尚贤画室学习美术要从学习素描开始.docx
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尚贤画室学习美术要从学习素描开始
学习美术要从学习素描开始
素描,是美术中最单纯的造地形式。
广义上的素描,涵指一切单色的绘画;狭义上的素描,专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。
美术是表现事物的一种手段。
美术的基础是造型,艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动,是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。
艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态,更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。
掌握艺术造型的方法,需要恢复人的自然思维方式和操作方式,需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。
素描是解决这些造型问题的最佳途径,这在艺术造型的实践中得到了完全证明,因此,素描被称为“造型艺术的基础”。
素描的基础性来源于制作工具的简单性、灵活性和研究对象的单纯性与普遍性。
素描的工具是最简单的造型工具,只有纸和笔。
初级的素描训练是用铅笔完成的,这种工具使用灵活,便于修改,既可以表现微小的变化,又可以涂成大面积的灰色;既可以进行短时间的练习,又可以进行长期的作业,很适合初学者对素描造型方法的反复学习和把握。
素描研究的对象是物体的基本形态和一般变化规律,基本形态有物体的比例、形状和明暗等结构形式,变化规律有透视缩变、视差对比等视觉因素。
掌握这些形式和规律是造型的前提条件,素描可以利用它训练上的长期性和反复性,将这些条件逐一加以解决。
素描不但可以解决造型的基础问题和一般问题,还可以解决造型的应用和特殊问题。
例如造型的变化与统一问题,整体结构问题,观察、操作方式问题,概括美化问题,情感表达问题等等。
可以说,素描是一种工具简单、表现丰富的造型形式,它可以完成从初级到高级的造型学习任务,因此,学习美术要从学习素描开始。
素描理论
一.何謂素描:
1.素描(DRAWING)、速寫(SKETCH)、素描(DESSEIN)。
2.由木炭,鉛筆,鋼筆等,以線條來畫出物象明暗的單色畫,稱做素描。
素描是一切繪畫的基礎,這是研究的過程中所必須經過的一個階段。
(藝術家雜誌,論素描--蕭如松)
3.素描通常意味著可於平面留下痕跡的方法,如蠟筆,炭筆,鋼筆,畫筆,墨水,及紙張,其他還包括在濕濡的陶土,沾了墨水的布條,金屬,石器,容器或布的表面所造成的磨損。
(藝術視覺百科全書)
4.輪廓和線條是素描的一般稱謂。
素描具備了自然律動感,觀者從欣賞過程中可感受這一點。
不同的筆觸營造出不同的線條及橫切關係,並包括節奏,主動與被動的周圍環境,平面,體積,色調,及質感。
5.素描是一種正式的藝術創作,以單色線條來表現直觀世界中的事物,亦可以表達思想、概念、態度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。
它不像繪畫那樣重視總體和彩色,而是著重結構和形式。
(大不列顛百科全書)
6.在西洋美術辭典(雄獅圖書公司出版)這本書中,與素描相關的解釋,只有速寫一項,文中認為作品或作品部份的粗略草圖,是藝術家針對光影、構圖和全幅之規模等要點所作的研究和探討;它是全幅畫的初步構圖或其中之一。
一幅出自風景畫家的速寫素描通常是一幅小而快的記錄,用來表現風景的光線效果,同時也是為了將來重新作畫時的構想作準備。
二.素描的地位:
1.素描為一門獨立的藝術,具有獨立的地位和價值。
2.素描是其他藝術的必然基礎,尤其是水彩,油畫,版畫,雕刻(浮雕),另外對平面設計,也是畫草圖的必要基礎。
素描雖然被視為是兩度空間的藝術,不需要顏色及第三度空間,卻也同時暗示這兩者。
3.素描是畫家工作的最後成果,也可以作為複製或摹寫的基礎,但以它的性質而言,它是獨特的。
雖然各種藝術不一定都要先繪出素描稿,但素描卻是一切觀賞藝術的基礎。
在作畫時往往預先勾出輪廓作為草稿,然後用色彩渲染,當藝術作品完成時,素描稿常被掩沒或銷毀。
因此,素描只是一種技術準備。
到14世紀末,素描不再僅是附屬品,而成為一門獨立的藝術。
它有著廣泛的表現範疇:
能表現體積、空間、深度、實質和動作。
文藝復興以後,素描已不僅只有實用地位,而是成為能代表人類創作能力的藝術品。
三.素描的技法和種類:
1.線和線條技法,素描的要素是線,但是線在實質上卻是不存在的,它只代表物體、顏色和平面的邊界,用來作為物體的幻覺表現。
直到近代,線才被人們認為是形式的自發要素,並且獨立於被描繪的物體之外。
2.素描是用線條來組成物體的形象,並且描繪於平面之上,藉由線條形式引起觀者的聯想。
例如兩條線相交所構成的角形,可以被認為是某平面的邊界;另外加上第三條線可以在畫面上造成立體感。
弧形的線條可以象徵拱頂,交會聚集的線條可表現深度。
人們可以從線條的變化當中,得到可以領會的形象。
因此透過線條的手段,單純的輪廓勾勒可以發展成精緻的素描。
3.在素描中可以用線條區分立體與平面,至於色彩明暗是為了加強和釐清整體與部分的關係。
我們可以運用線條的開始,消失和中斷來畫出邊界,並且形成平面,也可使色彩至邊界而上。
線條的粗細能表現物體的變化,甚至光和影也可用線條的筆觸變化表現出來。
4.素描的線條技法還需要平面技法的輔助。
平面技法在使用炭粉筆時,在明暗對照上可用擦筆法。
而更重要的是使用毛筆畫法,因為毛筆能發揮筆觸的寬度和筆調的強度並且能增加空間感和立體感。
素描也可用多色畫筆作為基本材料,用來加強素描效果以及素描的藝術性。
四.素描工具:
1.素描的工具種類很多,如石筆、炭筆、鐵筆、粉筆、毛筆、鉛筆和鋼筆等;也有用鑽子和金鋼石作畫的。
工具的不同關係著素描的性質和構圖,工具也能影響畫家的情緒和技巧。
2.工具的選用取決於畫家所想要達到的藝術效果。
一般認為,乾筆適宜作清晰的線條,水筆宜於表現平面;精美的筆觸可用毛筆揮灑,而廣闊的田野則可用鉛筆或粉筆去勾勒。
炭筆是兩者都可兼用的。
3.以作品尺寸而言,大幅素描作品適宜用木炭來畫,對於輪廓、照應等可經長久的時間細細研究、分析。
至於鉛筆適合較小尺寸,很少大張的鉛筆畫,而鋼筆畫則更小了,往往在插畫上用得較多。
五.素描題材:
1.素描原是為繪畫、雕刻等藝術服務的,後因其流暢、充實和美觀,發展成為獨立的藝術。
其題材可以取自任何事物,不受拘束,一般以肖像和風景為主,而西方的素描常是人物和靜物,到了19世紀又出現以日常生活為題材的素描。
其他還有想像和抽象素描、藝術性建築素描等。
2.至於20世紀的素描似乎是反映不安、動盪和科學進步的。
其中一些以表現線條豪放為特色。
還有一些畫家試圖把生活納入幾何圖形中(立體派)。
3.在20世紀各流派中也有X射線式的技法,即同時看到外部和內部。
表現主義畫家追求『表現一個場面的感情而不是描繪事物的現實外表』,超現實主義者則著重表現潛意識心理。
4.除以上所列舉各種形式的素描之外,還有實用性和技術性素描。
實用素描要清晰地記載一件客觀事物,從總體上說,它不重審美,而突出技術設計。
實用素描包括為科學目的而作的插圖與說明。
很多藝術家作過科學說明的素描。
5.文學作品中的素描插圖,一般是為某段文字描寫而作的圖畫說明,但因它表現了畫家特有筆法風格,至今還享有崇高的藝術聲譽。
與此相關的還有漫畫,這是用於社會批評而創作的一種假定性圖畫。
並由此而發展成連環圖畫,進而演變成現代卡通動畫片。
六.素描線條的演變:
1.線條的解放:
(安格爾對繪畫線條的革新)
(1).在古典主義法則籠罩之下,線條本身除了被用作『完美比例』的度量外,它的功能是被抑制的。
(2).安格爾最大的貢獻便是打破將線條僅限於對物象比例描繪的限制,而拓展到圖案花紋的形式。
(3).對安格爾而言,人体的比例並不求自『自然』或實證的實現,他運用曲線在畫面上探求人體之比例位置與姿勢。
這種直接運用線條在畫面的處理,強調畫面的平面性,使事物本身之重要性,附屬於形式要求之下。
(4).講求結構與形式,而不惜更改事物原有比例以配合整體視覺完整,同時並介入了圖案花紋式之構圖。
2.強調線條本身意義與表達的特質。
3.線條的運作成為個人內在律動與情感的抒發:
(1).一個線條在畫面的行進的痕跡,乃接受自創作者內在自發性律動的影響。
(2).德拉克洛瓦將個人感情強烈投射在線之運用,不只將線條的功能遠脫離古典傳統,並將素描積極推向繪畫,使繪畫上明顯筆觸的物質性增強,奠定現代繪畫發展的基礎。
七.東方的素描:
1.西方人認為,純素描在遠東極負盛名,多數的中國及日本藝術家都只作所謂的毛筆素描,他們不採用不透明的顏料,而以直接的筆觸造成整體。
在波斯--瑞札,阿巴西(RIZAABBASI,1565年)也同樣不用顏色而以書法線條來表現創作,把其思路幻想透過筆和刷子表現出來。
2.我國的山水,蘭竹,花鳥,水墨畫,實在完全是一種素描,自由瀟灑素雅的感覺。
雖然寥寥幾筆,可是這裡面也含著與油畫同樣的條件。
也要有氣韻,有強弱,有力量。
3.中國早在西元前二世紀就已出現了素描,到漢朝末年,以線描為其特色的壁畫已有很多,北魏和唐朝以後,中國素描畫即相當普遍地出現在絹、紙和冊頁上。
八.藝術家對素描的態度:
不少藝術家曾臨摹其他藝術家的素描,如魯本斯(RUBENS;西元1577~1640年)、林布蘭特(REM.BRANDT;西元1609~1669年)及梵谷(VANGOGH;西元1853~1890年)。
臨摹者藉素描以學習人師的風格及語彙,以便再創高峰。
這是學習素描極重要的一步,也是準備作畫的不二法門。
以下是藝術家對素描的態度:
1.一種特殊風格:
竇加(DEGAS),羅特列克(LAUTREC),梵谷(VANGOGH)
2.興趣:
林布蘭(REM.BRANDT),哥雅(GOYA)
3.複製用:
杜米埃(DAUMIER),季斯(GUYS)
4.為鑑賞家而作:
卡拉齊(CARACCI)兄弟,保羅.布利爾(PAULBRIL),拉法吉(LAFAGE)
5.用素描作饋贈:
米開朗基羅(附錄一)
九.常用的素描用語:
1.明度:
色相明亮或沈暗的程度。
2.比例:
一部份跟另一部份或整體在量或尺寸方面的關係。
3.構圖:
各部份的一種配置法,依照經過設計的格式,一致的比例,或重
複的體系去安排。
4.輪廓線:
描述前進或後退的形狀之變化方面的一條斷續線或連續線。
5.平衡:
在設計或繪畫裡,各項元素達到均衡的狀態。
6.線影:
平行或靠近得足以形成一個面的斷續線。
7.立體表現法:
控制明暗的逐漸變化以創造實體形式的錯覺效果,使物體
有三度空間的特質。
十.認識素描中的明暗
1.何謂明暗:
(任學生自由聯想發揮,喚起舊經驗)
2.明暗產生的原因:
有光源(不論是自然光源、人工光源)照射,才會產生明暗;沒有光,我們的眼睛將看不到任何東西。
3.明暗的基本法則:
(1).光源直射處(向光)是明亮部。
(2).光源照射不到之處(背光)是黑暗部。
(3).反射光所形成的是中間灰色部分。
4.利用鉛筆表現明暗的方法:
(1).鉛筆直立地以尖端來畫時,畫出來的線較明瞭而堅實;鉛筆斜側起來以尖端的腹部來畫時,筆觸及線條都比較模糊而柔弱。
(2).筆觸的方向要整理才不致混亂。
5.鉛筆畫使用橡皮擦注意事項:
(1).初學時往往總覺得畫一筆不滿意時,就馬上用橡皮擦去了,第二次畫得不對時又再擦去,這是最不好的習慣。
一則容易傷害畫紙使紙張留下疤痕,再則畫時就越畫越無把握了,所以應極力避免。
(2).當第一筆畫不對時,儘可再畫上第二筆,如此畫時就有一個標準,容易改正,等濃淡明暗一切都畫好之後,再把不用之處的鉛筆線,用橡皮輕輕擦去,這樣整幅畫面就清楚可愛多了。
(3).其實畫面上許多無用的線痕,通常到最後都會被暗的部份遮沒了,我們只需把露出的部份擦去,這樣也較為省力。
同時不用的線痕,往往無形中成為主體的襯托物,所以不但不擦去無害於畫面,有時反而收到無形的效果,這是我們不可不注意的地方。
6.畫面賓主表現:
(1).前面的,較近的東西,都應表現得強烈而明確;後面的,較遠的東西,都應表現得柔弱而模糊。
(2).主體應表現得明確顯著,從屬的客物則應以襯托主物為目的。
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石膏像静物
1素描被看作是进入美术大门的必经之路,因为这一训练所涉及的范围几乎囊括了艺术的全部基础领域.
2写生即是直接对照实物画画,要有明确的规范性和准确性.
3素描正常的教学往往从几何石膏形体人手,因为几何体的构成万物复杂形体的基本元素.
4写生的内容包括空间,比例,透视等视觉造型因素的要求.
5石膏像的写生训练是重多艺术院校的必修课,因为它所具有的色调单一,静止不动的特点便于学生更好地从观察研究形体.
6素描训练的第一步往往是从静物写生人手,通过这一训练可以使我们对周围现实中一切形体的多样性有所了解.
7素描画表现物体有空间,形体,体积,结构,光影等内容.
8石膏像的写生使学生有可能因他们在画人物模特时所不能达到的那种精确性来研究形体.
9石膏几何体的写生的掌握是对其他复杂形体规律表现的前提条件。
10石膏像不仅在研究比例,关系上帮助学生更好地容易地处理活的模特而且由于石膏像中体现出的是概括的形体。
11石膏像是经过艺术家的提炼之后的艺术形象,使学生在完成作业的同时也自觉地呼吸到艺术气息是对学生审美意识的潜移默化的提高。
12完成了石膏像的练习自然地就进入到人像练习,人像相对石膏像更为的丰富,因为人是有生命的。
13从视觉上,当我们在某一角度观察形体时该形体的外缘由于透视的原因,缩减而成为较细的边缘线这是轮廓线。
14两个面之间转折的交界处我们可以看到明显的隐晦线这是结构线。
15在作画过程中把形体各部分在空间位置上相关的各点联系起来,用假定性的线条引导各部分的结构关系,强化空间感的表现这叫辅助线。
16从对形象的主观感受和表现意图出发,在作画中采用意象的强调的或表现性的线条,这是主观用线。
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人物素描
第一步:
构图用最简洁的基本形轻轻确定头像置于画于纸中部略
高于中心的位置,画侧面的头像时的视线前方要适当多留空白。
第二步:
用辅助线测定形体的比例,透视和倾斜度,确定大的形体特征。
第三步:
从五官画起,用线条具体刻画形体细节,同时用色调表现主要的转折处,色调要尽可能简练。
第四步:
整理完成,从整体效果出发,通过加强减弱等方法处理,使画面详略得当,主要形象特点鲜明突出。
怎样快速完成一张石膏像素描作业
所谓“快速”完成,是指用3个小时左右的时间完成的素描作业,这是针对素描考试进行的专题训练,冈为一般素描考试时间限制在3-4个小时。
通常,我们进行一张石膏头像素描至少需要十几个小时。
所以,要想快速地完成好素描作业,需要压缩作画的步骤和运用一些特殊的方法。
可以压缩和简化的方面有:
(1)压缩起草步骤。
在起草阶段,不要等所有形状都起准再进行下一个步骤,只要对象大体比例准确,主要部分确定,便可马上转入铺涂明暗阶段,也就是将找形和涂明暗一起进行。
起草的时间最好不要超过20分钟,而且越快越好。
(2)简化暗部变化,削弱暗部明暗对比,强调暗部整体形状特征。
(3)省略或减少背景的表现,用局部对比的办法,将石膏像的明部衬托出来即可。
(4)减少对次要部分的刻画,强调整体效果。
可以选择特殊处理的方法有:
(1)选择”色调表现法”或暗部用明暗法,亮部用“结构表现法”,因为明暗法较之结构法注重感受的作用,所以它的作画过程要短一些。
(2)使用重色铅笔,减少暗部涂色的次数。
(3)加强线的作用。
在明暗对比强烈,结构转折明显的地方,例如轮廓、明暗交界线、头像底座等处用虚实不等的线来处理。
(4)始终眯着眼观察,做到从始至终的整体表现。
当然,无论使用什么办法,都要有造型的基础,只有熟练地按照正确的方法来画,少出现错误,少进行修改,才能做到画得更快、更好。
透视原理
透视的基本术语
1,视平线:
就是与画者眼睛平行的水平线。
2,心点:
就是画者眼睛正对着视平线上的一点。
3,视点:
就是画者眼睛的位置。
4,视中线:
就是视点与心点相连,与视平线成直角的线。
5,消失点:
就是与画面不平行的成角物体,在透视中伸远到视平线心点两旁的消失点。
6,天点:
就是近高远低的倾斜物体(房子房盖的前面),消失在视平线以上的点。
7,地点:
就是近高远低的倾斜物休(房子房盖的后面),消失在视平线以下的点。
8,平行透视:
就是有一面与画面成平行的正方形或长方形物体的透视。
这种透视有整齐、平展、稳定、庄严的感觉。
9,成角透视:
就是任何一面都不与平行的正方形成长方形的物体透视。
这种透视能使构图较有变化。
透视的画法
在素描中最基本的形体是立方体。
素描时,大多是以对三个面所进行的观察方法来决定立方体的表现。
另外,利用面与面的分界线所造成的角度,也能暗示出物体的深度,这就涉及到透视规律。
透视分一点透视(又称平行透视),两点透视(又称成角透视)及三点透视三类。
一点透视就是说立方体放在一个水平面上,前方的面(正面)的四边分别与画纸四边平行时,上部朝纵深的平行直线与眼睛的高度一致,消失成为一点,而正面则为正方形.
两点透视就是把立方体画到画面上,立方体的四个面相对于画面倾斜成一定角度时,往纵深平行的直线产生了两个消失点。
在这种情况下,与上下两个水平面相垂直的平行线也产生了长度的缩小,但是不带有消失点.
三点透视就是立方体相对于画面,其面及棱线都不平行时,面的边线可以延伸为三个消失点,用俯视或仰视等去看立方体就会形成三点透视。
透视图中凡是变动了的线称变线,不变的线称原线,要记住近大远小,近实远虚的规律。
前面所讲的立方体透视图法适用全部物体,本节就说明一下圆及圆柱体透视,分解如下:
如图
(一)为正圆,A=B,a=b。
图
(二)为圆的透视图,视觉上A=B,
圆柱体透视:
和前面的圆相比较,里面的圆当然是被缩小了,但仍然是完全的相似形。
两个椭圆是平行的面,但里面的那个被缩小了,此时,椭圆的长轴(未绘)与长方体的边不平行。
两个椭圆的面失掉了平行性,也不是相似形。
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美术高考素描谈
素描是绘画入门的基础,它能帮助我们提高整体而全面地观察世界,准确而客观地表现对象的能力,是促进初学者眼、脑、手高度协调一致而行之有效的方法。
因此各专业院校及系科都将其列为造型基础课,也是初学者迈入艺术殿堂的必考项目。
为了考生能对艺术院校的要求有所了解,在素描考试中取得好成绩,我们对历次考试中,考生暴露的问题加以归纳总结,分列如下:
缺乏整体观念
这是不少初学者和考生共同的毛病,由于他们缺乏长期性作业的训练,在考试中不是在整体观念的指导下全面推进,而是急于求成,急着出效果,在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部,因而造成局部相互之间关系无法很好地衔接。
常常是某一部分已经画得非常突出和完整,而其他部分还是空白的,其画面效果可想而知。
一个整体是由若干个局部组成的,没有局部的整体,是空洞的不真实的;然而,没有整体的局部,再精彩、再深入也是毫无意义的。
因为素描的目的,不光是练就一手“好活”,而更重要的是培养一种艺术思维的“想法”和如何观察事物的“看法”。
离开了这两点,素描练习也就失去了它的意义。
有人说:
“素描就是比较,比较,再比较。
”这话虽然有点片面,但也是有一定道理的。
既然整体是关系到一幅素描作业的成败,那么局部与局部、局部与整体的关系就显得非常重要。
如何解决这种关系,就是靠比较的方法,比色调的深浅,比形体比例的长短、宽窄、大小,比透视关系的远与近、虚与实。
根据这种比较画出来的物象,才是客观对象真实存在的一面。
缺乏理解对象
物体的起伏凹凸,明暗虚实关系,都是光线作用于物体的内在结构的外部表现。
要想深入地刻划对象,必须要做到“知其所以然”,要研究其内在结构关系。
有的同学面对模特儿,不是积极主动地由表及里地分析研究对象,不去研究外部表象的内在成因,而是机械被动地抄袭对象,哪些地方深点,哪些地方浅点,他就把这种深浅变化照抄下来,至于这深和浅意味着什么,却知之甚少,或一无所知,因此,很难深刻地、真实地表现对象。
缺乏敏锐感受
有人说世上所有的人,没有绝对相同的面孔,每一个人都有区别于他人的相貌特征,即使是双胞胎也不例外,他(她)们也都有别人不易察觉的差异。
捕捉对象的特征和独具个性的差异,是素描训练的根本任务。
但是在素描写生的过程中,常常看到有的学生不管画谁,不管对象的长相如何,气质怎样,都画得像一个人,模特儿似乎成了摆设,成了他们胡编乱造的参照物。
这种现象有一定的代表性。
这里有初学时期老师指导上的失误,还有考生自己认识上的误区。
有的考生错误地认为:
模特儿像不像没有关系,只要画面效果好就行,反正评分的老师也不知模特儿什么样。
像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的惟一标准,但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。
如果一个学生长时间脱离对象去感受,去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练,那么他就有可能造成感知能力的退化,失去一个艺术家所应有的敏感性。
具体到素描写生中的表现就是千人一面,概念化,脸谱化等等。
而这些毛病一旦形成就很难纠正。
这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。
无疑,这样的试卷是无法得到高分的。
缺乏画面把握
在最后画面调整时,最容易出现画面灰,效果不强烈,和画面锁碎的毛病。
为什么会出现这些毛病呢?
这是因为光线照射下的物体都会产生三种基本的色调:
黑(最深的色调)、白(最亮的)、灰(色调丰富的中间色)。
有了三种不同的色调,画面的层次就清晰,画面的效果就响亮,至于哪一种成分多点,哪一种成分少点,都要视客观给你的感受而定。
但不管怎样的比例关系,三大基本色调都不应缺少其中的一个。
造成画面灰的原因很多。
比如模特儿的面部大部分都处在亮部里,于是,画面上基本都是亮和灰的色调;如果处理不当,很容易画灰。
这时,应强调深灰的作用,尽量拉开深灰和浅灰的距离,使之保持画面的层次感。
还有一种情况:
模特儿的皮肤比较深,黑和深灰色调占其面部的大部分面积,而浅灰和亮面所占的面积很少。
处理不好也容易造成画面灰暗、沉闷,影响作业成绩。
对此,考生应主动减少中间色调的深度,提高画面(脸部)的亮度,保持画面的层次感。
写生的过程当中,在整体尊重客观对象的前提下,允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。
素描写生的对象,或明或暗,或强或弱,或虚或实,都有着它的规律和秩序。
写生时如果打乱了这种客观秩序,就会出现零乱琐碎,因而影响画面的整体感。
比如,暗部里的反光,画得太亮超出了它所在的范围,就破坏了局部的整体。
一个画面是由若干个局部所组成的,如果每个局部都出现类似的情况,那么这个画面就会支离破碎。
还有一种情况,每个局部都画得很好很完整,但局部和局部之间没有联系,互不统属,互不相让,像一盘散沙。
一个物体在一个固定光源的照射下,必然会出现强弱、远近和虚实的物象。
因而就产生了物象主次关系———秩序感。
这个秩序是客观存在的,不是人为安排的。
如果画面上没有这个秩序,那就是画者的观察方法和思想方法存在着某些问题。
如果认为每一个部位都重要,都要强调和突出,那么秩序就被打乱,画面的整体感就被破坏。
没有整体感的素描,是不能算作成功的作品的(无论其细节画得如何精彩)。
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