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设计史论文
设计史论文
现代设计史的现状
现代设计的产生和发展和繁荣的过程中始终都是和科学,和艺术相联系在一起的。
并且随着科学技术的不断发展,这种艺术与科学相结合的现代设计正显示出无比强大的生命力。
18世纪工业革命从英国开始,以后就传播到到全国各地。
工业革命市的机械生产深入人心,人们的生活方式发生前所未有的转变。
从设计史的角度来看,如果没有工业革命就不会有今天所谓的工业设计和现代意义上的设计。
正是工业革命完成了由传统手工艺到现代设计的转折,随之而来的工业化、标准化和规范化的批量产品的生产为设计带来了一系列的变化。
首先,设计行业开始从传统手工制作中分离出来。
工业革命意味着技术带来的发展已经过渡到另一个新阶段,即以机器代替手工劳动工具,从而改变了劳动的性质和社会、经济的关系。
由于生产中大量重复性和频繁性的要求,还有批量生产之前的周密筹划,意呢如在需要构思设计制作一体化的个人生产,取而代之的便是一部分人走向了脑力劳动之路,设计师直接通过图纸传达设计的意图,而工人和机器都成为实现意图的工具。
其次,工业革命带来了新能源和新材料的诞生及运用,改变了传统设计的材料的构成和结构模式。
第三,涉及的内部和外部环境发生了变化。
当标准化、批量成为生产目的时,设计的内部评判标准就不再是“为艺术而艺术”,而是为“为工业而工业“的生产。
然而,随后产生的工艺美术运动、新艺术运动以及装饰艺术运动都没能解决“工业化时代的设计如何与批量化大生产相结合”的问题,正因为如此,现代设计产生了。
从现代设计的产生过程中我们可以看到,它的产生经历了相当一段长的时间。
然而在这漫长的孕育阶段时期,科学始终都发挥着巨大的作用。
设计师不会放弃艺术的,随着时代的进步,科技的进步,设计已不再是一门单纯“美术”的学科,逐渐的发展成为一门综合的学科。
因为工业革命所带来的技术革新,使得设计必须是科学和艺术的结合。
只有艺术,没有科学是不现实的。
然而,只有科学,没有艺术,也是不现实的。
正是科学与艺术的结合才产生了现代设计。
现代设计起源于欧洲,其中德国、荷兰和俄国的设计家、建筑家对现代设计的发展和进步起到了关键性的促进作用。
统观现代设计的发展过程,我们可以再次见证到艺术与科学的结合的现代设计.
在这一发展时期中,德意志工业同盟是不容忽视的。
它的创始人穆特休斯德在宣讲德国工业同盟的宗旨时提出:
“通过艺术、工业与手工艺的合作,用教育宣传及对有关问题采取联合行动的方式来提高工业劳动的地位。
”在这个目标中,我们看出,穆特休斯德本人是非常认同将艺术与科学,与技术相结合。
而且在同盟的宣言中提出的六点宗旨中有两条可以非常清楚地看出,德意志工业同盟非常强调现代设计与科学相结合。
第一,它明确提出艺术、工业、手工业应该结合。
第二,它主张标准化和批量化生产,以此作为设计的基本要求。
同蒙在随后的宣传中,也强调了这一点。
而与此同时,它的宣传工作在德国的影响很大,促进了工业史的发展,而且对欧洲其他国家也产生了积极的影响,一些国家先后成立了类似工业同盟的组织,对欧洲工业设计法制到了很重要的作用。
在德国进行轰轰烈烈的德意志同盟的同时,荷兰风格派和构成主义也产生了。
红蓝椅子是风格派最著名的代表作品之一,也是我们非常熟悉的作品。
它能非常好地说明问题。
从功能上看,这把椅子坐上去是不舒服的。
但从他的形式内涵看,所有的构建都是标准化的。
加上它与众不同的现代形式,摆脱了曾有的任何一种加剧的面貌,成为独立的现代主义的形式宣言。
设计者李特维德也曾这样说起红蓝椅子:
“结构应该服务于构件间的协调,以保证各个构件的独立完整。
这样,整体就可以自由和清晰地竖立在空间中,形式就能从材料中抽象出来。
”一战前后,在俄罗斯先锋派艺术中对于建筑学、城市规划和艺术设计影响最大的是构成主义。
1922年,俄国构成主义者在发表的《构成主义》的文章中,明确的批判为艺术而艺术的倾向,主张艺术家为无产阶级政治服务,提出要艺术家走出实验室,参与广泛的社会活动,直接服务于社会。
构成主义与传统美术脱离,走向了使用的设计范畴。
设计师在思考,每一位设计师都在为现代设计作出各种不同的解释。
虽然他们的表现手法各自不同,然而,科学与艺术在他们的设计中已经显示出了强大的生命力。
现代设计通过艺术与科学的结合,敢于面对技术提出的更高要求,敢于将曾经只在少数人口中谈论的空中阁楼般的艺术和大众生活,和功能相联系在一起。
在对现代设计的无数探索中,有一所学校是我们不得不提的,那就是包豪斯。
因为它对现代设计的贡献实在是太大了,直到现在,它的影响还在持续。
包豪斯有德国现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗佩斯建立。
包豪斯的自身发展体现了格洛佩斯个人涉及教育理念的演变与发展的过程,反映出一个时代思想的演绎和变化。
包豪斯的课程设置包含了许多学科的知识。
将设计作为一门综合学科来看待。
除了基本的视觉训练和美术素描以外,它还要求学生要对材料和工具有充分的认识,要求学生了解技术,了解工艺,了解各方面的知识。
它破除了纯艺术和使用艺术的界限,在艺术和工业结合的思想指导下达到了艺术和技术的新统一。
它的教育适应时代发展需要,建立了与工业设计相适应的一套完整的教育体系,强调理论与实践紧密结合双轨并置的教学方针,培养了一批既懂专业知识又具备独立工作能力的设计人才。
包豪斯树立了一种以机器生产为技术背景的现代主义美学观和艺术风格。
这种风格的创立,深刻地影响到现代设计的发展。
生产的发展向工业设计师们提出了挑战,那些发展较快的国家,设计师们利用自己的职业技能不断地设计除能与外国产品竞争,并适应本国需要的产品。
在这期间,美国显然是一个成功的例子。
美国工业界通过现代化的生产手段完成工业产品的外形设计,制造出大量的供平常百姓使用的产品。
20世纪40年代至50年代,美国的设计从样式主义开始转向功能主义。
许多产品的设计都适合于它的目的性,是适应于所用的材料,适应于生产工艺,且形式服从功能。
这一美学标准在40年代大受推崇。
当然,欧洲的其他国家也在探索自己的现代设计。
如德国的新功能主义、个性化和民族化的意大利设计。
亚洲国家在同一时期比较出名的设计要数日本的设计。
日本的设计能很好将现代与传统融合为一体。
使许多亚洲国家可以学习的一非常好的例子。
中国的现代设计虽然起步很晚,但是随着新中国的建立,中国经济的发展,中国对现代设计也在进行着探索与研究。
现代设计正是在这样一批又一批的设计师的探索中,才得以发展到今天的水平。
虽然现代设计起源于欧洲,但它影响了不仅仅只是欧洲人,全世界的设计师都受到它的影响,全世界的人民都需要它。
它影响了不仅仅是几代人,更是整个时代。
它使得设计真真正正的成为大众的设计。
现代设计在工业革命中孕育而生,在经过设计师不断的努力后,它成为了艺术和科学的结合。
可以这样说,设计必定会走上艺术和科学相结合的这条道路上。
因为,随着科学技术的进步,人们的生活方式的进步,原始的手工工艺设计是根本不能跟上时代的脚步的,也必将会被历史所淘汰。
只有顺应历史发展潮流的设计,才能存在在世界这个巨大的舞台上。
现代设计正是因为拥有了艺术和科学的翅膀,才能一直如此具有生命力的翱翔在世界的天空中。
而也正是因为现代设计既拥有艺术的优点,又具有科学的长处,使我们的生活增添了不少的光彩。
现代设计与高新技术的关系
20世纪初,国内政治腐败,外受帝国主义侵略,整个社会处于混乱状态,中国的各行各业都受到严重地冲击。
在装饰艺术与设计方面,传统的东西被遗弃,西方的一些元素被吸收进来,装饰艺术在装饰绘画方面都发生了明显的变化,而且各地的发展参差不齐、时起时落。
以宫廷工艺为主的中国传统工艺远落后与外国的现代工艺,只有民间一些民俗工艺还继续发展,但在设计水平等方面都无法和外国相媲比。
近现代的中国美术可以说发生了翻天覆地的变化关键词:
装饰画装饰艺术装饰与实用传统西化虽然在20世纪初期中国就从西方引入并开始使用“设计”(design)一词,但并没有真正理解这个词的意义所在,只是一个象征性的词语。
中国虽然有着优越的装饰艺术和事物的各种各样的形式结构却没有自己的一个独特的词语来描述形容它们。
中文中的“设计”一词常常与世界通用的英文“design”相对应,或者被看作后者的意译。
后者曾经有一个中文的译词“迪扎因”,现在有时还在使用。
“design”的词源可以追溯到拉丁语得“dēsignāre”,这个拉丁词的基本意思是“画上记号”。
查1989年版的韦氏英语辞典(THENEWLEXICONWEBSTER´SDICTIONARYOFTHEENGLISHLANGUAGE)可知,作为名词使用的“design”意思是:
装饰图案,做成某事的指令,图画的形式构成,在家具当中促成“风格样式”、色彩、材料等的配置,整体当中部分与部分的结合,头脑中构想的计划、目的、意图,(复数)获得某物的图谋,如占人钱财的企图;作动词的“design”意思是:
发明创造,为只作某物制定计划、绘制略图或制作模型,在头脑中构想筹划,为达到特定的目的而作计划,产生企图。
谈设计我们很容易联想到装饰,想到装饰我们就是指“以实用为主要目的的;一切器具之中的附加观赏功能。
”其实装饰设计的原则并不仅仅是观赏:
要掌握适用、经济、美观三个原则,不是一件很容易的事情,并且三个原则也不是个个孤立着的,而必须是有机统一的,注意了经济实用而忽略了美观,不行,这样做,无疑是美术。
只注意了美观而忽略了经济、使用,也不行,这样就会变成“纸上谈兵”。
中国人自古注重实践不注重理论,很少有人把实践总结一下记载成书,方法技巧都是家传或者师传留给后代。
近代在传统师传方法衰败和西方教学方式传入的影响下中国的许多传统的设计丢失了。
中国的设计日益衰败。
设计这一过程自古就存在,可以说是伴随着人类文明的出现而产生的。
在人类一步步从野蛮迈入文明的过程中,设计也随之改变,其水平也不断地提高。
设计是一个过程,是一种文化,它的核心也是展现文化特色,既然是文化必然有自己的本质属性、民族的属性。
在中国几千年的封建社会里设计一直保持着自己的文化内涵和特点,是以儒家文化为中心的中国传统文化的一种载体,接受过几次外来的设计思想,但没有产生大的变化。
但到了近代,中国的传统设计出现了段痕,一些西方设计思想也渐渐渗透进来,对其产生了较大的影响,在现代艺术中有所表现。
从旧石器时代先民们遗留下来的石器可以清楚地看到,这些器物并没有经过加工,很粗糙,但还是比较实用。
他们当时可能不会想到器物有装饰作用。
随着历史的进步人们开始对器物进行打磨、加工,使之更实用。
在新石器时代人们开始在实用的基础上对器物的形式进行改变,对其进行加工美化,有些精雕细琢的可作为祭品或神灵的象征物。
陶器是中国最早的工艺美术品在中国新石器时代的艺术中占重要地位,制造者考虑的是方便实用,但看一下当时的陶器,它们的形制、外表的图案,不得不发出惊叹。
江西万年县仙人洞的几何印纹陶,器型优美,有不同的简单几何纹样压印在表面上。
黄河上游的一种彩陶罐,分有劲和无劲两种,在造型上个部分成一定的比例,如高与宽之比、底径与腹径之比,都极俱匠心,形成了饱满优美的外轮廓线。
造型奇怪实用性强的陶器是中国工艺史上具有独特风格的造型之一。
玉器工艺是迄今为止世界文明史中唯中国有的一种工艺美术。
玉器的出现与祭祀和崇拜有关系。
人类早期对自然万物都无所知,在思想中认为有一位无穷大的神操纵着生老病死。
他们通过雕琢好的玉器来传达对“神”的尊重和崇拜。
他们制作的玉器精美、独特、玉器上的纹样细致入微,到后来玉器成为陪葬品雕琢要求依然很高。
再到后来玉器成为一种权利的象征,这时对它的装饰性要求更高,最体现了中国古代的装饰艺术水平。
随着社会和人类思想的进步,人们对装饰的要求不断提高,同时装饰的领域也在扩大,在绘画、雕塑、建筑等方面出现了大量的装饰艺术。
在20世纪初,随着廉价的外国机制商品的大批量进入中国市场,以中国宫廷工艺为主体的中国传统工艺已经在竞争中处于劣势位置。
辛亥革命后更是萧条惨淡到底,只有各地的民间工艺还有所发展,但毕竟实力微弱,而且他们多是仿古,没有创新,后来随大量外来品的影响又出现仿洋风。
在这时出现陈之佛、庞熏琹(1906-1985)、雷圭元(1937-1945)等一批有志之士,他们针砭时弊和传统的落后原因,肯定工艺美术与民族振兴的现实意义,主张学习西方的经验并保留传统的精华,强调工艺生产为大众服务的方向和经济实用的价值取向。
他们是近代中国工艺美术的发起者,在他们的努力与实践中中国现代工艺开始从图案学与图案设计起步的。
“图案”一词最早由日本引进,其内涵在中国一开始敛缩为美学的装饰意义,成为产品表面的装饰或商业美术的装饰图案画。
在中国只存在着传统的师徒相授的作坊,没有培养专业设计人才的机构。
师徒相授的道路越走越窄,手工亦愈做愈粗,是传统工艺美术走向衰败的又一原因。
新思想的西学东渐,中国的艺术设计教育在这股潮流中随波逐流,由传统的师徒相授转变为对日本设计教育模式的全盘接受,对法国、美国设计教育模式的效仿,直至出现多国教育模式在中国融合的局面,中国的设计教育完全改头换面了。
中国社会由传统向现代转变的缩影——二三十年代的上海。
上海作为租界失去主权,但相对自主,有着特殊的地域和人文环境。
上海呈现的现代化状态,在全球化冲击下的形式,从设计界来说,无疑是值得剖析和借鉴的。
可以说中国的现代艺术设计是从这里开始的。
中国艺术设计的各个方面都吸收过西方的“新艺术运动”和“装饰艺术运动”风格,而且采纳了更加激进的“包豪斯”现代设计风格,并在设计教育上取其所长,充分显示了海派文化的兼容性。
装饰画装饰画是传统装饰艺术中的一种形式,是从新石器时代彩陶的装饰纹样的基础上发展起来的。
在其发展的过程中从战国时的“巧”和“变”发展到唐代的“朴”和“厚”。
在南北朝时期外来文化随着佛教的传入影响到了我国的很多方面,其中包括装饰艺术,艺术家的思想领域扩大了,想象力更丰富了,传统的装饰艺术发生了变化在内容上更加丰富了,同时出现了各种各样的表现形式和表现手法。
进入唐代有些装饰艺术发展成为商品,加之与外国的频繁交往又一次影响到中国的装饰艺术,唐朝文化成为中国装饰艺术的高峰。
清代的装饰画中最主要的是“年画”,也是最广泛的一种画种。
年画的发展是我国装饰画史转变的重要标志,在此之前装饰画始终是为统治阶级服务的。
而清代开始装饰画扩大到平民百姓的生活中,一部分作品开始考虑到人民群众的需要与喜爱。
清末民初随着政治变革而引起的艺术革命,大量地接受着西方艺术科学规则,以改造中国传统艺术。
使得中国艺术产生了很大的变化,尤其在中国的传统装饰画到了衰弱边缘时,年画得到突出地发展,说明群众是喜欢年画的,中华民国成立之前,年画这个自北宋以来发展而起的民间古老画种,早已便及全国。
年画作为一种装饰画受中国城乡人民的普遍喜爱,通过木刻技术,年画得以大量印刷,广泛的供应中国城乡人民风俗节令之用。
在全国各地,有不同规模的年画之作点,虽然大多沿袭旧版翻印,制作量不多,但不乏反映时代精神的创作。
清末光绪甲午年后(1894),民族危机空前严重。
康有为、梁启超等人掀起维新变法运动以后,民间年画出现一种改良年画,题材内容多是提倡开办堂、满汉平等,如《妇女求学》、《女学堂比武》、《礼尚往来》、《戒烟图》、《爱国大扑满》等。
此外,还有借古喻今的《宇文忻幼时游戏》、《高谦妻教子》等,旨在御辱图强,唤醒民众。
使得年画有了新的发展,影响范围也扩大。
辛亥革命以推翻了几千年中国封建专制的腐朽统治后,木版年画内容也为之一新,反映日常生活、战争、战后生活。
清末民初,年画业进入市场竞争,尽管年画风靡全中国普及与民间,但始终没有躲过走下坡路的命运,艺术光彩逐渐消失,特别是鸦片战争以后,列强殖民势力和经济侵略接踵而至,同时,西方先进的印刷技术,如石印、铜板机印的传入影响广泛,使古老的木刻印刷术相形见绌,几被取而代之。
在激烈的竞争中,年画商为了为了提高竞争力和绘制效率,获更多得利润,不惜放弃传统,产品偷工减料粗制滥造,对雇佣的画工要求苛刻,工作量大,繁重的劳动扼杀了艺人的创造力和设计思想。
年画的城市市场亦因之缩小,年画商就缩小规模转向农村另谋发展,使中国的年画出现危机。
当时天津的年画还有发展的希望和前途。
天津附近的年画以南乡炒米店最多,杨柳青次之,周庄、赵庄亦有。
有的年画店规模较大,有专职画稿设计画工,裱画业也较发达。
这一带曾出现“家家会点燃,户户善丹青”的现象,世代相袭的方式使得无论男女老幼都能绘制年画。
但这毕竟不代表中国的木板年画有了很好的发展,还是敌不过西方的石印、铜板机印。
辛亥革命前,天津市场上的年画基本上是木刻印刷,后来日本的石印娃娃画很快上市而且销路很好。
这导致后来“霖记”的出现“1912年,天津年画批发商张芳田开始大批包销日本尚美堂、集画堂、天正堂的娃娃画,年销量达五十万张。
”“霖记”在这种情况下产生,“模仿日本样式,冒充上海印刷厂的字号,印许多日本式的娃娃画”传统的木版印刷术逐渐变为石板印刷。
民国以后,天津年画产业中有名的印刷局也步入“霖记”的后尘,改为石板印、印刷机印,1925年天津年画事业达到兴盛时期与外来印刷技术密切相关,兴盛的是日本的而非中国自己的印刷术。
壁画是装饰画的又一种形式,壁画也有其漫长的发展历史,几经繁荣发展,在历史上有重要的作用,而且留有丰富的壁画资源。
但明清以来一切壁画急剧衰弱,惟有寺观壁画尚流行民间,维持其微弱的一线之传。
这时敦煌等石窟的一些壁画被外国人骗取或窃取,中国着时期的壁画不但没有发展还出现倒退现象,许多大家都已改行另谋生路。
仅有民间的一些技术不是很谙熟的艺人,仍沿袭前代遗规,埋头工作,不求闻达。
这些艺人只是默守陈规,不可能使中国的壁画重新繁荣发展。
许些现象表明中国壁画要走向衰弱的趋势。
翻一翻近代中国美术史几乎不存在关于近代壁画发展的记录。
在太平天国革命时期壁画有了复兴气象,但很快就失去了气息。
壁画设计要适合当时人们的心理感受,从人性角度分析,研究什么“美”最能符合众多人的心态。
由于历史的变迁、时代的不同、社会的不同,人们的审美情趣也发生了改变。
反映到壁画中就形成了不同的风格和形式,而且中国壁画本来就是受中国政治、文化、宗教等因素的影响而形成的。
这一短暂时期的壁画装饰有其独特的艺术使命,是中国社会、政治、经济、文化的缩影,对人民群众起了一定的促进和影响作用。
中国的装饰艺术与设计虽然在这段时期内及其的不景气,但由于中国传统历史悠久、外来因素的影响和陈之佛等人的努力开始有了生机。
可以说现代设计或现代装饰艺术,是新时代的产物,是传统经过不断地衰落与兴起,应着社会的脉搏,合着时代的步伐,随生活一起改变发展的。
与通常所说的“纯艺术”相比,现代设计在与生活和技术的结合方面,在促进和推动经济发展方面,在拥有更多的受众方面,在较快为社会所承认和接纳等方面,拥有自己的优势.
高新技术对设计的影
我们的人生是丰富多彩的,我们的生活更是丰富多样的,从某种意义上说:
人类的生存是离不开艺术的,没有艺术的世界就是一片漆黑!
是艺术让这个世界变得如此的美丽,让人们活的如此的潇洒,这一切的美可以总结为艺术的发现和艺术的创造,也就是艺术的存在性。
有精神的存在,也有精神的存,而这一切的一切都是源于人们的生活。
丰富多彩的生活当然离不开艺术家们的设计,虽然大家表面上都很熟悉设计,但猛的听起来好像也很迷茫,感觉设计好像是一门很时尚的专业,让人觉得深不可测,其实不然,设计是一个很复杂而且又大众的艺术形式,她的一切本质是源至于生活的,但你要想真正了解设计的性质和种类,就必须要深入生活和体验生活。
设计的美在于创造,更在于创新。
但其实对于大多数人来说,设计的美在于欣赏和发现,就是审美和艺术思维的再创造。
设计的本身就是艺术的综合体,首先,设计是视觉的一种形式,是通过文字、平面的图画、立体的实物等等不同的艺术效果和画面效果,作用与人们的眼球和大脑,以达到刺激感官与传达艺术家想要表现的某种信息,或体现突出艺术家的某种思想和意识,而且表现的形式很是多样化的。
美的起源是有着很多种说法的,从另一个角度来看美德话,我们会发现美是人们表达感受的一种方式,至于设计,只不过是其中的一种手段罢了。
设计的起源是在原始时期就有了初步的萌芽了,尽管只是萌芽阶段,而当时古代的人们所打造的石器、简单的陶器、棍子和项链等,也可以说是设计的萌芽和设计意思源的开启,无论是在新石器时代或者后石器时代,原始人就已经有了最原始的设计作品和理念,虽然当时他们的目的只是使用和实用,但我们不能否认设计作为一种艺术形式就已经存在了,而且作用于了人们的生活。
从广义的角度说,自从有了人类的出现,就逐渐有文明了的产生,和设计形式的出现,无论其形式有多么的简单;如果从审美的角度来说,设计是对生活中美的一种提炼和升华,是浓缩了一个时期乃至一个时代的剪影,这种剪影能从侧面反映一个时代的精神和生活习惯,是一种最原始简单的设计美。
例如当时的陶器,从灰陶到彩陶,早在古代就有很美的设计,根据考古发掘资料记载,黄河流域距今8000千年的裴李岗文化和距今5000年的仰韶文化、大汶口文化时期,是以泥质红陶和夹砂红褚陶为主的彩陶时期,当时在形状和色彩上就有很好很美的设计,也在图案的处理和表现上更是精彩绝伦,不仅图形优美,而且意趣横生,如人面鱼盆是结合了鱼和人的形象特征而绘制,创意独特而活泼,还有一组小人跳舞的舞蹈盆,被人们称为“彩陶盆绘舞蹈纹”此盆于1973年青海大通上孙家寨出土,属马家窑文化马家窑类型,图像设计于盆内壁,是三组手拉手跳舞的小人,每组有五个人组成,有弯曲流畅的线条将每组隔开,舞者脚下饰以水纹,由一条粗线和三条细线组成,当盛满水至粗线处,则人的图形仿佛在水中起舞,意境极其优美,妙趣横生,充分闪烁着设计的艺术光芒,也反映出我国先民匠心独具的设计的艺术才能。
古代的陶器和装饰图案都体现了设计的绝妙和精美,在美化了人们的生活的同时,也开创了艺术领域的设计形式,记载了古代人民的丰富多彩生活的形式,说明了设计的确和人们的生活有着很密切的联系,设计源于真实的生活,又高于生活的局限,设计的各种形式的存在,也证明了在古代的人们,已经有了一定的艺术设计能力和有着灵性的智慧。
从古代到现代,设计的发展的确是经历了几千年的风雨历程,而且演绎了更多的种类和元素符号,这整个的过程是曲折坎坷的,也是艳丽多彩的,这是设计艺术的进步,也是人类的伟大进步,现在,设计已经在各个方面融入了人们的生活,设计在被人们使用的同时,也给人们带来了很好审美和愉悦,让人们充分的享受到了设计的无限的魅力,随着时代的不断进步和发展,设计更是受到更多的需要和重视,尤其是在当前,在设计领域就有建筑设计、装潢设计、平面设计、工业设计、动画设计等,在每一个领域的设计,都有其本身的艺术深度,而且都有自身的发展空间和艺术魅力所在。
现代是一个信息化的社会,一切艺术及文化的传播都很依赖现代化的媒体和网络,当然,设计在这个范围也是受到了一定的影响,在整个设计范围内,形式美和意图的传达是大的方向指示,例如平面设计和装潢设计是当前运用比较多的,我们的一切生活用品及我们所涉及到的一切,几乎都有设计的痕迹和元素,我们所能目及的一切也几乎都经过艺术家的设计和安排,我们也都在在无形中受到了设计美的感染和熏陶,这是一个设计的氛围,这也是我们所必须的设计美感和审美需要,在设计的整个过程中,设计师是需要勤奋和灵感的,不但要使设计作品在使用和色彩上给人以美感,而且还要考虑到人性化,就是要把科学与艺术美完美的结合起来,使设计真正的能为人们服务,为大众服务;一个好的设计师是要做到把设计推向大众,推向生活的,完善设计艺术,这样就能让人们所能受到艺术美的熏陶,以达到全民素质的全面的提高。
设计已经是我们生活里的必需,是不可或缺的,当我们看到一个好的设计作品时,就会高兴愉悦,就会情绪高涨,有时,也会在内心与作品产生共鸣,这就是你与设计师思想的碰撞和交流,通常,这种碰撞和交流,会给观赏的每一个人带来意外的惊喜和收获,当你看到漂亮的建筑外型就会视觉的审美和惊喜和冲动,看到一款
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