舞台艺术摄影技法.docx
- 文档编号:30679931
- 上传时间:2023-08-19
- 格式:DOCX
- 页数:11
- 大小:26.66KB
舞台艺术摄影技法.docx
《舞台艺术摄影技法.docx》由会员分享,可在线阅读,更多相关《舞台艺术摄影技法.docx(11页珍藏版)》请在冰豆网上搜索。
舞台艺术摄影技法
舞台艺术摄影的作用及其特点
如何通过摄影这一艺术形式,将舞台上的艺术造丛生动而完美地表现出釉如何根据舞台艺术的不同形式和表演方法,在瞬间抓住具有代表性的场面和优美的表情动作,将那些优美的、具有深刻意义的、为广大群众所喜闻乐见的舞台艺术表演,拍摄成思想性、艺术性兼优的佳作,向社会和人民进行传播,给人以感染和欣赏,以提高我国人民的社会主义思想觉悟,这是舞台艺术摄影的基本任务。
目前,在35毫米的单反光相机中,有两种先进的自动曝光方式:
一种是先定光圈的光圈先决式——摄影时根据需要先把光圈选定后,测光系统即选择正确的快门速度自动配合;另一种是先定快门的快门先决式一摄影时根据需要先选定快门速度,而光圈即根据光线的强弱自动地开大或缩小。
这在一定意义上说,在拍摄时就无须在曝光上面多化工夫,而把主要精力和时间集中在抓拍那些表演中的精彩场面。
从舞台艺术摄影角度来说,28—80毫米的大广角到中焦的变焦镜头,或80一200毫米的中焦到长焦的变焦镜头都是非常实用的。
舞台艺术摄影的位置和角度
在剧场中拍照,由于所使用的照相机镜头焦距不同,以及考虑到画面构图的要求,因此选择位置是很重要的。
选择什么样的位置最合适呢?
这要看当时的具体情形而定。
不过,根据一般习惯应选在第一排中央稍偏右一点的地方。
因为除了例外,演员通常多系左出右进(从观众角度而言),而在刚出场时往往有些好姿态,便于及时抓取。
在观众排座中央夹道靠近舞台的一头,也是合适的拍摄位置,这个地方的好处不仅在万一得不到合适的座位时可以加座,而且背后没有观众不致妨碍观众看戏。
如果乐池太大,拍摄距离太远时,若得到剧场方面许可,可在乐池中安放一个高凳或方桌,站在上面拍摄也很理想。
在这里可以自由地拍到中景场面和特写。
不过,最好要靠在中央夹道的一边,以免突出乐池时妨碍观众看戏。
在二楼前排左角、右角或中央,可以拍摄到那些在楼下不能拍到的场面,和带有观众看戏的场面。
此外,也可到后台去拍那些带有一定特色和主要演员或造型优美的演员在化装时有趣的照片。
这类照片虽然不是正面的演出剧照,但它反映着舞台生活的一个侧面,还是很有意义的。
任何舞台艺术摄影,特别是舞蹈表演,由于它的丰富多采和队形、动作的变化的多样,那就不能只使用一两个角度去拍摄。
如果是这样,不但拍出来的剧照一般化,有时甚至会把好的画面歪曲了。
那么,怎样才算恰当呢?
这要根据不同节目的具体情形来决定。
不过,也不外乎从以下几个角度去考虑。
平行角度这一角度就是我们普通常用的角度,而且也适用于多数节目的多数场面。
但是,因为它和演员面部成平行角度,只能适用于拍摄一些单线横队、单线斜队和一至三五个演员表演的场面,或人物特写。
俯摄角度这一角度是登高从上面往下面拍摄,所以对于演员众多的大场面表现得更有层次,对于带有图案式的场面能表现得很优美。
例如苗族民间舞蹈《团圆鼓舞》(图—1),是有一个少女在中间,笑盈盈的击着鼓,周围一群少女环绕育她,在抒情地急速地转动着花裙子。
这是表现元宵佳节,苗族少女们盛装打放围鼓歌舞,借以表述自己心愿,歌唱美好生活的情景。
由于事先了解了剧倪我们就登上舞台灯光调度的高架,采用俯视角度拍摄,就得到较理想朗效果。
但是这种俯摄角度一般只能适用于上述两种场面,而且要把演员多和演员少的节目衔接的时间掌握好,以免在高处一时下不来,漏掉一些精彩表演的场面。
仰摄角度这一角度是自下而上拍摄的,除了表现正面人物的高大外,对于拍摄一些低头下望的表演场面也是适用的,否则就看不出演员的表情了。
高斜角度利用和舞台面成45度的高角度,站在舞台一角比较高的地方,向斜面出场的演员进行拍摄。
虽然这种角度用的不太多但有些节目就非用这一角度才能抓住它的趣味点和理想的画面。
侧面角度这一角度是从演员或队形的左右两侧拍摄。
利用这一角度来表风往往出现一种三角形构图的画面,人物越近越大,题远越小,具有强烈的透视感和深远感。
舞台艺术摄影的调整焦距和用光
由于戏剧、舞蹈、杂技等都是“动”的表演艺术而且不少场面又是急剧的跳跃、旋转、奔驰的动作而拍摄时又要求我们既要抓取优美的表演姿态,又要准确调整焦距,以便得到清晰效果的剧照,但是,又不可能追随着每个表演动作测定距离。
怎么办呢?
那就只有用目测距离或先期预测的方法。
目测距离必须经常练习,才能接近准办而先期预测,可以在演出前先了解剧场馆况。
比如,北京天桥剧场的舞台面,它的前沿距第一排是15英尺,台面中央稍前一点是25英尺,台面中央稍后一点是35英尺。
再考虑一下演员位置,在一般情况下大多是在舞台中央表演。
如果我们用的是75毫米焦距的照相机,站在中排稍前的位置拍摄,那么用光圈5.6将距离放在25英尺上,就可以运用自如了。
这是由于它的最近清晰点和最远清晰点从18英尺到45英尺都是清晰范围。
同时,在拍摄急速动作中,因使用高速度快门,光圈大景深小而来不及在舞台中央测距时,还可先期预测对两边的条幕——用光线法测距——测好后再将镜头移到相同距离的演员身上。
这橡就不必在焦距问题上多费脑筋了。
但拍摄曲艺、音乐、木偶、皮影等表演时,因为它们的移动地位都不大,就可以从容地进行调整焦距。
舞台艺术表演,由于剧种不问,剧情要求不同,因此舞台照明有很大的变化。
有的照明亮度强些,有的照明亮度弱些,而且在同一剧场表演同一节目时,有时又要根据剧情的发展换用白色、蓝色、红色或黄色灯光等等,使摄影曝光受到种种限制。
另一方面,又要求舞台剧照表现得生动,给人以美感,用光问题就更为复杂。
因此,舞台摄影者能否掌握用光,也是拍好剧照的关键问题。
现分几方面来谈:
舞台灯光的利用利用舞台上原有的照明光线,不用闪光灯进行拍照,是最简便、最经济的。
在这种光线下所拍成的剧照往往能与舞台上原来的气氛相同。
如果摄影有有了一定购经验,还可以利用不同的光圈、快门、速度拍出比较理想的剧照。
如著名舞蹈演员资华箔表演的《长绸舞》(图2).除了抓住演员舞绸的优美姿态外,还应该把长绸的动态表现出来。
这张照片是在约八万瓦的舞台灯光照明T,以GB28度的胶卷,故意将应该用光圈3.5、1/200秒改为光圈4.5、I/100秒,这样不仅将人物柏清楚,而且让绸子稍呈模糊之状,动感就被表现山米了,看来比较生动。
因为用1/100秒的速度既能抓住演员的舞姿和表情,又可以使长绸具有一定的动感。
这样,就把慢一级快门速度的缺点变成艺术表现上的优点了。
闪光灯的利用利用闪光灯拍舞台剧照,一般应出于无法利用舞台照明,而又要抓取快动作或另作特殊用途的情况下才能使用。
如《氏绸舞》往往在暗幽幽的粉红色灯光下飞得很优美,就不得不用闪光拍摄,但这种光线缺乏动态感。
但是,如果运用适当,也能得到好的效果,如吐鲁克曼族舞蹈《马下达下》(图3)。
这个节目的主题是要表现吐鲁克曼族妇女有着善良的性格,美丽的身形和奔放的热情,我们在拍摄时,在五比一的距离上加一个闪光灯的侧面光,把她那甩开的头发、裙子和脸、手与背景分隔开来,她那种鲜明的性格就表现出来了。
这就是说,当我们进行舞台摄影的时候,不要放弃在条件许可的情况下,采用各种不同光线把舞台剧照拍得更好。
舞会艺术摄影中调整光圈和快门的方法
(一)动光圈呢还是动快门——以个人经验是把光圈开大到最大限度,固定不动它。
当光线有强弱变化时,只按光度强弱,调整快门速度就可以了。
因为,这样可以利用胶卷的最高感光速度和光圈的最大限度的潜力,以最快的快门速度摄取最快的舞台艺术表演动作。
在这里,也许有的摄影者顾虑到光圈大了景深就受到影响。
以个人实践的经验是,只要焦距对实了,在景深上是不会发生什么问题的,而在绝大多数的情况况下往往出于快门速度不够快,出现虚像的时候多。
舞台艺术摄影中的画面表现和构图
戏曲的画面构图从台面直到演员表演的身段,很注意“圆”的造型,而舞蹈和歌舞剧的表演就很注意呼应和对称美的表现,等等。
但是,它无论变化到多少样子,也必须有个统一的气氛以便集中到主体和突出表现主题。
同样的理由,舞台上的人无论多到多少,而其表演动作无论反反复复的重复和多样到多少,也必须使之有条不紊,这样才不致形成杂乱无章的样子。
我想,这就是舞台艺术摄影在画面构图上的一个基本原则,是任何一个舞台艺术摄影工作者必须掌握的。
(一)有宾有主——为了突出节目的主题就必须让主要的“剧中人”,或把代表性的角色,在剧照的画面上占有最显著的位置,而让次要的角色安排在比较不大显眼的地方。
伤话说“宾不隐则主不现”就是这个道理。
但久所谓“隐”却并不是等于不要的意思,如果没有“宾”也就无所谓烘托“主”了。
(二)有轻有重——所谓有轻有重就是在分量上和人物、道具的布局上,应有轻重对比的变化。
这样的好处是:
既将主要角色和主要场景在画面上显得分量重了能够突出,又能够使画而不呆板而显得活泼、新颖。
但是,在轻与重的安排上一定要注意均衡。
否则,便产生画面不够稳定的感觉。
(三)有呼有应——有时看到有的剧照,主要角色的嘴在说话,手在做动作,而有的次要角色好象无动于衷的样子,没有情绪上和动势上的交流、呼应。
这是不合情理的。
不管你是用什么方法拍摄,当你拍摄时,一定要等人物有互相交流的表情动作时按动快门才对。
(四)对称——一般所说的对称,多是指的舞台艺术表演中那种有前就有后或有左就有右的绝对的对称而言。
我们称这种对称为双称美(即戏曲中的“八字形”排场)。
而有一种单线队形的舞蹈从斜面出场在一边加上一个人,或故意将剧中的会议场面偏在一边,在另一边又立着一至几个人,或摆上一些道具、衬景,这叫作单称美(即戏曲中的“斜一字”排场)。
而我们在舞台艺术摄影中,对于舞台上这些构图的形式,是要相应的给以表现的。
1.双称美——我们说,有些画面在表演时觉得很好看,但当摄成照片就不一定好看,象双称美的舞台画面就是如此。
因为它既有左又有右或既有前又有后,如果如实的把照相机镜头放在正中央,拍出来的画面必然很呆板。
在这种情况下,要使原来是呆板的画面变成为活泼、新颖,就必须用侧面角度或略高一点的俯摄角度,使之因透视的变化而由呆变活。
而后一种角度对于前后左右部有绝对对称的画面更适用,可使得画面的透视有变化并有层次,对表现满台有演员的群舞或群众场面很有力。
2.单称美――这种画面,由于己改变了呆板的缺点,因此在相应的对面拍就可以了.但是可不要迎面拍而应该从它的侧面拍。
(五)完整——有时看到有的舞蹈照片不是没有脚就是没有腿,有少数戏曲剧照也是如此。
如果是为了专门介绍某一角色或表现上身动作的特点倒可以,但从画面上看又往往不是这样,这是不大合适的。
因为表现舞蹈是表现它的手舞足蹈,而我国戏曲中的表演是非常注意身段的,尤其一些武打的戏曲更是如此。
所谓“手、眼、身、法、步”往往是紧密联系的。
因此,除了特殊情况外,还是要求画面完整。
画面完整不仅切合以上舞台艺术的表现,也是一个民族习惯和民族风格问题。
(六)均衡——舞台艺术摄影中的画面表现和构图,无论有宾有主、有呼有应也好,以至于对称和完整也好,但是任何一个法则的运用离开均衡都是不成的。
它好象一个人一样,如果失去了均衡就不能站立,而一幅舞台艺术摄影的作品,如果失去了均衡就会给人一种很不稳定的感觉,不是感到它东倒西歪就是感到很不协调。
达就是说,不管有许多演员或许多什么道具参差不齐到什么程度,必须要给人一种均齐的感觉。
人或物的放置必有个中轴线为重点,使左右、前后边的人或物,不至于被人感到多的太重而少的太轻,而应该让人感到只有均衡才是对的,才叫人感到舒服、产生美感。
同时,演员在跳跃或是在走动着,你的照相机必须竭得很平直去拍摄它。
否则,便易产生一种不平衡的感党;比如表现单人舞,不管演员的手足怎样变化,拍摄时都不能离开头部的下颧,以此取得一条垂直线,求得画面平衡。
这在我们拍摄时在画面构图上必须考虑到这一点。
舞蹈艺术摄影的表现
舞蹈,它是一种通过人体动作和表情,形成某些连续而富有表现力的姿态,来表现人们现实生活和思想感情的一种“动”的表演艺术。
舞蹈艺术的表现形式是多种多样的。
以我们伟大祖国丰富多采的舞蹈艺术来说,就有古典舞、民族舞、民间舞和各个地区不同风格的舞蹈?
在世界范围内,那更有东方、西方、各个国家、各个民族的不同风格的舞蹈。
舞蹈动作快速敏捷,队形变化万千,似乎不易掌握,但并不神秘。
只要我们对所要拍摄的舞蹈仔细的现象具体的分析,就不难掌握它们的动作规律和风格特点。
一、拍摄舞蹭艺术的一般表现技巧
1.优美姿态的表现舞蹈艺术的思想内容是反映和体现人类的现实生活,因此,它的美来源于生活的美。
新中国舞蹈艺术的典型形象,则是民族形式社会主义内容的艺术之美,因此,它的美就来源于社会主义新生活的美。
但它经过艺术家的高度概括、创造,使之成为理想化的欣赏对象。
它要求动时要有动态美,就是在静态中也要有动的感觉。
2.高潮点的抓取各种舞蹈在表演中所形成的高潮点,各不相同。
但是,如果在舞蹈中有腾空跳跃的动作出现时,一般就是它的高潮点快到来了。
这就需要我们事先作好充分思想准备以便及时而迅速地抓取它。
以采茶调舞剧《被收》中的一段为例,这个舞蹈主要是在表现湖南地区男女青年对“秋收”的欢乐情绪,和他们的幽默风趣的性格。
其中最突出的一个高潮点,就是许多人把一个年轻小伙子高举了起来。
当举得最高的时候他自己就腾空跳起了,摄影就必须抓住这高潮的刹那。
4.象征性形象的表现有些带有鲜明的象征性形象的舞蹈,如我国民间舞蹈《走雨舞》和蒙古族筛蹈《雁舞》、傣族民间舞蹈《孔雀舞》(附图16)都是在整个情节中只有个别的动作赋有象征性的形象。
因此,我们在拍摄中就应抓住它那象征性的形象,即很似大雁和孔雀的样子,充分地表达主题思想。
以《孔雀舞》为例,它是通过一群孔雀的开屏、迈步、跳跃、喝水、洗澡、飞跑和落地等一连串生活细节,表现傣族人民对孔雀的一种美丽的想象。
《孔雀舞》所表现的优美姿态,最能象征孔雀的形象。
它给人一种恬静、美丽的感觉。
5.抓取气氛的时机在拍摄舞蹈照片中,尤其是拍演员较多的群舞场面,除了应注意演员的表情动作和画面构图外,还要注意他们的视线。
视线一致,能使人物感情有机地联系在一起而构成统一气氛。
统一气氛的表现形式也是多种多样的;有的是接近矛盾而尚未解决的——尖锐的对立的矛盾,即神色极其紧张的“剑拔弯张”状态的统一气氛,有的是主要角色久所渴望的矛盾已经解决,出现了统一欢乐的气氛等等。
从拍摄技术上说,抓取后者的动态比较容易,而抓取前者的动态则较难。
这是由于前者所出现的时间极短,而后者所出现的时间校长。
但是,只要我们熟悉剧情,精心地掌握住有关这类舞蹈情节发展的规律,也同样能够抓住它那瞬息即逝的气氛。
6.表现舞蹈的美上面已经谈过,对某些舞蹈的画面表现要切合主题,如舞蹈的名称叫什么,就一定要抓住它那干什么的动作拍下来,才能使画面富有表现力。
但是,对另一些舞蹈就不一定适用,甚至不应该用,否则将遭致失败。
当我们处在内容与形式发生矛盾时,要正确地表现出正面人物的美。
如中国古典舞蹈《演纱舞》(因26),真正烷纱是低头而蹲下的动作,就不如晾纱给人以轻盈、飘渺的感觉好。
因为舞蹈艺术的目的,就是要通过人体的动作姿态去表现各种自然或社会生活的美,给人以美的感受。
7.生活特点的表现舞蹈艺术和其他舞台艺术相同,就是大量地表现人民生活的题材。
在我们现实生活少,每种不同的生活都是有它自己特点的,如果在画面上表现不出它的特点,那就在艺术形象上失败了。
有个表现山东渔民出海打鱼劳动生产的溯阳《海浪歌》,在表演时有时有捕鱼的动作,有和大风大浪搏斗的动作,有乘风归来欢庆丰收的动作,等等,只有迎着风浪前进的动作,有船帆做背景的特征(图27),抓住这样的动作不要用任何文字说明,就具有浓厚的生活气息,人们一看就知道:
这是我们社会主义中国的渔民,以革命乐观主义精神在同风浪搏斗中勇敢前进的情景。
中国古典舞和民族、民间舞路的表现
我们伟大祖国的古典舞蹈具有东方美的特点,它柔美、安静、乐观而富有含蓄。
民族、民间舞蹈也是各有特点——从服装、物饰一直到动作的姿态节奏,都有显然不同朗特色和风格,并且多数和人民的劳动生产、生活相结合着。
古典舞蹈《剑舞》中的两个人的特写(图28)。
她们英武的姿态刻划出我国古代妇女英勇坚强的性格。
在出场“亮相”的一刹那间就显示出一种英武的精神气质,这种含蓄的内在精神状态,给人以强烈的感染,使我们为有这样英雄的妇女而感到骄傲、自豪。
这就是说,当我们用摄影艺术表现中国古典舞蹈时,应结合拍摄京剧的经验,时刻留意“剧中人”手、眼、身、法、步五个方面的有机调和与气氛一致,以获得最优美的形象。
中国古典舞蹈有武舞和文舞之分。
当我们拍摄武舞时(如战争、狩猎、劳动等),要摄取人物性格中那种“刚中有柔,柔中有刚”的力和美的统一的形态。
在拍摄文舞时(如祝贺、祭祀、爱情等),应重点摄取“剧个人”有“传神”表情的姿态,尤其要注意上身的动作。
古人所谓“招手折腰,体如游龙”,就是指的这种柔美的姿态。
在拍摄中国古典舞蹈时,不应只强调演员的愉快情绪,而应强调它的姿态与风格。
因为古典舞蹈是经历了历史考验的,是经过历代舞蹈艺术家严格的加工和不断的创造,因此在艺术上具有独特而非常考究的完整的风格。
就特点来说,不少舞蹈给人以“轻”、“飘”的感觉。
四、要表现舞因艺术的动感美
舞蹈本身就是一种艺术,而它所给予观众的感染力,往往是凭借它本身特有的动感美的功效。
因此,当我们用一幅剧照集中概括地去反映它的时候,是不应该比它原来的艺术形象有所逊色的。
当然,要达到这个要求是不大容易的。
但是,只要对它有一定的了解,熟悉它的特点和规陆也就不是多么困难的一件事情。
我们认为,动感美的含义应是较广泛的。
具体说来,大致可分下述几类:
1.由于人物情绪上的活泼愉快所形成的动感美这种动感美应该说,它主要是由于人的内心感情的喜悦所决定的。
因此关于这类舞蹈剧照的表现方法,就应以人的活泼愉快的表情为主。
比如,蒙古族舞蹈《快乐的青年》和彝族舞蹈《快乐的罗嗦》等,因为它本来就没有什么大跳的动作,所以就应强调把主题思想放在“快乐”的情绪方面,注意在表演过程中抓拍那些能够体现“快乐”二字的主题动作,从而表现出活泼愉快的功感美。
2.舞蹈动作上的动感美这种动感美不消说,它主要是由于主题内容所决定的一些主题动作。
因此,关于这一类的舞蹈就应重点抓拍它那优美的动作,因为它本来既没有什么特殊的活泼愉快的情绪,又没有什么大的腾空跳跃的动作。
例如,苗族《芦坚舞》、古典舞蹈《盾牌舞》和芭蕾舞的一些托举动作等,就是如此。
3.奔放跳跃的动感美这种动感美,往往是在一个节目的高潮或在某一有意义的场面才出现。
比如,古典舞剧《三岔口》中,在一人的刀刚要砍在另一人的身上时,被砍的人就腾空飞跳起来。
一般说来,在整个节目中要选择跳动得最大最美的动作来表现。
我们经常说这个节目“动人”或说那个节目“不动人”,而这个所谓“动人”,或“不动人”,当然并不是只说“动”的才能“动人”,不动的就“不动人”。
但是,尽管是如此,人们的心理状态还是被那些动得最激烈的姿态引起惊心动魄的。
当然,在我们来评价一幅舞蹈剧照有没有动感美的时候,就不是只看它跳动得高不高为标准,而首先要看它是否充分地表现了舞蹈的主题内容。
比如,有的舞蹈剧照虽然并不是在跳越着的,但出于演员的内心感情表现得深刻,给人的感觉是静中有动、传神好,并不是静止的。
反之,有的舞蹈剧照虽是跳跃得很高,但是由于面部表情和四肢动作都不美,就不能给人以美的感觉。
木偶和皮影艺术摄影的表现
木偶、皮影戏有着浓厚的生活气息和地方特色,在表现形式上富有舞台动作,许多场面欢歌载舞,有生动、活泼的韵律美。
它们善于用幽默、夸张和讽刺的表现方氏将正面人物表现得很英俊而潇洒;将反面人物表现得很阴险、狡猾、丑态毕路。
木偶、皮影的人物都不能做表情,但结合其他因素的烘托,也能把恐惧、嘻笑、愤怒、哭泣等情节表现得生动、逼真。
而且,有些在一般舞台上不能表演的场面,而它却可以表现得真实话现。
因此,我们就可以把那些不同于一般戏剧的独特的场面和动作拍摄下来.
木偶戏分布袋木偶、杖头木偶、提线木偶三种。
布袋木偶是套在手上表演的,动作丰富、迅速、灵活,特别善于表演趣味性很浓的动作和武打场面。
提线木偶是演员隐蔽在台下,用手提线表演的,动作比较柔软,易于跳动。
杖头木偶是演员隐蔽在台底,用棍举着木偶表演的,动作灵活、利落而多样。
我们拍摄木偶表演,首先要掌握它们的表演特点,然后结合剧情主题,选取最能表达其内容并富有木偶表现特色的镜头。
皮影是用刮薄的皮革,雕刻上人物形象和花纹,经染色罩泊通过灯光映射来表演的。
人物的手、足能活动,能表现各种动作。
演员用三根小杆操纵其动作,随着音乐和歌唱活动起来,能表演一些很生动的故事。
由于它依靠灯光映射来表演,除了例外,最好不用闪光灯拍摄,否则失去原有气氛。
利用原来的灯光拍摄,可用高感光速度。
此外,由于木偶、皮影的人物和场面的体积都很小,摄影时除了用长镜头外,要尽量靠近舞台面。
否则拍出来的人物过小,效果也就差了。
提线木偶在表演时,为了避免观众觉查线的痕迹不好看,因而灯光较暗。
我们在拍摄时就应加强照明,或改用高感光度。
对一般木偶应多采用侧面光,使它更显得立体、生动。
还有一点值得注意的是,除了拍摄木偶、皮影本身外,还可拍摄包括观众在内的场面。
因对木偶、皮影戏最感兴趣的观众大多是少年儿童。
如能拍摄到小观众们看戏的强烈反映不但很有趣,并且很有现实意义。
舞台摄影中的彩色摄影问题
1*曝光和用光要正确彩色摄影所用的胶卷(感光片)有彩色反转正片和彩色负片两种。
负片经冲洗晾干后可以印、放彩色照片。
反转正片经反转冲洗可制成透明正片。
但是,不论反转正片或是负片,在感光方面宽容度(即伸缩性)都是不大的,尤其反转正片的宽容度就更小。
比如,用黑白片摄影时,它的宽容度从最暗到最亮的地方不能超过二十二倍的反差,苦换用彩色负片摄影时,它的宽容度从最陷到最亮的地方就不能超过八倍的反差。
而彩色反转正片从最暗到最亮的地方就不能超过四倍的反差。
这就是说,由于它们的宽容度所限的关系,若感光不足,它的密度过小就几乎成为一片黑色或大大的偏蓝。
反之,若感光过度而密度太大,其色彩就会失控或变成为淡薄。
所以,感光不正确的彩色片既能改变透明片的密度,又存在颜色不真实的缺点。
因此,彩色摄影的曝光就必须是最难确的。
- 配套讲稿:
如PPT文件的首页显示word图标,表示该PPT已包含配套word讲稿。双击word图标可打开word文档。
- 特殊限制:
部分文档作品中含有的国旗、国徽等图片,仅作为作品整体效果示例展示,禁止商用。设计者仅对作品中独创性部分享有著作权。
- 关 键 词:
- 舞台 艺术摄影 技法