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美的历程读书笔记4000字
《美的历程》,作者李泽厚,笔者所使用的版本是由三联书店于201X年出版的版本。
下面是小编为大家整理的美的历程读书笔记4000字,欢迎大家阅览与学习!
【美的历程读书笔记4000字一】
引言:
这次读书报告,我选择了著名的美学名著《美的历程》。
在经过了十几天对本书孜孜不倦的阅读后,我无尽感慨,作者李泽厚在30年前写的这本书居然能如此唤起我的共鸣,现在我只希望用详细的报告向老师和同学们讲述一下这本书的精妙之处。
一.内容概述:
《美的历程》是中国美学的经典之作,凝聚了作者李泽厚先生多年研究,他把中国人古往今来对美的感觉玲珑剔透地展现在大家眼前,如斯感性,如斯亲切。
今配以精美的插图,本书就更具体地显现出中国这段波澜壮阔的美的历程。
《美的历程》从宏观鸟瞰角度对中国数千年的艺术、文学作了概括描述和美学把握。
其中提出了诸如原始缘故艺术的“龙飞凤舞”殷周青铜器艺术的“拧厉的美”,先秦理性精神的“儒道互补”,楚辞、汉赋、汉画像石之“浪漫主义”,“人的觉醒”的魏晋风度,六朝、唐、宋佛像雕塑,宋元山水绘画以及诗、词、曲各具审美三品类,明清时期小说、戏曲由浪漫而感伤而现实之变迁等等重要观念,多发前人之所未发。
《美的历程》全书共分十章,每一章评述一个重要时期的艺术风神或某一艺术门类的发展。
它并不是一部一般意义上的艺术史著作,重点不在于具体艺术作品的细部赏析,而是以人类学本体论的美学观把审美、艺术与整个历史进程有机地联系起来,点面结合,揭示出各种社会因素对于审美和艺术的作用和影响,对中国古典文艺的发展作出了概括的分析与说明。
二.理论与方法:
作者认为,艺术趣味和审美理想的转变;并非艺术本身所能决定,决定它们的归根到底仍然是现实生活,故而考察一个时代的文艺,必先考察那个社会的政治、经济情况,本书的每一章都大致遵循着这一思想构架而展开。
这里以第六章《佛陀世容》为例说明。
本章论述佛教石窟艺术。
作者把它分为(甲)魏、(乙)唐前期和(丙)唐后期、五代及宋三个时期和类型。
从这三个时期的发展和演变中,可以明显看出艺术是如何决定于社会状况的。
从东汉灭亡到唐帝国建立,这中间的四百年是中国历史上一个大动乱的时期。
朝代屡换,战乱频仍,阶级和民族的压迫剥削残酷而野蛮,常有暴虐杀戮,苦难无边。
现实世界毫无公平和合理可言,于是佛教走进了人们的心灵,人们在宗教中得到安慰,得以逃避现实世界。
于是,相应的体现在石窟艺术上,如割肉喂鸽、舍身饲虎等悲惨的佛经故事成为壁画的主要题材,这无疑是悲惨现实的艺术写照;另外石窟佛身雕塑的造型特征却是宁静、高超、飘逸的,正是这与人世间的强烈反差,使得人们把绝望中的希望、美好的理想都寄托在它身上。
此时的北魏雕塑,形成了中国雕塑艺术的理想美的高峰。
这是第一时期。
第二时期是唐前期,此时社会和平稳定,于是对佛国的想望和宗教的要求便有变化,在石窟中,则佛像有了更多人情味和亲切感,而壁画中先前那些残酷悲惨的场景图画也消失了,代之以各
种幻想出来的“极乐世界!
’的佛国景象。
这一时期的石窟艺术,被作者称为“幸福存梦想,以引人入胜的虚幻颂歌”。
第三时期起于中唐,当时经济上较为发达,政治上科举制度确立,世俗地主势力大增,而中上层广泛追求奢侈享受。
中国封建社会开始走向它的后期。
这一历史变化到北宋完成。
而这一切在敦煌壁画中体现出来:
现实生活的写真逐渐在壁画中占据重要位臵,人世的生活战胜了天国的信仰,艺术的形象超过了宗教的教义。
而到了宋代,雕塑同样迅异于魏、唐。
它不是思辨的神(魏)或主宰的神(唐),而完全是世俗的神,即人的形象。
这时的石窟艺术,其宗教意义已微乎其微了。
石窟艺术这三个时期的演变,正昭示着艺术的发展与变更正与社会的发展与变更息息相关。
再如第七章《盛唐之音》。
提起唐代的艺术,相信大多数人都会最先想到唐诗。
唐诗正是盛唐艺术的典型代表,也是中国诗歌艺术的顶峰。
那么,它何以出现在这一时代呢?
作者的分析给出了答案。
唐代是中国古代最为辉煌的时代,帝国初始,在政治、财政、军事上都非常强盛,对外开疆拓土,军威四震,国内则是相对的安定和统一。
一方面,南北文化交流融合,另一方面,中外贸易交通发达,同样也带来了异域的文化。
这是空前的古今中外的大交流大融合。
无所畏惧无所顾忌地引进和吸取,无所束缚无所留恋地创造和革新,打破框框,突破传统,这就是当时的社会氛围和思想基础。
在政治上,官阶爵禄日益代替阀阅身份,成为唐代社会视为最高荣誉所在。
先前的门阀士族被压制,世俗地主阶级的势力在上升与扩大,科举制度的确
立,使得知识分子可由考试而做官,参与和掌握各级政权,突破了先前门阀世胄的垄断,一条充满希望前景的新道路在向他们开放。
等待着他们去开拓。
个人、民族、阶级、国家都处于欣欣向荣的上升阶段。
就在这样的社会条件下,孕育出了盛唐艺术,孕育出了唐诗。
它蕴含着对有血有肉的人们现实的肯定和感受,幢憬和执着,渗透着具有青春活力的热情和想象,即使是享乐、颓丧、忧郁、悲伤,也仍然闪灼着青春、自由和欢乐。
初始,卢照邻骆宾王使诗歌由宫廷走向生活,刘希夷张若虚又使之变而为青春少年的清新歌唱;王勃等初唐四杰继而把《春江花月夜》式的少年空灵的感伤,化而为壮志满怀求建功立业的具体歌唱;终于,陈子昂喊出“前不见古人,后不见来者……”盛唐之音自此而始。
此后,边塞诗、田园诗各擅胜场,前者豪迈勇敢,一往无前,后者优美宁静,明朗健康。
而李白,更以其狂放恣肆的气魄,天纵神授的奇才,奏出了盛唐艺术的最强音。
惟其有盛唐,才能有唐诗,有李白。
在本书中,作者以细密的考察论述了绘画、雕塑、建筑、文学、书法等艺术门类在各个时代的兴起与演变。
并在充足的个例分析之下以高度凝练的语言指出了各个重要对代的艺术精神:
汉代文艺反映了事功、行动,魏晋风度、北朝雕塑表现了精神、思辨,唐诗宋词、宋元山水展示了襟怀、意绪,以小说戏曲为代表的明清文艺所描绘的则是世俗人情。
三.延伸扩展讨论:
在这个部分,我要比较讨论一下《美的历程》和《汉字的魔方》。
之所以把这两本书放到一起说,不只是因为这两本书是我连着读的,还由于,这两本书都谈到了一回事,就是围绕一件作品,创作者和欣赏者之间的关系到底是怎么摆的,以及,欣赏和评价作品,需要什么样的前提和准备。
而且,这两本书里的有些观点,其实又恰好可以相反相成,很是好玩
读完了之后,又把手边所能找得到的诗话词话讲写作的书都翻出来选读了一下,包括刘勰的,严羽的,袁枚的,还有王国维的与老派谈起其中的某个细节:
李泽厚先生在书里有个说法,大略是讲,李白的诗好,但终究是个别天才的神来之笔,让人看的热血沸腾,继而发觉自己登天乏术,只好恨的牙根直发痒,要到杜甫时代,才使得写诗,写好诗,成为了有章法可循的事情,所以李白的欣赏价值高于杜甫,而杜甫的取法意义超过李白。
所以世间对此二人的评价,一为仙,一是圣,倒也合得各自的特点。
修仙不是谁都够资格的,那得看有没有仙根,是不是这个材料,而圣人则相对简单了,人人皆可为尧舜(其实儒家学说在这里有很大的分歧,关于此事,前人之述备矣,我就不画蛇添足了,有兴趣的自己去查)
呵呵,老派说,熊掌当然好过鱼
纵然是龙肝凤髓又如何?
它肯教我擒龙绝技吗?
入宝山而只看旁人满载而归,空眼气别人的喜悦,也未必就一定好过自己在野地里挖到几只土豆萝卜
不过有一点我是同意的:
谈论作品,就要涉及到时代,但是不可
过分去套时代,理解作者,就要通过作品,但是又不能完全只看作品。
其实这两点我在老帖里都曾经提过,但是这次还要再补充一点:
讨论李白的时候不要考虑时代,谈论某一时代潮流的时候也不要去想李白,李白是不属于任何时代的,因为李白属于所有的时代
其实这两者之间的区别,拿来品评这两本书,倒也有几分可取。
《美的历程》写的纵横捭阖,怎么赞美都不过分,然而却是丝毫不露通往莲花深处的金光大道之痕迹,仿佛鹰飞唳天,鹤鸣九皋,我等只合得在地面上抬望眼仰天长啸,却绝无与洋同兴的份;《汉字的魔方》倒是一步一步的安稳的走在地面上,纵然它健步如飞,而我等步履蹒跚,却也心下有数,早晚,能够走到,只要有足够多的寿命,大方向不错,这就是ENIAC和eMac的区别而已,只有效率区别,没有能力差异。
四:
评论:
艺术和美是精神与心灵的外化、表现和寄托。
“美的历程”也是中国民族精神的历程,民族的艺术史也就是民族心灵的历史,随着民族精神的演进而不断变化发展。
因此,在本书中,谈艺术的发展之前,作者必先谈社会、思想的变化和演进,以期理解艺术和美发展的内在因素和相互作用。
1、艺术之起源
原始人群就开始用某种艺术形式来表达社会的含义。
装饰品和某种色彩的使用“不只是感官愉快,而是其中参与了、存储了特定的观
念意义。
在对象一方,自然形势(装饰品、色彩)中已经积淀了社会内容;在主体一方,官能感受(对某种色彩感觉愉快)中已经积淀了观念性的想象、理解。
”美,因此就不只是简单的形式,而是带有社会意义的“有意味的形式”。
图腾是重要的写实形式,寄托一个部落的观念和希望。
原始写实的图案逐渐发展为抽象的线条和纹饰。
这种抽象的几何图案和线条实际包含着大量的远古时期人类复杂的情感、观念和想象,在不断的综合、抽象的过程中,虽已不再能用理智、逻辑、概念诠释清楚,但仍保留在美这种“有意味的形式”当中。
“人的审美感受之所以不同于动物性的感官愉快,正在于其中包含有观念、想象的成分在内。
美之所以不是一般的形式,而是所谓“有意味的形式”,正在于它是积淀了社会内容的自然形式。
所以,美在形式而不即是形式。
离开形式(自然形体)固然没有美,只有形式(自然形体)也不成其为美。
”
进而形式逐渐摆脱模拟、写实,使自己取得了独立的性格和前进的道路,它自身的规律和要求便日益起着重要作用。
美的形式和人之间不断互动,形式由人来丰富和发展,同时形式也影响着人的感受和观念。
2、从青铜器的发展变化看艺术随时代而变之特点
商代“以饕餮为代表的青铜器纹饰,就具有肯定自身、保护社会、“协上下”、“承天休”的禛祥意义。
”这些纹样“特征都在突出这种指向一种无限深渊的原始力量,突出在这种神秘威吓面前的畏怖、恐惧、残酷和凶狠。
”具有强烈的宗教意义,是原始部落图腾文化发展到高级形式的表现。
进入春秋以后,“社会发展,生产力提高,保留有大量原始社会体制结构的早期宗法制走向衰亡.....社会的解体和观念的解放是连在一起的.....殷周以来的远古巫术宗教传统在迅速褪色,青铜饕餮也失其权威,多缩小而降低于附庸的地位。
”时代在变,艺术的功能和审美情趣也为之一变,宗教束缚的解除,使现实生活和人间趣味更自由地进入了作为传统礼器的青铜领域。
青铜器的纹饰也以接近生活的写实面貌和比较自由生动、不受约束的新形式出现。
3、理性主义为华夏艺术奠基
孔子用理性主义精神来重新解释古代原始文化——“礼乐”。
他把原始文化纳入实践理性的统辖之下。
所谓“实践理性”,是说把理性引导和贯彻在日常现实世间生活、伦常感情和政治观念中,而不作抽象的玄思。
把传统礼制乃至远古传说、宗教活动全部给予实践理性的心理学的解释,从而把原来是外在的强制性的规范,改变而为主动
性的内在欲求,把礼乐服务和服从于神,变而为服务和服从于人。
孔子不是把人的情感、观念、仪式(宗教三要素)引向外在的崇拜对象或神秘境界,相反,而是把这三者引导和消融在以亲子血缘为基础的世间关系和现实生活之中,是情感怖导向异化了的神学大厦和偶像符号,而将其书法和满足在日常心理-伦理的社会人生中。
这也正是中国艺术和审美的重要特征。
正因为重视的不是认识模拟,而是情感感受,于是,与中国哲学思想相一致,中国美学的着眼点更多不是对象、实体,而是功能、关系、韵律。
孔子世界观中的怀疑论因素和积极的人生态度,一方面终于发展为荀子、《易传》的乐观进取和无神论,另方面则演化为庄周的泛神论。
孔子对氏族成员个体人格的尊重,一方面发展为孟子的伟大人格理想,另方面也演化为庄子的遗世绝俗的独立人格理想。
表面看来,儒、道是离异而对立的,一个入世,一个出世;一个乐观进取,一个消极退避;但实际上它们刚好互相补充和协调。
不但“兼济天下”与“独善其身”经常是后世士大夫的互补人生道路,而且慷慨悲歌和愤世嫉俗,“身在江湖”而“心存魏阙”,也成为中国历代知识分子的常规心理及其艺术意念。
但儒、道毕竟是对立的。
前者强调艺术的人工制作和外在功利,后者突出的是自然,即美和艺术的独立。
前者是功利、实用主义的框架与束缚,后者正是要给予这种框架和束缚以强有力的冲击、解脱和
否定。
入世和出世,兼济和独善,人事论理与自然浪漫,两种对立的观念变幻融合,终于渗透到中国所有的艺术形式中,是中国艺术和美学的基调。
另一方面,这矛盾的两个方面,又共同将中国文化引向世俗的、生活、人的、理性的范围内,和超越现实的、神灵的、神秘主义的心灵感受分道扬镳。
自儒学替代宗教之后,在观念、情感和仪式中,更进一步贯彻了神人同在的倾向。
反映到建筑风格上,中国人的建筑不是孤立的,摆脱世间生活的宗教建筑,而是以入世的,和世间生活联在一起的宫殿宗庙建筑为代表。
木质的、平铺式的建筑,接近日常生活的内部空间设计,不追求神秘的,高耸入云指向上苍的观念。
而园林艺术,追求自然的和谐与浪漫主义,在“庭院深深深几许”,迂回曲折,兴味盎然中寻求一个心灵退隐之所,是以玩赏的自由园林(道)来补足居住的整齐屋宇(儒)。
4、华夏艺术中想象力的源泉
当中国北方在儒家的影响下,脱离原始的宗教,日益理性和世俗化的时候,原始的氏族图腾-神话的文化在南方的楚文化中得到了更多的保留。
以屈原为代表的楚文化具有和北方文化迥异的奇异想象和炽烈情感。
楚文化在汉代的艺术中得到了继承。
汉政权由于主要来自于楚地,虽然在政治上选择了儒家纲常礼教,但在意识形态和文化领域更多的继承了楚文化的特点,也充满了浪漫的想象和炽烈的情感。
这种情感、想象与世俗功能、行动征服结合,形成了汉代灵动而古拙,表达世俗生活而又充满想象的艺术风格。
当理性思维在政治上占主导时,神人的交流就只能在艺术的世界中。
而此时的神已经不是完整的宗教上的图腾,更多的思想解放和浪漫遐想一种寄托。
5、艺术随时代不断演进发展
魏晋南北朝时期,在怀疑论哲学的影响下,艺术表现出对人生的执着,强烈的欲求和留恋。
当经术法统、道德节操全部被至于怀疑和否定之下,只有人生的短暂和多难是最真切的感受。
统一的价值标准不复存在之后,对人生易老,世事无常这一千古主题的咏叹就发自肺腑而动人心魄。
内的追求和外的否定连在一起促成了人的“觉醒”,个人人格、思辨和精神状态的表达成为时代艺术的主题。
为个人而艺术,为艺术而艺术,完全不同于两汉“厚人伦、美教化”的主题。
在宗教艺术中,美的理想和审美形式是为宗教内容服务,是宗教精神的载体。
在魏晋时期的佛教艺术中,造像人物的神态充满了神秘
的,超然自得,无法琢磨的气质。
中国文化对外来佛教文化有一个接受、消化、摆脱的过程。
清醒的理性主义、历史主义的华夏传统终于战胜了佛教中反理性的宗教神秘迷狂的部分。
佛从超然自得、高不可攀的思辨神灵,转变为管辖世事、可向之祈求的权威的主宰。
之后,在理论上出现了要求信仰和生活完全统一起来的禅宗。
因此,佛教艺术也因此发生了质的变化。
佛教艺术中表现神秘主义的因素逐渐淡化,而渐成描绘世俗生活,更加逼真、具体和写实。
这也渐不是宗教的艺术了。
唐代艺术继承了两汉和魏晋的传统,并发展成更高一层,灿烂夺目。
既不同于两汉艺术对外在事务、人物活动的夸张描绘,也不同于魏晋时期内在心灵、思辨、哲理的追求,而是对有血有肉的人间生活肯定和感受,憧憬和执着。
一种丰满的,具有青春活力的热情和想象,浸透在盛唐的文艺中。
李白代表了盛唐艺术的最强音,天才极致,随心创造,无任何约束。
到中唐,以杜甫为代表,盛唐艺术那种雄豪壮伟气势和情绪被纳入规范,收纳凝练在一定形式规格、律令中,也因此更能为大众所接受和亲近。
到晚唐则进一步发展到“峭洁清远,遗世独立”的风格。
而这种风格也深刻的影响了后世。
在晚唐发展起来的词,是这种细腻的艺术风格传承的主要载体。
和诗境的笼统、浑厚、宽大不同,词境具体,
细致,新巧和富于情感。
词的这种意境在宋代的山水画中得到淋漓尽致的发挥。
元明清的艺术则更加细腻、世俗和生活化。
和时代发展相一致,日见平和,不复有民族兴起之初艺术所具有的雄浑古拙、炽烈奇诡之气。
还是上面所讲,《美的历程》描绘的是民族心灵精神的历程。
理解了民族精神的演变和内涵,才能真正体会到前人艺术中跳动的生命。
五.结语:
一本书的好坏,我觉得很大程度上取决于吸不吸引人。
《美的历程》恰恰是从内容到语言的精美,让人读来甚为享受,爱不释手。
“美”是好看、漂亮的意思,自古及今都是如此。
在甲骨文中,“美”的字形是站立的人,头戴羽毛头饰的形状,鲁迅先生也曾经把“美”解释成“戴帽子的太太”,也是此意。
但是,“美”又不同于一般的“漂亮”之意。
“美”字出现的时候,往往用来形容身心都得到愉悦的时候。
《美的历程》就是这样一部能让读者身心都得到愉悦的书。
《美的历程》的主要内容是作者李泽厚先生对中国从远古时代到明清近代的各种美的展示。
远古图腾的龙飞凤舞,殷周青铜的狞厉的美,先秦理论精神的儒道互补,楚汉的浪漫主义,魏晋风度人的主题与文的自觉,佛陀世容的壁画、雕塑,盛唐下的青春、音乐性的美,中唐的韵外之致,以及宋元的山水意境和明清的文艺思潮,都被作者以令人赏心悦目的文字一一道来,阅读这部书,也就变成了内容与形式的双重的美的享受。
这部书的“美”,首先最主要地体现于作者对“对比”这种表现方法的纯熟运用上。
文章中诸如“如果说,战国秦汉的艺术,表现的是人对世界的铺陈和征服;魏晋六朝的艺术,突出的是人的风神和思辨;盛唐是人的意气和功业;那么,这里(中唐以后)呈现的则是人的心境和意绪”这样的句子比比皆是。
当我们仔细揣摩这句话的时候,我们便不得不佩服作者对美的把握和运用,一句话概括了从战国到中唐之间的中国美的灵魂,而且这句话本身也是如此地具有美感。
句子的排列虽然不是那么的工整一致,却在各个时代的对比中,将每个特色都描述得淋漓尽致。
并且,句子中所用的诸如“表现”“突出”“呈现”这类的词语,也恰到好处地配合着作者要描述的内涵。
相同的句子,文中还有“盛唐以其对事功的向往而有广阔的眼界和博大的气势;中唐是退缩和萧瑟;晚唐则以其对日常生活的兴致,而向词过渡”,此观点的正确性可以从很多角度进行印证,例如,词大多描述生活情态,恰好符合李泽厚先生所说的晚唐“对日常生活得
兴致”,并且也符合历史上盛、中、晚唐的人们的思想情况。
对文字的运用如此娴熟而又准确,相信李泽厚先生已经对中国的美的灵魂掌握得相当精准。
本书的封底中提到:
“他(李泽厚)把中国人古往今来对美的感觉玲珑剔透地展现在大家眼前,如斯感性,如斯亲切。
”李泽厚先生以极其细腻的感觉体验着、感受着中国的美,并且将其用美丽的文字表达出来,对读者,不仅教授对美的欣赏,更是一种美的熏陶。
我们常说,内容决定形式。
如果作者的感情饱满,内容丰富,那么排比句式的使用几乎是一个必然的选择,不同的是,句式与内容的切合程度成了衡量文章优劣的标准。
《美的历程》恰好在这方面做的出类拔萃,让人看过之后回味悠长。
例如,书中写道魏晋时期神态表情冷漠的佛像雕塑时,说道:
“似乎肉体越摧残,心灵越丰满;身体越瘦削,精神越高妙;现实越悲惨,神像越美丽;人世越愚蠢、低劣,神的微笑便越睿智、高超……”从这短短的四句话,就可感受到作者那激荡的情感:
一方面饱含对下层民众的同情,一方面满蕴对佛像建设的讽刺。
在这里,语言和内容达到完美的统一,为文章精神的表达,起到无可比拟的作用。
《美的历程》是一部说不完道不尽的美学著作,但是我们在欣赏其内容的同时,也应该注意到它在语言上所达到的登峰造极的高度,当凝聚了中国五千年的,或狞厉,或温情,或奔放,或浪漫的文化以这样一种娓娓道来的形式从作者笔下汩汩流出的时候,我们甚至能听到那其中的环佩铿锵与泉水叮咚……
【美的历程读书笔记4000字二】
在本文中,基于本书和相关资料阅读。
笔者将从所提出的问题、论述过程以及优缺点的思考三个层面入手,尝试揭示作者行文逻辑、思考过程和结合笔者自身实际分析本书的优缺点。
一、作者提出的问题
美是“沉淀过后的有意味的形式”,这个命题包含了两个观点:
其一为“有意味的形式”(“Significantform”),提出者为克奈夫·贝尔(CliveBell),贝尔在其论著《艺术》中是这么论述的:
“这些线与色的联系与结合,这些在审美意义上美妙动人的形式,我称之为‘有意味的形式’,而‘有意味的形式’则是所有视觉艺术中普遍存在的性质。
”[1]其二为“审美积淀论”,这是作者的原创观点,也是实践美学中的重要概念。
后者是为了支撑前者,因为“‘有意味的形式’陷入了循环论证中不能自拔,即认为‘有意味的形式’决定于能否引起不同于一般感受的‘审美感情’,而‘审美感情’又来源于‘有意味的形式’”(P27)如果在此基础上加入“审美积淀论”就可以脱出循环。
二、论述过程
远古(旧石器时代至夏的建立)部分,作者以山顶洞人“穿戴都用赤铁矿染过”、尸体旁撒红粉为例,论述了红色不是动物性的生理反应,开始有了社会性的巫术礼仪的符号意义。
那么“在对象一方,自然的形式里已经积淀了社会内容;在主体一方官能感受中已经积淀了观念性的想象、理解。
”(P3)但作者同时指出此时的艺术“只是巫术礼仪的表现形态……山顶洞人的所谓‘装饰’和运用红色,也并非为审美而作。
”之后又以龙凤图腾举例,认为“从蛇到龙的过程”和龙于凤的对立反映的是远古时期部落之间兼并与对峙,故这些“龙飞凤舞”的图腾也早已沉淀了社会内容。
但作者认为,这种图腾依然只能算“洒红粉活动”延续。
并不能算是真正的审美,但已经可以算作审美的萌芽。
夏商周(青铜时代)部分,作者通过对于社会时代更迭的分析,解释了陶器纹饰从活泼愉快走向沉重神秘的原因。
“原始的全民性的巫术礼仪变为部分统治者所垄断的社会统治的等级法规,原始社会末期的专职巫师变为统治者阶级的宗教政治主宰。
”(P34)而此时此刻的巫术的想象的已经不是现存的各种事物,而是能够真实地想象某种东西。
这些“超世间”的神秘威吓的动物形象,表现的是统治者对于地位的肯定和幻想。
表现在作品(对象)上,便沉淀了统治阶级为维护统治的社会内容。
青铜饕餮便是其中的典型,“非我族类,其心必异”杀掉甚至吃掉非本族、部落的敌人在当时是真实存在的。
先秦(春秋战国)部分,作者主要从儒道互补、赋比兴原则和建筑中论述艺术作品中沉淀的“实践理性”。
“实践理性”这一概念源自康德,因篇幅局限不作过多赘述。
在阐释儒道互补时,“孔子不是把人的情感、观念、仪式引向外在的崇拜对象或神秘境界……使情感不导向异化了的神学大厦和偶像符号,而将其抒发和满足在日常心理—伦理社会人生中。
”(P53)或许中国与西方国家在观念上的分道扬镳就源于此时吧。
作者同时也认为,孔子世界观中的怀疑论因素和积极的人生态度,一方面终于发展为荀子、《易传》中乐观进取的无神论,另一方便也演化除了庄周的泛神论。
所以表面上,儒道是离异而对立的,但实际上他们刚好相互互补和协调。
中国文人总是讲外儒内道,便是证明。
诗经是我国第一部现实主义诗歌总集,赋比兴是它的手法也是其美学原则。
作者着重论述了“比兴”,认为它“使外物镜像不再是自在的事物自身,而染上一层情感色彩;情感也不再是个人主观的情绪自身,而称为融合了
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