西方艺术简述.docx

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西方艺术简述

西方艺术发展史简述

老师：

王倩

作者：

谭锴

学号：

200706060117

西方艺术发展史简述

整个西方艺术的发展历程可以大致分为史前艺术、古代艺术、中世纪艺术、文艺复兴艺术、17-18欧洲艺术、19世纪艺术以及现代主义艺术7个阶段。

一、史前艺术

史前艺术可以分为旧石器时代、新石器时代两部分。

旧石器时代艺术产生于原始社会蓬勃发展的旧石器时代的晚期——奥瑞纳文化期。

而这一时期的艺术主要变现形式为洞穴中的壁画和雕塑，其主题多于巫术相关表现内容皆以动物为主，手法生动写实。

其中最突出的原始洞窟壁画是西班牙北部阿尔塔米拉洞窟壁画和法国西南部的拉斯科洞窟壁画；迄今为止发现的原始雕塑大多数为小型的动物雕塑，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位。

发现最早的雕像是奥地利维林多夫的《母神》（原始的维纳斯）和法国鲁塞尔岩廊石壁浮雕《手持角杯的裸女》。

而代表史前“艺术”最高成就的是位于法国南部和西班牙北部的洞穴壁画。

新石器时代美术成就主要是巨石建筑。

这是用重达数吨的巨石垒成的宗教性纪念建筑。

巨石建筑盛行于欧洲，包括石柱、石台、石栏等形式。

英格兰南部的圆型巨石栏“斯通亨治”（Stonehenge）是典型的代表。

二、古代艺术

古代艺术可以分为古埃及艺术、古印度艺术、古希腊文明、古罗马艺术、古两河流域艺术。

埃及是人类文明的重要发源地之一，蕴涵着丰富的文化精神。

提到古埃及，人们就想起金字塔、狮身人面像——一种威严、永恒和神秘的时代气息。

古埃及艺术的主要表现就体现在金字塔以及其内部的木制陪葬雕塑和壁画上，其中吉萨金字塔群和巨大的狮身人面像是埃及古代艺术的精华。

古代印度文明的艺术起源于印度的印度河流域的印度西北部。

它最早的原始美术,通常称作“印度河文明时代（约公元前2300年）到1750年之前的艺术。

根据考古出土,当印度史前文明最远可以追溯到光、新石器晚期,即青铜器和铜石和年龄。

印度的艺术是文化的重要组成部份,大约有5000年左右的历史,它的内容广泛、形式丰富,独具特色。

印度的艺术经历了一个风格演变的过程。

由于特殊的位置,所以印度宗教在印度的艺术本质的基础是宗教。

伊斯兰教传入之前,最主要的宗教是古代印度的佛教和印度教。

后来,印度艺术分为佛教艺术和伊斯兰教的艺术。

从人类文化的历史上看，希腊文明是欧洲文化的发祥地。

雪莱曾在诗中吟道：

“我们都是希腊人。

”希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，没有希腊，无法想象欧洲文明会是什么样子，今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。

古希腊人似乎不象古埃及人那样喜欢在墙壁上绘画，更多地画在器皿上，所以能流传下来的真是极为难得。

能让古希腊艺术流传得更广的主要是雕塑。

由于希腊人的自信，因此造就了希腊艺术品表现出的那种激情，以及对生活的热爱。

而其中最为著名的是帕提农神庙。

古罗马艺术是希腊艺术的直接继承和发展，它们共同奠定了西方文明的基础，成为西方文明的摇篮。

罗马本身的艺术并不发达，当罗马人征服了许多文化艺术繁荣的国家，将那里的大量艺术品，尤其是雕塑和绘画当作战利品劫运到罗马，同时还把许多受过良好教育的艺术家、工艺师、工匠等当奴隶和人质集中到罗马，这就为繁荣罗马文化提供了优越的条件。

古罗马肖像雕塑的美学追求在于求真美，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同，这种特征趋向于个人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。

两河流域艺术又称美索不达米亚文明发源于底格里斯河和幼发拉底河之间的流域──苏美尔地区。

其中最主要的艺术通过雕塑以及建筑表达，著名的例子是“世界七大奇迹”之一的新巴比伦城墙。

城墙以亮丽的蓝色为底色，由白；黄两色组成的狮子；公牛和龙的图案散布在城墙各处，由上到下一层一层地排序着，昂首阔步，栩栩如生。

被后世人称为“空中花园”。

而汉谟拉比法典碑是古巴比伦现存最著名的雕刻作品。

三、中世纪艺术

中世纪艺术主要可以分为早期基督教艺术、拜占庭艺术、罗马式艺术以及哥特式艺术。

早期基督教艺术在基督教受迫害时期就已存在。

直到313年，後来继承皇位的君士坦丁大帝信奉了基督教，为基督教成为国教铺平了道路，从此基督教开始盛行。

罗马地下墓穴的装饰画室我们研究早期基督教艺术的唯一可能形式。

早期基督教的图像运用偏重于象征。

而所画内容多于《圣经》所叙述的一些神迹以及《旧约》和《新约》中的许多故事有关。

拜占庭艺术是基督教文化的政教合一的产物。

因此其主要表现在教堂以及建筑的设计上。

拜占庭建筑主要为穹顶结构和希腊十字式平面。

其中圣。

索菲亚大教堂最为著名，它.混合了东方与西方，过去与未来的结构，是气魄雄伟的混合建筑。

充分体会到圆顶在宗教建筑中的心理功能:

光线与圆顶结合，仿佛造就一个光芒万丈的天堂。

罗马式艺术本身是一个极其复杂的概念，在欧洲相当长的一段时间里，人们将哥特式艺术以前的所有艺术都称之为“罗马式”，或者指在13世纪以前凡是与地中海艺术传统有关的东西。

按这个标准，查理曼帝国和奥托帝国的艺术都应称为“罗马式”。

随着对中世纪艺术研究的深入，学者们逐渐意识到“罗马式”这一概念的含混性，但至少目前对于“罗马式”有这么几点是可以肯定的：

10世纪之后，西欧经济水平提高，封建制度稳固；作为社会精神支柱的教会势力也与贵族力量并行发展，特别是修道院制度更为完备；十字军东征和大规模的传道活动扩充了教会的势力和影响；对圣人遗物的崇拜，掀起了各地朝拜的热潮。

经济的发展和宗教狂热使新的教堂和修道院层出不穷，为了追求更加壮观的效果，这些建筑普遍采用类似古罗马的拱顶和梁柱结合的体系，并大量采用希腊罗马时代“纪念碑式”雕刻来装饰教堂，因此这个时代的风格被称为“罗马式”。

“罗马式”概念的含混性意味着罗马式艺术与加洛林文艺复兴、奥托王朝艺术有着千丝万缕的联系。

除此之外，罗马式艺术还有许多不太明显的外来影响：

古希腊时代的古典艺术，早期的基督教、伊斯兰教、拜占庭和克尔特-日耳曼的传统。

所有的这些风格在11世纪最后完全融合在一起。

哥特式艺术是十二至十六世纪初期欧洲出现的一种以新型建筑为主的艺术，包括雕塑、绘画和工艺美术。

这种建筑风格，一反罗马式厚重阴暗的半圆形拱门的教堂式样，而广泛地运用线条轻快的尖拱券，造型挺秀的小尖塔，轻盈通透的飞扶壁，修长的立柱或簇柱，以及彩色玻璃镶嵌花窗，造成一种向上升华、天国神秘的幻觉。

反映了基督教盛行的时代观念和中世纪城市发展的物质文化面貌。

代表作品有法国的巴黎圣母院、德国的科隆教堂、英国的林肯教堂、意大利的米兰教堂等。

四、文艺复兴艺术

文艺复兴艺术是运用古典艺术，重新采用古希腊罗马的艺术形式，同时运用科学的透视技法，再现具有三度空间的实体形状。

文艺复兴时期的艺术歌颂了人体的美，主张人体比例是世界上最和谐的比例，并把它应用到建筑上，一系列的虽然仍然以宗教故事为主题的绘画、雕塑，但表现的都是普通人的场景，将神拉到了地上。

起兴起与意大利，后来传遍欧洲各国。

影响较大的国家有意大利、尼德兰、西班牙。

意大利由于保存着古希腊、罗马时代的艺术品，而当时佛罗伦萨的麦第奇家族和罗马教皇朱利阿斯二世等政治领袖，都爱好艺术，保护和奖励艺术家。

因此早期的文艺复兴以意大利为中心，发展出来一套完美的透视法则，及应用人体解剖学、明暗对照法的实体表现法。

在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批艺术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。

在以后西方艺术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。

推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。

尼德兰一词意为"低凹的土地"，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。

尼德兰的艺术活动最初与法国有着密切的联系。

14世纪时有许多尼德兰艺术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的艺术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利艺术风格的影响。

百年战争（1337--1453）之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术艺术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。

尼德兰文艺复兴艺术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。

他们绘制的《根特祭坛画》（1415--1433）是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。

西班牙文艺复兴艺术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。

15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。

但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔·格列柯（ElGreco，1541--1614）。

有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。

五、17-18世纪欧洲艺术

17至18世纪的欧洲，是各国在政治制度、宗教、自然科学和艺术诸方面发展和探索的时代，整个欧洲呈现出一派多姿多彩的面貌。

人类自文艺复兴觉醒之后，以新的人生观和科学手段探索自然的奥秘，以更加活泼的求知欲和好奇心去观察自然和认识世界，产生了一大批伟大的学者和艺术家。

艺术呈现出不同于文艺复兴时期古典艺术的多元化局面。

巴洛克、罗可可、古典主义、写实艺术等各种风格倾向相互交织，并行发展，各领风骚。

意大利到了17世纪，现实主义、巴洛克艺术与尊崇古典传统的“学院派”同时出现，这使艺术领域看起来更加丰富。

18世纪威利斯画派的出现更加让整个意大利艺术呈多元化发展。

佛兰德斯的艺术跟同期荷兰独立后那种为新兴资产阶级服务的艺术不一样；它仍然处于西班牙封建专制和天主教会势力的控制之下，主要为宫廷贵族、富商和耶稣会服务；这类人物对艺术的要求促使佛兰德斯绘画具有追求富丽堂皇的装饰风格。

佛兰德斯艺术中，最引人注目的为绘画，其次是建筑，最后才是雕塑。

其中最具代表性的艺术家首推鲁本斯﹝PeterPaulRubens﹞。

17世纪，荷兰的经济文化都非常繁荣，当时荷兰商人的欣赏趣味与那种浮华放纵的趣味有很大不同，他们比较喜欢有节制和简单的风格。

由于社会的风俗与需要，肖像画得到的重视比其它题材都要多。

绘画开始变成商品进入市场，开始出现专门化分工，风景画得到了长足发展，这一时期的风景画完全摆脱了情节和人物，成为独立的画种。

这是西班牙艺术大放光彩的一段时间，出现了不少著名的艺术家，塞韦利亚画派是17世纪上半期最重要的画派之一，苏巴朗和委拉斯贵支是这个画派的重要代表。

六、19世纪西方艺术

19世纪西方艺术在18世纪的基础上又有着很大的发展，主要表现为跟多的艺术流派的产生：

现实主义、巴比松派、前拉斐尔派、学院艺术、印象派、后印象派、新印象派、点描派风格、那比派风格、综合主义、象征主义、哈德逊河派。

19世纪法国画坛经历了古典主义到浪漫主义的发展，浪漫主义逐渐地脱离了当时的社会现实。

在这样的背景下，一部分具有进步思想的艺术家认为艺术应以实际生活为基础，提出了“为生活为民众而艺术”的口号，产生了现实主义艺术思潮。

现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时此刻劳动者真正走进艺术殿堂，成为绘画中的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家的青睐。

于此同时在印象意义流派也在法国产生。

19世纪英国受法国新思潮的影响开始出现艺术上的繁荣。

出现了浪漫主义艺术，而风景画的出现为后期印象派的产生也有很大的影响。

一批皇家美术学院的学生倡导组成的前拉斐尔学派也在此时英国产生。

19世纪是俄罗斯历史发展的一个转折时期，文艺发展势如破竹，从某种程度上讲甚至不亚于欧洲的文艺复兴。

19世纪的俄罗斯文艺具有鲜明的民族特色，在哲学、文学、音乐、美术等各个领域，涌现出一大批足以与西欧各国称雄并列的杰出人物。

哲学与文艺评论上有别林斯基、赫尔岑、杜勃罗留波夫、车尔尼雪夫斯基等，文学上有普希金、莱蒙托夫、果戈里、屠格涅夫、契诃夫、列夫·托尔斯泰等，音乐上有格林卡、柴可夫斯基、穆索尔斯基等，在绘画上则有列宾、苏里柯夫、克拉姆斯柯伊等。

在19世纪上半期，美国艺术的发展还体现在大众化的艺术中。

被称为民间画或原始派的画家大都没受过专业训练，主要模仿斯图亚特和科尔等人的风格，但非常质朴，形象稚拙，色彩鲜艳。

19世纪中期的南北战争改变了美国历史的发展进程，战后的工业革命和经济繁荣，也带来了艺术的黄金时期。

风景画家F.E.丘奇、G.英尼斯,静物画家W.M.哈尼特,风俗画家W.M.亨特等人在各自的领域中作出了贡献。

与此同时，欧洲艺术对美国的影响也日益增强，大批美国青年远渡重洋到法国、英国等地学习绘画，回美国后给本地的艺术带来新的技法和风格；也有一部分画家留在欧洲，成为欧洲19世纪末新美术运动的重要人物。

女画家M.卡萨特1866年赴法深造，后定居法国。

她是参加了法国印象派画展的唯一的美国人。

J.S.沙金是美国最杰出的肖像画家。

他的风格是将古典主义传统和印象派手法融为一体。

J.M.惠斯勒的声誉已经超出美国，成为西方艺术的伟大革新者之一。

他深受东方艺术的影响，追求纯艺术的表现力。

七、西方现代主义艺术

现代主义的产生，有其深刻的社会根源：

两次世界大战，给人类造成空前浩劫，动摇了人们对西方文明基础的信念。

人们普遍感到一种时代的焦虑与幻灭，精神世界崩塌为一片荒原；痛苦、怅惘、失望、恐惧气息弥漫四方，所以，各种非理性哲学思潮应运而生：

叔本华的唯意志论、尼采的超人哲学、柏格森的直觉主义、弗洛伊德的精神分析学等在思想文化和艺术领域蔓延开来。

以法国为中心的超现实主义和象征主义、以英国为中心的意识流、以德国为中心的表现主义、德彪西的印象派音乐、康定斯基的抽象派绘画、毕加索的立体主义等等。

我国的“五四”时期的文化诸领域也受到现代主义文艺思潮的影响，但由于挽救中华民族的危亡是该时期的主要任务，主流是革命的浪漫主义和革命的现实主义相结合，故而没有产生太大影响。

改革开放后，西方的现代与后现代主义文艺思潮同时汹涌而至，让人眼花缭乱，目不暇接：

新理论、新流派、新方法；卡夫卡、意识流、新小说、荒诞派、黑色幽默、超现实主义、拉美魔幻现实主义等，五花八门。

文艺复兴时期艺术最具代表性的作品有列奥纳多·达·芬奇的《最后的晚餐》与拉斐尔的《雅典学院》，《最后的晚餐》这幅表现基督被捕前和门徒最后会餐诀别场面的湿壁画，绘制在米兰格雷契修道院饭厅的墙壁上。

它巧妙的构图和独具匠心的布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。

在人物布局上，一反平列于饭桌的形式，将基督独立于画面中央，其他门徒通过各自不同的表情和手势，分别表现出惊恐、愤怒、怀疑、剖白和慌张的情绪。

这种典型性格的描绘，突出了绘画的主题，它与构图的统一效果互为补充，堪称美术史上最完美的典范之作。

《雅典学院》是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。

艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式，寄托他对美好未来的向往。

它的主题思想，就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想，这正是人文主义艺术家自己的宿愿。

全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。

17、18世纪欧洲最具代表性的艺术作品有鲁本斯《强劫留西帕斯的女儿》和达维特《荷拉斯兄弟的誓言》。

《强劫留西帕斯的女儿》取材于西腊神话中宙斯的孪生子劫夺迈王锡尼国王的孪生姊妹的故事.色彩在这一作品中具有极其重要的作用,两匹烈马浓重的棕黑，青灰色，与女子白皙的皮肤的明亮色调形成鲜明的对比。

人体的健壮，肌肉建壮，体力充沛，动作粗犷，洋溢着勃勃生机，极富浪漫情怀。

《荷拉斯兄弟的誓言》内容讲述是古罗马时期罗马城与阿尔贝城交战，双方各派三兄弟格斗，以定胜负。

而双方有着姻亲关系。

但是，代表罗马的荷拉斯三兄弟毅然挺身而出，大义灭亲。

中心位置上的荷拉斯三兄弟在出征前，从父亲手中接过武器并庄严宣誓；而三兄弟的母亲，妻儿，姐妹则陷入个人的情感而感到悲哀，整个画面构图严谨，均衡对称，造型结实，体现了新古典主义风格的重要特征。

19世纪西方艺术中梵高的《食土豆者》和《梅杜萨之筏》，《食土豆者》画面充满了宗教情感和对农民的敬爱。

画面看来较为笨拙，但有一股力量。

他寻求的是真实的农民的画。

他不是以线条，而是以环境抓住对象。

他反对人物是学院式的准确，而有意制造“偏差”，来重新塑造和改变现实、以达到实实在在的真实。

这便是表现主义的诞生。

《梅杜萨之筏》是泰奥多尔·籍里柯于1819年创作的油画。

《梅杜萨之筏》从画面的构图、光线、色彩到人物的动态表情以及丰富的想象力，都是无与伦比的。

画家以金字塔形的构图，把事件展开在筏上仅存者发现天边船影时的刹那景象，刻画了遇难者的饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情状，画面充满了令人窒息的悲剧气氛，开创了浪漫主义先河。