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迪斯尼动画电影音乐研究
迪斯尼动画电影音乐研究
绪 论
在我国,提起动画电影,人们对它的评价大都只局限于对画面的探讨,而动画电影当中的音乐却很少被提及,即使是在动画制作技术高速发展的今天,这个状况也没有得到明显的改善。
但事实上,动画影片当中的音乐是相当重要的。
最早意识到动画音乐的重大意义的作曲家英哥夫·达尔(Ingolf Dahl)说过,“如果说忽略或者误解了类型片中的音乐是不幸的,那么忽略了动画影片中的音乐无外乎犯罪”,这种说法并不夸张。
在动画影片当中,音乐和画面是紧密结合的,缺少任何一个因素,动画影片都会失去其特有的魅力。
也正因为如此,我们有必要对动画影片中的音乐及其与画面、剧情相结合的方式进行归纳和总结。
在本文中,我将尝试以迪斯尼动画电影音乐作为研究个体,并按照历史的发展顺序,探讨迪斯尼动画电影音乐各个阶段的特征。
虽然,这一研究仅仅是动画电影音乐这一广泛领域中的一个个案,但鉴于迪斯尼动画电影巨大的影响力及音乐风格的独特魅力,对它进行专门的研究应当具有较大价值和一定的普遍意义。
第一章音乐在迪斯尼动画电影中的诞生
第一节动画电影与沃尔特·迪斯尼
动画电影的英文名称为CartoonMovie(也称AnimationFilm)。
作为电影当中的一种特殊类型,动画电影与真人电影的差别就在于其拍摄对象本身不是生命体,而是用造型艺术手段制作的假定性形象,即“以画在平面上的图画或者立体的‘偶’以及物品作为拍摄对象的电影”。
[1]这些假定性形象为我们营造出了一个幻想的空间,使得动画电影最大程度的集中了“综合艺术”的种种特征--造型艺术的影像风格、文学的内涵、戏剧的叙事规律、音乐的境界、电影语言的结构,而成为一种非常特别的艺术样式。
美国是世界上动画电影产量最大的国家之一,而迪斯尼公司出品的动画电影又以其独特的风格特征成为美国动画电影的旗帜。
迪斯尼的动画电影将幽默的喜剧趣味融入了动画这个幻想的空间,借助想象中的神奇世界,夸张变形的动画形象使绘画和电影的蒙太奇手段得以发展,以幽默的形式负载了开放的美国文化的自由精神,使其得到充分的施展空间。
经过数十年的发展,它的叙事方式由最早的幽默短片发展到后来的长篇剧情片,以引人入胜的故事情节和优美灵动的音乐将观众带入幻想的世界。
沃尔特·迪斯尼是凭着自己的创意起家的。
由于技术的限制,在二十世纪二十年代初,电影尚处于黑白、无声的阶段,而动画影片只不过是摆在电影开演前的娱兴节目。
那时的迪斯尼作品也就是一些商业动画短片,都只有短短十几分钟而已。
沃尔特·迪斯尼的处女作是1923年一系列根据里维斯·卡洛尔(LewisCarroll)小说改编的,由真人和动画共同合演的《爱丽斯游历卡通国》(theAliceinCartoonland)。
在二十年代,他还制作过一系列的短篇动画,如:
《小欢乐》(Laugh-O-Grams)、《小红帽》(LittleRedRidingHood)等,它们都是无声、黑白的短片系列动画。
沃尔特·迪斯尼的早期作品还是需要四处推销才有公司愿意买来播映的。
直到1927年,沃尔特·迪斯尼终于创出了一个颇受欢迎的动画人物《幸运兔奥斯华》(Oswald,theLuckyRabbit),在当时获得不少回响。
1928年2月,沃尔特·迪斯尼的发行人查尔斯·敏茨(CharlesMintz)却告诉迪斯尼一个残酷的事实:
他已经高价买通所有《幸运兔奥斯华》的幕后人员,照样可以继续推出奥斯华,就这样迪斯尼失去了影片的版权。
而这个遭遇似乎是个好事,促使沃尔特·迪斯尼脑中萌发出了另一个动画角色的灵感,那就是:
米老鼠(MickeyMouse)。
接下来的故事就是众所周知的了,米老鼠成为了迪斯尼历史上最为著名的动画形象。
第二节迪斯尼动画电影音乐在试验中诞生
米老鼠诞生的年代,正好是电影声音技术的革命性变革时代。
据动画影片的历史记载,是沃尔特·迪斯尼首先将同步声音(音乐)引入动画影片,这一发明确立了有声动画影片的初步形态,即:
“滑稽的动作加上与之相适合的音乐”。
这个标准让一定数量的模仿者苦苦追随。
同步发声是1927年在美国华纳兄弟影片出品的电影《爵士歌手》中首次出现的,虽然影片中只有几段道白和一首由主角唱出的歌曲《妈咪》(《Mammy》)是同步录音制作的(其余部分还是使用默片的“标准配置”——循环配乐+提示字幕),但已经能够对看惯默片的观众产生足够的震撼力和冲击感,这种冲击标志着有声时代的来临,同时也在敲响着默片时代的丧钟。
《爵士歌手》被公认为是电影史上第一部有声片,它的成功促使敏感的沃尔特"迪斯尼迅速的意识到听觉的流行就要来临了,他想要模仿《爵士歌手》的混声技术,并且将它引进到动画电影中。
而所谓的引进,仅仅指的是同步发声这一技术,而不是对其声音形式——录制人物的同步对白和歌曲——的简单模仿。
同步发声的方式在迪斯尼动画电影中的成功主要表现在制作时技术上已经可以利用音乐和音响,或者说是更多的利用音乐中的特定元素与画面产生同步对位的效果,从而增加或改进角色的特征和个性。
沃尔特·迪斯尼对同步声音技术的引进确立了动画影片发展的方向,然而在那个时候,没有人能够预知这种将音乐和动画影片画面同步发声的做法是否会成功,即使试验成功,也不知道这种做法能否吸引观众的注意力。
但迪斯尼在1928年夏天的试验却清楚的证明,这种用音乐与动作同步的做法对于动画影片是可行的。
上述情况,从迪斯尼自己对试验情景的描述中就能够看出来:
“我的工作人员们其中有些会演奏乐器。
我把他们安置在一个房间里,但是很遗憾这个房间看不到屏幕。
但是我们可以把他们演奏的声音传入另一个房间,那里坐着我的观众,他们在这个房间里观看画面。
员工们在音乐和音效的乐谱之间忙碌着。
经历了数次失败之后,声音和动作终于开始相互一致了。
吹奏者演奏着乐曲,其它在音效房间的人敲打着铁盘或者按照节奏吹着哨子,同步的程度非常的接近。
”
迪斯尼的试验,对那些首次体验的观众产生了不亚于触电的效果。
他们几乎是本能地随着声音和角色的动作做出了反应。
从人的生理习惯上讲,视觉和听觉应该是兼而有之的,两者都可以大大增加彼此单独认识世界的信息量。
以现在的眼光来看,迪斯尼当时的试验条件是十分简陋的,但却产生了奇妙的效果,并由此改变了动画影片的地位。
迪斯尼后来的合伙人,也是动画界最优秀的创作者之一乌伯·伊瓦克斯(UbIwerks)直到后来回忆起这件事情依然反应强烈:
“我一辈子从来没有如此振奋。
此后也没有什么可以和这次相提并论的了。
”可见声音的加入,即使是对一位动画片画面的创作者也产生了如此强烈的刺激效果。
1928年11月,米老鼠系列动画短片之一《蒸汽船威利号》(SteamboatWillie)在纽约城的殖民(Colony)大戏院播映,它首次采用同步发声技术,加入了与动作同步的音乐,让这个被称为米老鼠的角色“声”动的跃然屏幕之上。
这是在迪斯尼的作品中声音和画面第一次有了联系。
由于影响力颇大,这部动画影片成为了影史上第一部有声动画影片,它也意味着音乐在迪斯尼动画影片中的诞生。
第二章早期迪斯尼动画音乐的特点
从二十世纪二十年代末期到三十年代初期是迪斯尼动画电影的早期发展阶段,这个时期的迪斯尼动画电影音乐的特点主要表现为:
声画关系的单一化、配乐方式的拼贴化,等等。
第一节单一的声画关系
早期迪斯尼的动画电影使用单一的声画关系,这种声画关系是指音画同步。
所谓音画同步指的是:
音乐与动作节奏上的完全同步,即后人所谓的“米老鼠式编曲方式(Mickey--Mousing)”——之所以这样命名,是因为早期迪斯尼拍摄的以米老鼠为主角的动画影片中经常使用的音画配合方式与之完全相同。
早期迪斯尼动画影片当中这种音乐与画面节奏完全同步的办法,就是指这种密切配合画面内容,带有夸张性质的音画结合方式。
从某种意义上说,它就是一种音乐音响,即用音乐来模拟电影中人物做出动作后所发出的各种音响效果。
例如:
在《救火》(FireFighting)当中,米老鼠从楼上飞落下来,伴随动作的音乐是一段飞速下行的音符,它很好的对应了动作的节奏。
音画同步之所以能在早期迪斯尼动画影片当中成为单一的音画结合方式是因为早期的迪斯尼动画影片一般总是以动作作为影片的主体,而美术风格、对白、摄影、剪辑等都从属于动作这个主体,音乐也不例外。
换句话说,动画影片中的音乐、对白、摄影、剪辑都依附于动作的具体交待过程、依附于动作的充分“表现”。
当时的许多动画影片在制作中都是先期录音,主要也是为了让音乐更好的与动作同步,关键还是动作。
具体说来,二十世纪二、三十年代,动画影片的音乐仅仅是配合每个动作,甚至脸部表情,心里颤动的一些敲击的片断,可以说动画音乐从始至终配合每一个动作,音乐节奏与动作的对应是这一时期的中心。
在国外,将动画人物的动作点称为“hit”,而音乐的节奏点就是要和这个“hit”点对应。
动画人物的动作是不规则的,但是动作在那个阶段又是被强调的重点,而音乐节奏相对规则。
例如:
在30秒钟的时间里可能会有30或者40个动作,即30或者40个“hit”。
如何使这些不规则的动作点和相对规则的节奏点配合到一起?
那就是使“hit”点与音乐的重音完全相吻合,也就是在绘画前先将旋律线即这部动画影片完整的音序列写出,绘画时使重要的动作点和旋律线条吻合。
在这一时期,音乐之所以会被大量的用来对动作进行支持,很大程度上是因为技术条件的限制。
制作技术的低下,使得这一时期动画影片中的对白很少,创作者很难同时把音效、对白和音乐的结合问题考虑好,正如:
著名的动画音乐家斯科特·布拉德利(ScottBradley)回忆:
“那一时期,我们只有一个音轨可以利用,没有剪切。
你不得不同时考虑音效,对白和音乐。
这是一件相当困难的事情。
”迪斯尼的动画家们首先关注的不是动画人物们是否可以在屏幕上开口说话,而是宣称“现在我们可以把一个交响乐团,带到美国的任何一个小村子”。
可以看到,相对于语言和音效来说,音乐在动画电影的制作过程中受到的重视程度更大。
其实,上文提到的迪斯尼第一部有声动画影片《蒸汽船威利号》,就很好的体现了音乐与影片中角色动作的同步关系。
这个短篇动画来源于巴斯特"基顿(BusterKeaton)独立制作的一部无声电影《蒸汽船小比尔号》(SteamboatBill,Jr.)。
基顿是无声电影时期的喜剧天才,他最大的特点是表演动作夸张而滑稽。
而这种特点突出的反映在《蒸汽船小比尔号》这部影片当中。
而迪斯尼以米老鼠为主人公的动画影片《蒸汽船威利号》是真人影片《蒸汽船小比尔号》的嘲讽版,它很好的利用音乐来支持了角色动作的夸张性和滑稽性。
比如说:
在影片中,蒸汽船上的一头牛把掉在地上的乐谱《稻草堆里的火鸡》(TurkeyintheStraw)吃进了肚子里,米老鼠发现后没有办法取出,想出了另一个办法:
他用双手把牛嘴打开,明妮(Minnie)(米老鼠的女朋友)将牛尾巴折成摇把儿的形状,摇动起来,把牛当成了留声机。
同时,配合这个画面,牛嘴里发出了民歌《稻草堆里的火鸡》的曲调。
可以想象,如果没有音乐,这样的幽默效果将完全无法表现,可以说音乐已经直接参加到动作中了。
现在看来这个作品有些可笑粗燥,但是在当时来讲确实是一个轰动性的举动。
在《蒸汽船威利号》(SteamboatWillie)中,仅有极少的几句对白,绝大多数声音都是来自音乐,这些音乐所带来的夸张和幽默的效果,足以使刚刚接触到有声动画片的观众们感到惊讶和兴奋。
另外,这个时期人们更多的认为动画影片的幽默感来自于滑稽的动作,所以倾向于突出动作,而音乐的节奏性刚好可以与滑稽动作的节奏点配合,语言的作用自然而然淡化了。
由此可见,声音,尤其是音乐对于动画影片来说,无异于插上了翅膀,将人的可用视听有效的利用了起来。
不得不承认,音画同步的音画关系带领动画影片进入了一个视听全能的新领域。
同步音乐在经过迪斯尼之手前,并没有在其它影片中发挥重要的作用,甚至比不上电影的旁白。
正是迪斯尼在动画影片中把同步音乐发挥到了极致,可见动画片从与声音的结合之初,就和音
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