美术课程基本理念.docx
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美术课程基本理念.docx
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美术课程基本理念
课程简介
《义务教育美术课程标准(2011年版)》修订理念及方案介绍
【课程简介】
本课程学习旨在让学习者了解《义务教育美术课程标准》(2011版)的修订背景、课程性质、理念及实施的具体方案等内容,在此基础上增进教师的教学理解,明晰自身在新美术课程改革实践过程中的角色与作用。
课程内容首先详细说明了美术课程标准修订的必要性(国家战略和美术自身的变化),接着分析了美术课程标准“一以贯之”的部分,如“人文性”“三个维度”“精选课程内容”、“拓展学习方式”、“以评价促进发展”“积极开发和利用美术课程资源”等。
课程主要内容在于分析新美术课程的性质和基本理念,使学习者可以进一步地了解此次美术课程标准修订的具体变化(性质方面:
美术课程“凸现视觉性,具有实践性,追求人文性,强调愉悦性”;基本理念方面:
面向全体学生、激发学生学习兴趣、关注文化与生活、注重创新精神)。
课程最后还对美术课程的目标与呈现、美术课程的教学实施等方面进行了详细说明。
本课程要解决的核心问题在于使学习者了解美术课程标准修订的背景及最主要的变化,进而改善自身的美术教学,践行美术课程标准的基本精神。
【学习要求】
1.结合自身的美术教学实践,谈谈教师在课程改革过程中扮演的角色和作用。
2.总结与归纳《义务教育美术课程标准》(2011版)延续了《标准(实验稿)》中的哪些基本精神与主要内容?
尝试分析其原因及合理性。
3.结合自身的教学经验与理解,思考为什么《义务教育美术课程标准》(2011版)在性质表述上增加了美术课程“以对视觉形象感知、理解和创造为特征”。
4.结合自身的教学实践经验,谈谈对新美术课程的基本理念的具体认识。
5.结合美术课程的“三个维度”,讨论、分析对美术课程总目标的认识和理解。
6.结合自身的教学实践经验,谈谈对美术课程教学实施环节的具体认识(内容可以包括美术教学评价、教材、课程资源开发等)。
专题讲座
《义务教育美术课程标准(2011年版)》修订理念及方案介绍
——宏观与微观:
美术课程标准修订概览
尹少淳(首都师范大学美术学院博导、教授)
一、美术课程标准修订的思路与过程
2012年1月,教育部正式已经颁布了《义务教育美术课程标准》,这一标准的出台,可谓是”千呼万唤始出来”。
这说明修订是一个很艰难的过程。
其实编写也是个很艰难的过程,实施更是个很艰难的过程。
我们现在的《义务教育美术课程标准(2011年版)》(以下简称《2011版课程标准》),在修订的前期,是做了大量工作的。
(一)《全日制义务教育美术课程标准(实验稿)》对美术课程的影响
1.对教师的影响
《全日制义务教育美术课程标准(实验稿)》(以下简称《实验稿课程标准》)出来之后,应该说对中国基础美术教育的影响非常大。
主要体现在老师的变化,学生的变化,还有就是教材的变化,甚至引起整个美术教育发生新的变化。
从直观来说,老师的变化首先体现在教学实践这一块,也就是说老师的教学内容和教学方法,相比较而言发生了很大的变化。
课改之前的教师大多以讲授式的教学为主,而现在新课程强调学生的自主、探究和合作。
这也反映出教师观念的变化。
我们知道,过去的老师,教美术往往更强调学科知识,就是教技能、教技巧,这与很多大学老师的教学方式比较相近。
但是大学老师教的对象和我们不一样,我们针对是中小学生。
现在教师的观念拓展以后,逐渐认识到美术教育针对的不仅是技术、技巧的问题,也不是单纯美术本体的问题,而是需要通过美术教育这么一个学科教育,来引起学生身心发生变化。
当然我们不否定对美术知识和技能学习,但是应该眼界更开阔一点,应该发展学生的创造力、想象力、发展智力、道德观念、审美观念、社会意识、生命意识。
很多老师过去主要是进行技能、技巧方面的教学,这个范围是非常狭窄的。
因为我们也知道,技能、技巧是个价值中立的东西,无所谓好,也无所谓坏,技能、技巧只有跟人文的东西结合在一起,才能显示它的好坏。
比如一件武器,你说是好是坏?
武器本身是个价值中立的东西,关键得看谁来用它、用它干什么,用它来保卫国家、保卫人的生命,它就是善的;用来摧残人的生命,那就是恶的。
美术的技能技巧也是一个中性的,关键看用来表现什么东西。
因此,技能、技巧的学习,一定要跟价值的东西联系在一起,才会显示它对社会、对人的有益的一个价值。
现在很多老师认识到了这一点,不再单纯中立地教这些技能、技巧,而是把它跟文化结合在一起。
其次,老师的变化还体现在其主体性增强了,他们不单是课程的实施者。
我们过去常把教师说成是“教书匠,”所谓教书匠,就是一个没有多大创造性的人,他只是按照设定好的内容和程序进行实施。
但是我们现在的老师不一样,他是一个研究者,还是一个设计者。
他要动脑筋,真正成为一个思维的主体,只有这样他们在教学的过程中,才可以发挥很大的创造性。
而且老师现在能够自主地去开发课程,可以处理教材,广泛、主动地收集资源完成自己的教学,并采用多种方式进行评价。
2.对教材的影响
《实验稿课程标准》也影响了教材。
教学依赖教材,是我们一个的教育传统。
过去的教材比较单一,而我们现在的教材栏目比较丰富,为学生提供了学习的“脚手架”,可以帮助教师引导学生进行学习,而且跟人文、社会生活联系在一起,版式也更加美观大方。
所以说,教材的变化很大。
3.对学生的影响
学生的变化应该也是显而易见的,过去美术课程强调教技能、技巧,而且具有浓郁的专业色彩,难度较大,学生经常感到无趣、单调。
而现在的美术课程与学生的生活联系在一起,而且教学的愉悦性得到了增强,所以学生对美术的感觉也在变,感觉美术不像过去那么冷,具有暖性特征,因而愿意更加亲近美术。
(二)美术课程标准修订的原因
我们为什么要修订课程标准呢?
主要原因在于社会发生了很大变化,教育发生了变化,学科也发生了变化,所以我们要对课程标准进行修订。
那么修订课程标准,首先必须有一些思路。
众所周知,课程改革始于2000年,为什么会是2000年呢?
2000年意味着进入一个新的世纪。
对新的世纪大家有一个期待,要通过教育做出反应。
种种的设想,教育就要面向21世纪,回答它的问题。
课程改革不仅是中国的事情,是人类都在关心的问题,一些主要的发达国家和地区都在进行着课程改革。
美术教育是个学科教育,它的基础实际上是学科。
基础变了,那美术课程是不是也要变呢?
按鲁迅的话:
“从之以移”,其实美术的确也发生了很大的变化。
通过“八五”新潮,西方的一些现代观念、方法和手段被引到我们的美术中来,造成美术本身发生了很大变化。
美术的样式也在变化,我们过去只强调写实,现在是各种样式都出现了,抽象的、意象的,表现的、象征的。
新媒体也在出现,并广泛地运用于美术创作活动中。
任何一个信息的传达都是依赖于媒体的,美术可能更受媒体变化的影响,而且对媒体的操作也是其它学科做不到的。
实验艺术的概念和实践也获得了广泛的认可。
所谓实验的概念最先由贡布里希提出,他把印象派,或者后印象派以后的人类的艺术的探索,称为一个实验性的艺术。
它可能有不确定的东西,可能是没有经过沉淀的东西,但是它很活跃,就像我们把一碗水搅动起来,可能什么都有,精华、糟粕什么都有,有赖于一个沉淀的过程,然后在里面去选择好的东西。
所以实验艺术本身虽然是不确定的、庞杂的,但是我个人觉得,它对人的思维的开发,是有好处的。
尤其对儿童的一些思维的开发,应该说是有好处的。
我们也知道,实验艺术现在已经进入我们的国家教学体系中。
一些大学中出现了实验艺术这样的专业或者这样一个学科,意味着我们高等教学体系承认了它、接受了它。
此外,我们的体制也在接受它,中国美术家协会去年就成立了一个实验艺术委员会。
既然高等教育承认了实验艺术,体制也承认了它,那我们基础教育能排斥它吗?
显然不能。
基于上述原因,我们觉得课程标准的修订都是非常重要的。
(三)美术课程标准修订时坚持并完善的内容
我们现在要谈一个问题,就是课程标准叫“修订”,而不是叫“重新编写”,这意味着很多东西要延续下来。
我们可能要把握住,原来的课程标准有哪些东西值得我们去坚持。
这次课程标准修订,对于原来一些有益因素需要进行积极地传承或者延续。
比如说,美术课程对文化、对人文精神等方面的关注,还有新的学习方式、课程资源的开发等,这些对于学生终身学习、素质的发展,还是相当有必要的。
归纳起来主要是以下几点:
第一,将美术课程定性为人文性;第二,从三个纬度来表述课程目标;第三,精选课程内容;第四,拓展学习方式,尤其是研究性学习、自主学习和合作学习;第五,以评价来促进学生在美术学习方面的发展;第六,积极开发和利用美术课程资源。
这里,我们不全部展开,重点剖析几条。
1.关于定性的问题
我们知道,不同的定性会引发不同的行为。
有什么样的定性,就会引发相应的行为,所以定性很重要。
比如,我们如果把美术馆、博物馆和公园我们定性为盈利性的单位,那收费就是理所当然的事情,但是定性为公益性的、非盈利性的,它就不能收费。
我们最初给美术课程的定性是“人文性与工具性兼备”,如果仅仅强调“工具性”,美术课程就会努力让学生掌握技法。
所以我们当时定人文性,是跟工具性一起说的。
后来在讨论时,有专家提出来,美术定工具性好像不妥,因为我们在中小学,能够定工具性的课程的是语文、数学和外语。
不管怎么说,定人文性,应该说是一个很大的进步。
因为过去我们认为,美术就是技法的东西,定人文性是一个拓展,这个拓展大大地丰富了美术的内涵,所以定人文性这一点,需要坚持。
2.关于三个维度的课程目标
对于三个维度,其实老师们都耳熟能详,就是知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观。
先说知识与技能。
这一维度局限在学科里面。
先说知识吧。
我们知道将原色调成间色,红黄蓝两两相调,变成橙绿紫,就是知识;能够调出来就是技能。
我们讲素描,有哪些知识呢?
第一,什么叫素描,一般定义为单色画;第二,作用是什么,收集素材、画草图,同时是独立的绘画形式;第三,明暗素描画法的步骤是什么,比如构思构图、画大体明暗、深入刻画、调整统一等。
知道这些就是了解了知识,能够把它画出来是掌握了技能。
再说过程与方法。
这一维度既有学科性也有普遍性。
过程与方法有很多,还用上面的例子吧。
老师可以直接说黄加蓝等于绿,学生认知记忆就行了,这是一种方法。
老师直观演示,学生观察和认知,也是一种方法。
过去我们老师怎么做呢?
在一张白纸上先画上黄色,干了后覆盖一层蓝色,重叠部分变成绿色。
看美国DBAE的录像,美国的老师用三个杯子分别放不同颜色液体,然后相互倒入,黄色和蓝色混在一起就变成了绿色,这是另外一种直观演示方法。
2004在西安举办的全国美术课现场观摩中,一个新疆老师载歌载舞,然后出其不意地将三个鸡蛋砸在悬挂的白布上。
鸡蛋是抽空了,分别注入红黄蓝三种颜色。
颜色在白布上互相渗流在一起,学生看出来黄色和蓝色在一起变绿色……这些教学方法都是演示。
还有老师让学生看视频看书,让他们自己观察和归纳。
也有教师让学生自己尝试自己调配,再体验和归纳。
即让学生讨论一下会变什么颜色或者互动合作实验,学生相互之间可以启发进行认知,形成一种归纳。
这些都是不同的过程和方法。
这一维度,实际上是在让学生体验学习的过程,掌握学习的方法。
最后说情感、态度与价值观。
这涉及学科,也涉及普遍性。
比如通过色彩知识的课程学习以后,应该培养学生什么样的情感呢?
热爱多彩的自然和生活,向往光明,而且愿意用适合的色彩表达自己的感受和美化装饰自己的生活。
三个维度的目标达成以后,学生应该怎么样呢?
知道三原色调配原理,能调出橙、绿、紫等间色,并用于绘画;还应该知道如何获取这种知识和技能方法,比如如何把握教师直接讲述的要点,如何查阅书籍和资料,如何进行探索和归纳,如何与学生交流与合作;能够热爱多彩的自然和生活,愿意用色彩表达自己的感情和美化自己的生活。
这是整个教学活动完成后应该形成的结果。
但在现实中,我们特别容易忽视的是第二个维度——过程与方法。
对此,我们可以进一步展开。
你们听说过“禽兽不如”这句话吗?
这似乎是一句咒语。
但是仔细一想,其中有些道理。
我们真的比禽兽好吗?
实际上,我们在很多方面“禽兽不如”。
速度和马比,马强,我们“禽兽不如”;鼻子和狗比,狗强,我们“禽兽不如”;眼睛和鹰比,鹰强,我们“禽兽不如”。
我要说的是从某种意义上的“教育的禽兽不如”现象。
动物其实可以分两类,一类生出来以后不需要父母的养育就能够存活,比如龟、蛇、鱼、蛙。
我们给自己孩子讲过“小蝌蚪找妈妈”的童话。
小蝌蚪会找妈妈吗?
它知道妈妈是谁吗?
答案是否定的。
我们自己愿意受骗,也愿意骗孩子,我们宁愿罔顾事实,也要保持这一美丽的童话。
但是还有一些动物,尤其是哺乳动物在成长的过程中是一定要父母养育的,没有父母养育便活不了。
一些哺乳动物和卵生动物就是如此。
这类动物最大的特点是有一个养育期。
人类就是这样的动物,人类不是哺乳动物不可能发展到今天这个程度,除了遗传密码之外,很多东西是向父母学习和向社会学习的结果。
我们具体来看一些禽兽。
小时候很多禽兽需要父母亲把食物喂给它们,但是父母会永远提供食物吗?
不会。
所以在它们的发育过程中要学习捕食。
如果不会觅食捕食,按照自然的法则必死无疑。
这里是个比喻,食物是知识,觅食是学习的能力。
我们以前常遇到的现象是,孩子的知识一直就是学校找好了给他们,家长找好了给他们,甚至到了大学也是这样,学生自己不会学习。
禽兽父母将食物给孩子的时候,孩子表现出嗷嗷待哺的态度。
对于人类,当老师给学生知识的时候,他们如何表现的呢?
他们拒绝“进食”,得撬开他们的嘴往里填。
我们真是“禽兽不如”啊。
因此,一个人必须学会学习。
上个世纪70年代,刚刚恢复高考,人才奇缺。
学美术的和学数学的必须干与美术和数学有关的事情,否则就是专业不对口,浪费人才资源,浪费国家资源。
现在学美术就一定从事美术工作吗?
中央美院这么多学生毕业,有多少在从事美术工作呢?
很多人没从事美术,这是很正常的。
现在的社会中,有一个工作,能够生存就不错了。
如此看来,大学所学的东西,出去以后不一定用到。
生存下去需要什么能力呢?
学习能力。
没有这个能力就不能生存得很好。
我们在中小学的学习状态叫做“以学待用”。
大家在中学时都学过函数,但在生活中很少能运用到。
我们在中学所学的很多知识都在等待着用,但有的却永远都用不到,这是一种学习状态。
还有一种是“以用带学”,我们现在拥有的很多知识正是“以用带学”的结果。
例如,我过去学美术的时候没有学过设计,也不知道三大构成,后来教书的时候教材出现设计、三大构成等知识,就自己学,因为需要用。
们现在很多东西就是“以用带学”。
这就要求有学习兴趣,有学习能力,而我们的学生往往缺乏的就是学习兴趣和能力。
哪个孩子学会了学习,在社会上就会有很好的发展。
我们自己的成长经历告诉我们:
越能学习、越会学习,发展得就越好。
事实上,我们的很多学习是在没有老师教的时候进行的。
学习心理与能力需要在学习过程中不断地培养。
好奇心和求知欲是最宝贵的东西,任何学习和创造如果没有它们就很难有所发展,但是我们现在以知识、技能学习为重,常常忽略甚至牺牲它们。
有的小孩学会了钢琴,但是对钢琴却特别讨厌;还有孩子去儿童班去学美术,很快乐,家长却说越画越不行,让他进素描班,使得他的美术毫无兴趣。
任何知识的学习都不能以牺牲学生好奇心和求知欲为代价,因为成本太高了。
还有是观察能力,美术有助于培养学生的观察能力。
因为美术讲整体观察方法,注意局部与整体的关系。
我有一个学美术的同学在一个县做规划局局长,做了很多设计、规划,很自豪,也很自信。
他跟我说:
“我学美术虽然没搞美术,但是美术给我最大的收获是学会了整体观察和整体思维,它们给我的工作提供了方便。
”观察能力对美术很重要,发现物体之间的异同是我们需要培养的观察能力。
模仿是很重要的学习能力,其中有天生的因素,但也可以在美术中得到培养。
分析与归纳能力也值得关注。
分析要求我们首先对任何问题进行分类,有了分类才有分析,有分析才有思维。
归纳能力和观察能力是结合在一起的。
在现实生活中,我们经常要对一些现象进行归纳。
比如从西客站出来,我们看到街上很多女孩子穿黑裙子,我们没注意;走到三元桥,又看到很多女孩子穿黑色裙子,还没注意;再走到花家地,还是看到很多女生穿黑色裙子,这个时候应该归纳了——今年北京流行黑裙子。
我们在教育中有的现象如果反复出现,就要加以注意,要进行研究,最后加以归纳。
我经常要求研究生必须有几种能力。
第一是叙述能力。
能把一个事情讲清楚,前因后果,来龙去脉,人物、时间、地点、结果讲清楚。
美国前副总统戈尔的首席撰稿人丹尼·平克写过一本叫《全新思维》书,其中就谈到现代人需要讲故事能力。
第二是论证能力。
要证明自己的观点正确或者其他人的观点错误的时候,必须要拿出一定的充分的论据来,并加以有逻辑性的证明。
做学术研究尤其需要这种能力。
第三是隐喻能力,也就是打比方的能力。
这会使我们的思维和讲话更生动。
第四是信息获取能力。
我们的研究生是一个群体,但其中一些同学信息特别多,很善于通过各种途径找信息;有的同学信息贡献率很低,不善于寻找信息。
其他如与他人交流与合作能力也很重要。
因为现代社会很多事情不是单打独斗可以完成的,需要与方方面面的人合作。
3.关于精选课程内容
精选课程内容是改革的要点之一。
任何课程都是建立在相应的学科知识之上的。
美术的知识与技能如此之多,而我们的美术课非常有限。
怎么办?
不能把无限的美术知识和技能全放的有限的课程中来,这就必须进行选择。
这里需要分几个步骤进行。
第一个步骤是进行选择。
不能完全依据专业要求来选择,并非越专业越好,要针对对象。
基础教育的对象是普通学生,将来不一定从事美术专业,所以要选对他们发展有用的和能够学会的。
没有用的没必要选,学不会的也没必要学。
第二个步骤是加以组织。
组织通过两种方式来获得:
一种是分类,一种是分级。
分类是很重要的能力,事物常常是混沌的、综合的,无论是出于思维的目的,还是行为的目的,都需要对它进行分类。
比如,买来的豆腐那么大一块,不可能直接放在锅里煮吧。
需要根据不同需要切,做麻婆豆腐就切丁;做家常豆腐就切片。
同样美术知识选好以后也得切,我们现在切成四块,就是四个学习领域;日本切两块,即现与鉴赏;美国国家课程标准切6块。
我们原来的教学大纲切三块,绘画、工艺、欣赏。
除了分类还得分级,怎么分级?
义务教育分四个学段。
分类和分级完成以后就形成了美术课程。
美术课程被设计好之后被承载于课程标准上和美术教材中。
由知识到课程就这个过程。
这个过程适合于国家课程标准制定,也适合于校本课程的编制。
4.关于拓展学习方式
我们现在讲学习方式主要是两种相对的学习方式,即接受性学和研究性学习。
很多人主张转变学习方式,但我主张提拓展学习方式。
因为转变有位移的意思,即采用了新的必须要抛弃旧的。
但我们需要的态度是采纳新的,并不一定要抛弃旧的。
因为两种学习方式各有所长,应该兼顾。
过去的我们强调接受式学习。
课程改革以后,强调探究式学习或探究性、研究学习,它更能更加关注学生的学习过程,以及学生主体之间的那种相互合作。
我们过去提课程改革,有个口号:
“转变学习方式”。
转变意味着什么呢?
就是从那个位子移到这个位子上来,也就是把过去要抛弃掉。
那难道我们不要接受式学习了吗?
不是。
接受式学习有它的价值。
接受式学习有它的优点,它可以把一些美术知识或者技能,在短时间内,来一个集中的呈现。
这对于像一些欣赏课教学,比方说风格流派的一些讲述,还是有它极大的作用的。
而且它可以预先组织得非常好。
但它的缺点在于很难启发思维。
而研究性学习需要有一个明确的问题,然后动用一些学术方法、秩序去找到结论,所以它的优点就在这个地方。
但它也有弊端,比如说操作起来费时、费力,对老师、对学生的要求很高。
还有它可能不系统。
所以我用了拓展这一个词汇。
拓展与转变有着不同的意义。
转变是一个位移,就是有了新的抛弃旧的这个意思;拓展具有包容性,就是原来的东西还要,有喜新不厌旧的意思。
所以我想,人类对学习方式和方法的态度应该是多多益善。
二、美术课程的性质、基本理念和设计思路
其实美术课程标准在2004年,就进行了一次修订。
可能因为当时的社会环境不一样,所以并没有正式颁发和实施。
2007年,国家又开始正式启动修订工作,并对组织机构做了调整,专门成立了课程标准修订组。
修订工作主要是分成两块:
调研和修订。
有教育部组织的调研,也有课程标准组自己的调研。
最后在调研的基础上,进行修订。
从2007年开始,我们就进行修订,一直到了2011年才算完成。
2011年底,教育部正式颁发了2011版课程标准。
(一)美术课程的性质
我们有时候认识一个事物,最好从它的本质开始,这有助于我们直接的或者第一时间的把握这个事物和事情的内在的精髓。
那么对于课程标准来说,就是美术课程的一些本质,换言之就是它的基本性质和基本理念有哪儿,然后秉承了这样的理念,我们美术课程的一些内容,又是以怎样的一种方式来呈现的?
如前所述,美术课程的性质在于其人文性。
我们将美术课程性质定为人文性的时候,曾遭人诟病。
有人认为,人文性这个帽子,不是美术学科独有的,其他学科也可以戴,那美术学科定性的独特定性就无从体现。
这是个让我们破费周折的问题。
最后,我们对美术课程的定性是:
“以对视觉形象的感知、理解和创造为特征,是学校进行美育的主要途径,是九年义务教育阶段全体学生必修的基础课程。
在实施数字教育的过程中,具有不可替代的作用。
美术课程凸显视觉性,具有实践性,追求人文性,强调愉悦性。
”这番话描述了美术课程在基础教育中的位置和作用。
这里最值得注意的上前面的那句话,即“美术课程是对视觉性的感知、理解和创造为特征的”。
这一句话可以说是美术课程区别于其他课程的基本特征。
美术课程最重要的是什么?
就是视觉形象,不是其他东西。
每一个学科都有自己的基础,比如数学的基础在于数字、符号;语文的基础在于文字、语言的表达。
而美术学科,不管是平面的绘画,还是那个三维的雕塑作品,甚至一些实验艺术,其基础都比较倾向于视觉造型性。
视觉形象是个基础,那我们美术课程,会怎么样去针对这个视觉形象呢?
我想有这么几个方面,就是三个角度,即感受、理解、创造。
我们先看看感受。
我们观看视觉形象,要注意它的形状、色彩、结构、材质、肌理、空间、比例、规格。
这就是感受,感受是和观看并合在一起的。
所以我们也叫观察。
一般的学院教育里,培养什么样的观察方法呢?
所谓整体的观察方法就是从大的地方着眼,看细节,然后又把细节跟这个整体进行比较。
作品细节丰富、具体,但却不失整体效果,这恰是徐悲鸿讲的“尽精微致广大”。
第二就是要理解。
因为视觉形象是有寓意的,能够表现一些东西。
如果我们看到人家提供的一个图形,一个形象,无论是一般的事业形象也好,还是作为艺术形象也好,就需要理解它。
比如太极图是什么意思呢?
它就是代表了阴阳两面,天地两部。
白中有黑,黑中有白,表示阴中有阳,阳中有阴。
面对《格尔尼卡》这一视觉形象,你也要理解它。
比如,你要告诉孩子,这是立体主义风格。
立体主义风格,有一个特点,正如贡布里希所说,就是我们人类的绘画艺术是由画知到画见的一个变化。
古代埃及艺术,它重视视觉感受,仅仅是一个图式。
毕加索画《哭泣的女人》,画的有正面、有侧面,把它们结合在一块儿了,是立体主义的一个特点。
作者还把形象拆开以后重组,并运用了象征寓意的手法。
其中半牛半人是邪恶势力的代表;马的死亡预示着生命的死亡。
因为马是一种冲动性的力量,按照弗洛伊德的解释,属于那种内需力、力比多、生命本能。
第三就是要创造。
美术不仅仅是去动动嘴、动动脑,它还要去创造。
创造,我的理解是,用手或者用手来操作工具。
比如说画画,一般是用笔,笔是用手操作的。
然后运用技法,来改变材料的形态,创造出一种新的形象,这就是创造的一个本意。
创作需要技术。
技能包括很多种,描绘那些剪、刻、雕、塑、折、曲、卷、贴、烧、染、喷接都是技术。
儿童在学技术,成年人也在学技术。
加了上面的限定语之后,就把美术课程的性质和特征表示出来了。
相应地,凸显视觉性也是突出美术学的特征,美术课程的一个基本指向是视觉性。
对于美术课程的实践性,很多人质疑其他课程也具有实践性,那么美术课的实践性跟其他的实践性何有区别?
美术能够创造出一个新的物象来,这是它与其他学科最大的区别。
所以美
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