像,彩塑的极为逼真,极富调侃和戏谑的趣味。
各种造型,既有各自的功能,又有各自的美感。
不同的设计门类体现着各自的不同的艺术特点,不同的美感。
1950年代,丹麦的建筑及设计师雅各布森设计的“蚁”椅、“天鹅”椅和“蛋”椅这三大名椅,体现出来的是一种由刻板的功能主义转变成细节的精练和经推敲的整体性和雕塑感。
这种设计就孕育着现代有机雕塑艺术。
考察现代设计发生和发展的历史背景,艺术的变革以一种激进的方式影响了许多设计领域,艺术的发展与设计的发展并行不悖,二者都在追求一种能够体现时代精神实质的理想形式。
本世纪初,艺术的抽象形式,尤其是几何形式直接影响了设计的现代化,而设计的探索又同时影响了艺术形式,二者的合力诞生了机器美学,包豪斯典型地代表了艺术推动设计,艺术与设计结合的成就。
艺术家参与设计研究,投入设计实践,可以推动设计进步。
“现代主义之父”威廉·莫里斯是个典型例子。
设计师关注艺术,投入艺术研究,也推动设计进步。
以包豪斯的学生和老师的布鲁尔为例,1920年他进入魏玛包豪斯学习,师从艺术家伊顿和康定斯基,学习色彩和形体理论,接受了相关的训练,为他后来的家具设计奠定了良好的基础。
设计师与艺术家的合作则更有可能推动设计进步。
艺术家包括导演、演员、编剧、音乐家、舞蹈家、制片和舞台美术家通力合作,能够制作出许多优秀的电影、电视剧和广告等,这是艺术与设计合作的结果。
四、设计与艺术的关系应避免的问题
设计与艺术的关系需要避免为艺术而设计的倾向,否认设计的科学技术和经济特征,把设计只作为纯艺术的一个品种,这样,设计就成了纸上谈兵,科学、技术、生产、流通、消费、材料等均成了无关的概念。
同时还需要避免为技术和设计,否认物质产品的精神功能,否认设计的艺术特征,把设计作为纯科学技术的一个行业,这样非常明显地导致设计的纯技术观点,素描、色彩、图案、构成等都成了摆设,艺术思想、艺术技巧、艺术风格和艺术传统,都变成了无聊的言词。
最后,艺术与设计的关系,是一种联系,两者不是孤立的、静止的。
设计只被当作民族民间工艺美术传统图案,艺术仍是苏联式的素描和水彩,尤其是设计在学习和发扬光大的时候,不可能只注重传统或只专注国外的文化,还需要注重设计的本土化和现代化的发展。
3,设计是有目的的策划,平面设计是这些策划将要采取的形式之一,在平面设计中你需要用视觉元素来传播你的设想和计划,用文字和图形把信息传达给受众,让人们通过这些视觉元素了解你的设想和计划,这才是我们设计的定义。
一个视觉作品的生存底线,应该看他是否具有感动他人的能量,是否顺利地传递出背后的信息,事实上她更象人际关系学,依*魅力来征服对象,你的设计有抓住人心的魅力吗?
是一见钟情式的还是水到渠成式的,你需要象一个温文尔雅的绅士还是一个不修边幅的叛逆之子,或是治学严谨的学者。
事实上平面设计者所担任的是多重角色,你需要知己知彼,你需要调查对象,你应成为对象中的一员,却又不是投其所好,夸夸其谈,你的设计代表着客户的产品,客户需要你的感情去打动他人,你事实上是“出卖”感情的人,平面设计是一种与特定目的有着密切联系的艺术。
平面设计的特征:
设计是科技与艺术的结合,是商业社会的产物,在商业社会中需要艺术设计与创作理想的平衡,需要客观与克制,需要借作者之口替委托人说话。
设计与美术不同,因为设计即要符合审美性又要具有实用性、替人设想、以人为本,设计是一种需要而不仅仅是装饰、装潢。
设计没有完成的概念,设计需要精益求精,不断的完善,需要挑战自我,向自己宣战。
设计的关键之处在于发现,只有不断通过深入的感受和体验才能做到,打动别人对与设计师来说是一种挑战。
设计要让人感动,足够的细节本身就能感动人,图形创意本身能打动人,色彩品位能打动人,材料质地能打动人、……把设计的多种元素进行有机艺术化组合。
还有,设计师更应该明白严谨的态度自身更能引起人们心灵的振动。
设计的学习可能有很多不同的路,因为这是有设计的多元化知识结构决定的,不管你以前是做什么的,不管你曾经如何如何,在进入设计领域之后,你以前的阅历都将影响你,你都将面临挑战与被淘汰的可能,正如,想要造就伟大永远不可能是依*人们的主观愿望所能达到的一样
设计多元化的知识结构必将要求设计人员具有多元化的知识及信息获取方式。
第一步:
从点、线、面的认识开始,学习掌握平面构成、色彩构成、立体构成、透视学等基础;我们需要具备客观的视觉经验,建立理性思维基础,掌握视觉的生理学规律,了解设计元素这一概念。
第五步:
你能辨别设计的好坏,知道为什么吗?
上一步通过对设计基础知识的学习,不知不觉你已经进入了设计的模仿阶段,为了向前我们必须回顾历史,既而从理论书籍的学习转变为向前辈及优秀设计师学习。
这个阶段伴随着一个比较长期的一个过程,你的设计水平可能会很不稳定,你有时困惑、有时欣喜,伴随着大量的实践以及对设计整个运转流程逐渐掌握,开始向成熟设计师迈进。
你需要学会规则,再打破规则。
1.你能成为优秀出众的设计师吗?
--对设计师的要求
1、成功的设计师应具备以下几点:
A、强烈敏锐的感受能力
B、发明创造的能力
C、对作品的美学鉴定能力
D、对设计构想的表达能力
E、具备全面的专业智能
现代设计师必须是具有宽广的文化视角,深邃的智慧和丰富的知识;必须是具有创新精神知识渊博、敏感并能解决问题的人,应考虑社会映、社会效果,力求设计作品对社会有益,能提高人们的审美能力,心理上的愉悦和满足,应概括当代的时代特征,反映了真正的审美情趣和审美理想。
起码你应当明白,优秀的设计师有他们“自己”的手法、清晰的形象、合乎逻辑的观点。
2、设计师一定要自信,坚信自己的个人信仰、经验、眼光、品味。
不盲从、不孤芳自赏、不骄、不浮。
以严谨的治学态度面对,不为个性而个性,不为设计而设计。
作为一名设计师,必须有独特的素质和高超的设计技能,即无论多么复杂的设计课题,都能通过认真总结经验,用心思考,反复推敲,汲取消化同类型的优秀设计精华,实现新的创造。
3、平面设计作为一种职业,设计师职业道德的高低和设计师人格的完善有很大的关系,往往决定一个设计师设计水平的就是人格的完善程度,程度越高其理解能力、把握权衡能力、辨别能力、协调能力、处事能力……将协助他在设计生活中越过一道又一道障碍,所以设计师必须注重个人的修为,文人常说:
“先修其形,后练其品”。
4、设计的提高必修在不断的学习和实践中进行,设计师的广泛涉猎和专注是相互矛盾又统一的,前者是灵感和表现方式的源泉,后者是工作的态度。
好的设计并不只是图形的创作,他是中和了许多智力劳动的结果,涉猎不同的领域,担当不同的角色,可以让我们保持开阔的视野,可以让我们的设计带有更多的信息。
在设计中最关键的是意念,好的意念需要学养和时间去孵化。
设计还需要开阔的视野,使信息有广阔的来源,触类旁通是学习平面设计的重要特点之一,艺术之间本质上是共通的,文化与智慧的不断补给是成为设计界长青树的法宝。
5、有个性的设计可能是来自扎跟于本民族悠久的文化传统和富有民族文化本的设计思想,民族性和独创性及个性同样是具有价值的,地域特点也是设计师的知识背景之一。
未来的设计师不再是狭隘的民族主义者,而每个民族的标志更多的体现在民族精神层面,民族和传统也将成为一种图式或者设计元素,作为设计师有必要认真看待民族传统和文化。
平面视觉的科学:
视觉会给人带来一连串的生理上的、心理上的、情感上的、行动上的反应,设计是视觉经验的科学,他包括两个方面,一个是不以人为而改变的即生理感受的人的基本反应,另一个是随即的或不确定因素构成。
如个人喜好,性格等等、等等。
一、相对稳定的方面:
主要是生理上的视知觉,人们的一些视觉习惯、视觉流程、视觉逻辑,如从上到下,从左到右,喜欢连贯的、重复,喜欢有对比的,还有在颜色方面人们最喜欢的其实是有对比的互补色等等。
这都是跟人们的生理上的习惯有关,都是人生理机能的本能反应。
作为设计师应该对这些知识能充分了解、灵活运用,设计是对人本的关注,首先应对文化与人的感知方式这些相对稳定的方面进行研究,并且需要我们在实践中去总结。
二、不稳定的方面:
不稳定的方面主要是指情感、素质、品位、阅历上的不同,在设计过程中你需要具备一定的判断和把握能力,你需要客观和克制,才能完成卓越的设计。
三、设计思维的科学:
设计是必须具有科学的思维方法,能在相同中找到差别,能在不同当中找到共同之处,能掌握运用各种思维方法,如纵向关联思维和横向关联思维以及发散式的思维,善于运用科学的思维方式找到奇特的新的视觉形象,才能不断发现新的可能。
平面视觉的科学其实是一个很大很深的学问,只有在这门学问的健全和深入的推广,才能保证设计水平的普遍提高。
在这里只是抛砖引玉式的提出这一观点,还需要日后结合其他学科的研究成果进行系统的整理和论述。
平面设计的一般流程:
平面设计的过程是有计划有步骤的渐进式不断完善的过程,设计的成功与否很大程度上取决于理念是否准确,考虑是否完善。
设计之美永无止境,完善取决于态度。
4,【摘要】:
“装饰艺术”运动的设计风格是综合性的,在折衷主义立场的影响下,既具有传统的形式美,又追求工业化的技术美;既承继欧洲自古以来的装饰式样,又开创出新世纪装饰艺术典范,成为20世纪主要的设计思潮之一,也将给21世纪的设计提供有益的参考。
【关键词】:
装饰艺术运动风格
【摘要】:
正"装饰艺术运动"是20世纪20年代到30年代起源于法国,在英国、美国等欧美国家相继展开的一场具有较大影响的设计思潮和设计运动,其范围涵盖家具设计、建筑外观与室内装饰设计、陶瓷设计、漆器设计、玻璃器皿、
【关键词】:
装饰艺术运动风格特点灵感来源设计领域形式语言设计师新艺术运动折衷主义艺术家内装饰设计
装饰艺术运动是一个装饰艺术方面的运动,但同时影响了建筑设计的风格,它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会。
当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行,大约1928年,快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。
ArtDeco这个词虽然在1925年的博览会创造,但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用,其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。
artDeco演变自十九世纪末的ArtNouveau(新艺术)运动,当时的ArtNouveau是资产阶级追求感性(如花草动物的形体)与异文化图案(如东方的书法与工艺品)的有机线条。
ArtDeco则结合了因工业文化所兴起的机械美学,以较机械式的、几何的、纯綷装饰的线条来表现,如扇形辐射状的太阳光、齿轮或流线型线条、对称简洁的几何构图等等,并以明亮且对比的颜色来彩绘,例如亮丽的红色、吓人的粉红色、电器类的蓝色、警报器的黄色,到探戈的橘色、及带有金属味的金色、银白色以及古铜色等等。
同时,随着欧美帝国资本主义向外扩张,远东、中东、希腊、罗马、埃及与马雅等古老文化的物品或图腾,也都成了ArtDeco装饰的素材来源,如埃及古墓的陪葬品、非洲木雕、希腊建筑的古典柱式等等。
这种最早出现在法国博览会临时展示馆,看似既传统又创新的建筑风格,结合了钢骨与钢筋混凝土营建技术的发展,让象征着资本主义教堂的摩天大楼成为可能,并且于资本主义中心国家的大城市里得到了实践场域。
典型的例子是美国纽约曼哈顿的克赖斯勒大楼(ChryslerBuilding)与帝国大厦(EmpireStateBuilding),其共同的特色是有着丰富的线条装饰与逐层退缩结构的轮廓。
除了这些举世闻名的建筑物外,在其它类型的建筑物,无论是私人或公共建筑、纪念性或地域性,都可以看见ArtDeco的影响,如方盒状的公寓、巨型的发电厂与工厂、流线型且充满异国色彩的电影院、金字塔状的教堂等等,都因其寓意式的装饰或花纹状的浮雕而被称作ArtDeco建筑总之,ArtDeco的装饰有下列几个主要的特征:
⒈放射状的太阳光与喷泉形式:
象征了新时代的黎明曙光。
⒉摩天大楼退缩轮廓的线条:
二十世纪的象征物。
⒊速度、力量与飞行的象征物:
交通运输上的新发展。
⒋几何图形:
象征了机械与科技解决了我们的问题。
⒌新女人的形体:
透露了女人赢得了社会上的自由权利。
⒍打破常规的形式:
取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等。
⒎古老文化的形式:
对埃及与中美洲等古老文明的想象。
⒏明亮对比的色彩
编辑本段发展
历史
19世纪20--30年代的欧美设计革新运动。
在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。
仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。
以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包括对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。
巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办了装饰艺术展,装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。
它受到新兴的现代派美术、俄国芭蕾舞的舞台美术、汽车工业及大众文化等多方面影响,
设计形式呈现多样化,但仍具有统一风格,如注重表现材料的质感与光泽;在造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰;在色彩设计中强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色,造成强烈、华美的视觉印象。
在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高水平。
格雷(EileenGray)的室内和家具设计,把富有东方情调的豪华装饰材料与结构清晰的钢管家具完美结合。
在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞电影等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求形式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。
尤其在建筑、室内、家具、装饰绘画等方面表现突出。
纽约的帝国大厦和洛克菲勒大厦,在整体外观、室内、壁画、家具和餐具等方面的设计,都表现了典型的美国装饰艺术风格。
位于洛杉矶的可口可乐公司大厦,其建筑设计表现出汽车式的流线型形态。
美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。
在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品(肥皂盒、爽身粉盒等)包装上。
伦敦的克拉里奇饭店的房间、宴会厅、走廊和阳台,奥迪安电影连锁公司兴建的大量电影院等,表现出英国装饰艺术风格与好莱坞风格的结合。
在20世纪80年代,重新受到了后现代主义设计师的重视。
装饰艺术运动是在20世纪20到30年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。
因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展,因此,装饰艺术运动受到现代主义运动很大的影响,无论从材料的使用上,还是从设计的形式上,都可以明显看到这种影响的痕迹。
但是,从思想发展的背景来看,从意识形态的角度来看,现代主义运动的民主色彩、社会主义背景,都从来没有在装饰艺术运动中发生过。
装饰艺术,特别是法国的装饰艺术运动,在很大程度上依然是传统的设计运动,虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容,但是它的服务对象依然是社会的上层,是少数的资产阶级权贵,这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。
因此,虽然这两场运动几乎同时发生,互相也有影响,特别是现代主义对于装饰艺术运动在形式上和材料上的影响,但是,它们属于两个不同的范畴,有各自的发展规律。
20世纪初,一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性,他们不再回避机械形式,也不回避新的材料(比如钢铁、玻璃等等)。
他们认为,英国的工艺美术运动和产生于法国,影响到西方各国的新艺术运动有一个致命缺陷,就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。
时代已经不同了,现代化和工业化形式已经无可阻挡,与其回避它,还不如适应它。
而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵,可以作为一条新的探索途径。
这种认识,普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间,特别是20年代西方的普遍繁荣,美国更是高速发展,造成新的市场,为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。
这一历史条件,促使新的试验的产生,其结果便是20世纪初的另外一场重要的设计运动―装饰艺术运动。
饰艺术运动的名称出自1925年在巴黎举办的一个大型展览:
装饰艺术展览。
这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。
该展览的名称,后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。
但是,装饰艺术这一术语,实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。
和新艺术运动一样,它包括的范围相当广泛,从20年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案,到30年代的流线型设计式样,从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑,都可以说是属于这场运动的。
它们之间虽有共性,但是个性更加强烈。
因此,把装饰艺术单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。
从思想和意识形态方面来看,装饰艺术运动是对矫饰的新艺术运动的一种反动。
“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰,强调手工艺的美,否定机械化时代特征;而装饰艺术运动恰恰是要反对古典主义的、自然(特
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