如何获取绘画灵感全解.docx

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如何获取绘画灵感全解

如何获取绘画灵感

（2012-04-2507:

33:

31）

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杂谈

灵感是一种艺术用语。

意思是在艺术的创作构思环节,某一个事物的启发,而产生豁然开朗的心理状态。

其最基本特征包括两方面,一是忘记自我的想象:

是理性思维的暂时退却。

让感性思维和潜意识活跃起来;二是痴狂的想象:

只要遇到外界事物或脑海中回忆和意识闪现的某种意象的启发激发出的想象。

中小学生拥有丰富的天真的想象力,很多优秀的学生作品包含了天马行空的想象和无拘无束的幻想。

这种心理特征,在引导、激发学生的创作灵感上是非常有帮助的。

因此,灵感是美术教育中值得重视的问题。

灵感

一个困惑了多少绘画学习者的词汇。

究竟它是什么？

到目前已经有一个满意的答案，在综合了脑神经学，绘画心理学，以及绘画教育学的诸多知识后，我破解了这个谜团。

虽然目前还不能在本文里说明得很清楚，主要是有些具体的原因。

但是此文可以给学习者带来一些想法和思考。

究竟是灵感？

如何去获得它？

可以毫不夸张地说，一个成熟的艺术家的灵感来源是取之不尽用之不竭的，有时他们的创作灵感多到没有足够的手法和时间来实现。

这和那些仅仅为了一张图画的绘制就心力憔悴的人，简直形成了鲜明的对比。

所以很多学生都常常问我这样一个问题“如何才能拥有那么多的灵感呢？

”

回答这个问题关键是要弄清楚，灵感，到底是什么？

灵感，英文叫做“inspiration”

美国传统词典的解释是：

Stimulationofthemindtoahighleveloffeelingoractivity.

中文翻译为：

鼓舞：

使人的心灵受到刺激而达到更高层次情感和行动的东西

从以上的解释中我们不难看出，任何灵感的产生都需要包含2个要素。

一是你的心灵即“mind”

二是英文中所讲的“stimulation”鼓舞或者刺激。

那么你们现在就需要回答我几个问题。

回答是与不是就OK。

首先第一个问题，是不是我们的心灵“mind”越丰富，那么能够刺激它的触发点也就越多呢？

第二，如果想要这种“stimulation”刺激更丰富，更多样，是否需要去看，去听，去接触更多的事物？

第三，心灵越丰富，刺激越丰富，那么获得灵感的可能性是不是越大！

伟大的灵感是不是更容易产生？

这三个问题的答案，不用想，也知道是肯定的。

而恰恰就是这三个看似简单得近乎无聊的问题，让我们可以完全地了解一个伟大灵感的产生所需要基本条件。

而这些条件又恰恰是可以被我们人为创造出来的。

第一部分：

假如牛顿是狼孩

我们看那些在历史有名的艺术家，会发现他们都又着无比丰富与多愁善感的心灵。

当看到一些在日常人眼中平淡无奇的东西时，他们往往会诞生出完全不同的伟大想法，而这些想法造就了一件又一件在人类的艺术史上精美的杰作。

同样一个从树上掉落的苹果，有人咒骂一句，有人拣起来就吃掉了，却只有一个叫牛顿的人由这个发展出了奠定人类近代物理的“牛顿经典力学”。

这是因为牛顿和那些伟大的艺术家一样都有着一颗伟大的心灵。

但是有人又要说了，这些不都是天生的吗？

我天生就不是牛顿，或者那些伟大的艺术家们，怎么可能具备一个伟大的心灵呢？

那么我们把这个命题换一下，变成“假如牛顿是狼孩”那么结果又会是怎么样呢？

作为狼孩的“牛顿”在生命中也会路过掉落苹果的苹果树，或许也会被那个苹果砸到，但是结果呢？

我不用说，你也能猜到，一定没有什么“经典力学”发生，狼孩牛顿和科学家牛顿的大脑蛋白质构成是完全一样的，生理特征也是一样的，但是为什么一个具备伟大的思想和心灵，一个却什么都没有呢？

答案在于“人类社会的教育和潜移默化的影响，决定着一个伟大心灵的诞生，而不是与生俱来的蛋白质大脑”

从上一个命题，我们不难看出。

没有人类社会的视听信息的刺激，绝对不会有什么伟大的心灵。

只是刺激的方式不同，让心灵产生了不同的结果。

强盗的小孩子一般都不会好到哪里去。

教授的孩子，再怎么也会有点知识文化。

这就是视听环境的力量。

所以回到一个学习艺术的学生来讲。

要想具有一个丰富的充满艺术触发点的心灵，那么必须要寻找一个充满艺术气息的圈子，或者环境多吸收相关的视听信息。

并且要长期，持续地进行。

因为心灵是人类社会长期视听刺激的结果，它不是一个关键点造就的，它的成长需要的是时间。

第二部分：

达芬奇画中国人究竟会怎么样？

看到这个命题，你一定会笑。

达芬奇的年代，他应该对遥远中国的事情一无所知吧。

那怎么可能画得出中国人的绘画题材呢？

那么，既然象达芬奇那样伟大的画家没见过的都没办法画，那么作为很多绘画专业的学生来说就更加不可能了。

在我教学的过程当中，经常遇到这样的情况。

很多学生一遇到创作题目，首先的反映就是对着一张白纸埋头苦思，妄想从一张空白的纸张上获取伟大的灵感。

结果最后什么也画不出来，能画出来的，也是凭借着一知半解的记忆，拼命地回忆一些自己见过的作品和景象，最后以及其不准确的方式的表达在纸上。

以上的情况是大部分初学绘画的学生的通病。

绘画呈像的过程是，眼睛接收一个客观的事物，经过头脑里面一系列复杂的活动，然后再用职业化的表达手法恰当地表达出来。

从这个，我们不难看出。

如果没有眼睛广泛地吸收视觉信息，那么怎么可能有表达呢？

第三部分，灵感其实是一种综合联想。

任何一个经由我们的双手表现出来图象都是经过眼睛看到具体的物体，然后大脑再经过加工（我叫这个过程为综合联想）。

所以如果我们在第一步得到的信息就很少，并且不准确的话，我们的大脑怎么进行加工呢？

可要知道所谓的“创作”不过人自己的一相情愿而已，人不可能凭空创造东西，只能根据已经有的东西或者概念来做“变形”而已。

此图片供参考

当你刚出生的时候会画什么？

当然什么也不会。

为什么呢？

很简单呀，因为你眼睛还没发育完整，什么都没看到，当然什么也不能画。

那么反过来，要得到灵感就是多看啊。

因为只有吸收了各种各样的视觉信息，那么大脑才有素材做处理。

那么我们来看看大脑处理这些素材的方式，这样我们能很容易得到一套训练自己灵感的科学办法。

首先是归类，大脑会为纷繁复杂的素材做最简单的归类，比如：

风景类的信息，人物类的信息等。

分类的目标是为了方便记忆，方便我们查找信息。

然后是标记。

大脑会根据心灵感兴趣的部分，对某些素材做一些标签。

这些素材的作用是告诉你在创作的时候应该会用到什么样的一些素材，预先帮你在大脑里面构成一个模糊的但是方向明确的画面。

最后，当你有一个创作计划在大脑中酝酿的时候，大脑会自动把计划内容，以前有的标签信息，以及新吸收的信息做一个联想性质的分析思考。

那么灵感也就在这个思考中诞生了。

一切伟大灵感的诞生不过如此。

牛顿如果不是长期在思考科学的问题，具有科学的心灵，同时心中标签了不少科学相关的信息，那么当苹果砸到他的时候，他是无论如何也不可能有什么“重力，力学”相关的想法的。

第四部分怎么才能拥有更好，更多的灵感呢。

1.多做心灵的训练

你需要多看书，电影，多思考，体会，学会和人交流沟通，多交朋友，帮助他人。

但是最重要的一点，是为你的人生树立一个正当的使命感。

使命感，不是“我要变富有，我要赚多少钱”等等，而是我要为这个世界改变什么！

“当然，征服世界这样的狂想就不要有了！

呵呵

然后你需要在日常的时候多看和你的创作类型相关的视觉信息。

比如我是做奇幻艺术的，那么肯定要多收集奇幻艺术的作品来看。

这些作品会被归类标签在我的脑袋里面，为指导以后的创作做着充分的准备。

2．坚持创作素材的收集和整理

创作资料资料库一定要大，门类要多（包括电子图片，光盘，影象，图书等），收集要持续不断，艺术创作者自己也大大量地，反复地看，并且领会这些图象的所传达出来的美学含义。

2．把握正确的创作步骤。

在创作的时候，一定不要空想。

要根据你的创作时间，视觉传达目标（你想达到什么样的视觉效果）等要素去收集新的素材和信息。

（当然，这些我们以后会专门做讲解）

话题又回到我自己这里，我自己看过起码100W张以上的作品图片，可以说在这个世界上基本没有我没见过的商业绘画类型。

同时我坚持收集整理自己的创作素材库，从用一张1。

4M的软盘搬运那一张两张的JPG，到现在组织人批量地数十G地收集资料，我花费了6年时间。

我也经常反复整理观看我的资料库，我连续看3天，直到看到有颜色的东西就恶心。

正是在付出了那么多的努力之后，很多与我的艺术创作相关的图片我一眼就能就知道它是的出处是什么。

至少是一个大的方向。

并且在我的资料库里我可以5分钟类就找到一堆类似的图片。

这样的敏锐让我的创作变得十分地快捷。

比如我要画某个类型的作品，我就有一大堆的素材供我去分析，我可以把古今中外的同类作品都摆放到一起来做细致的比较，这样我就能很很容易发现这些作品中的优点或者缺点，哪些地方经过什么程度的改进可以达到更好的效果，最后我的作品会完成成什么样子，你说还有什么困难吗？

以下为网友们对灵感的看法：

我认为灵感就是凭着感觉走。

感觉就是感和觉。

感是指人的感觉器官，也就是人的眼、耳等。

而在美术课中，眼和耳是最重要的。

要想让学生在课堂上找到感觉，就必须让学生在课堂上多观察实物，多看、多听、多想。

只有看得多，想得多，才能感觉多。

觉是指觉悟、悟性。

也就是说教师必须把画画的方法讲明、讲透，刘学生觉悟出方法，找到悟性，才能让学生根据实物作画，这样才能真正凭着感觉走。

绘画灵感生活中无处不在，一切你认为美好的事物或能激起你创作的事儿或物，自然，都可以，有时也可涉入梦境或思维，画画很多时候想象的框架并不能完全不差毫分的付诸于现实的表达，可能画作在创造的过程中于你的思维和手所改变的元素有一部分，如果不是临摹或要求苛刻的印拓我建议任由着你人围的改变也许会出现意想不到的效果，也就是创作。

灵感有时不是贯穿始终的，就我个人而言在创造一半的时候会有另外的元素思维闯入，不见得是干扰。

关于灵感，随处可见，也或许是部电影或歌剧。

自然的美、视觉和音乐往往是灵感的最大来源。

不过如果是初学者，要奠定要基本功，线条很重要，直接影响画作的洒脱，灵活及品质。

定位好自己的风格。

灵感不是生来就有的，靠的是后天的积累。

平时注意观察，用自己的眼光捕捉瞬间的闪光。

另外，请随身带一个速写本，用自己的手快速的收集素材。

速写，它能影响你的现在，然后，沉淀下来，影响你的未来。

我现在搞设计和策划,以前也是学画画的,不过已经扔下好久了,但根自己的经验,灵感这东西不是凭空想出来的,而且往往在你急需灵感时,怎么也不出现.

想要灵感多多就要从日常生活中多多积累,关注一切思索一切,就在你关注一切的时候就经常会有莫名的东西刺激了你的神经,会让你产生创作的冲动,这时不管手头有多重要的事情都要扔下,尽量把你的冲动记录下来开,用速写本也好,用废纸也好,是文字也好,是涂鸦也好,反正就是要让自己以后看到这个草率的记录能够回想起那一刻的冲动,这些冲动往往就是许多创意的来源;

养成冥想的习惯,每天给自己时间独处,因为只有静下心来,才能排除干扰,才能思路清晰,这时可以整理自己的速写和草稿,这样既能重温那一刻的激动,又可以进一步的深入思考（同时还可以磨练个性噢）;

急需灵感却迟迟不来时,不要死死坐着为难自己,要去找灵感:

看书,上网,翻资料,甚至看电影,看电视,看小说,打游戏,或者去街上游荡,反正就是要让脑细胞活跃起来,说不定就会收到意外的启发.

总之,让自己经常处于"信号查找----信号接受----信号处理---信号存储---信号查找"这样一个循环状态,就可以灵感绵绵不绝了,试一下吧.

“灵感”什么是灵感！

！

我认为这只不过是搞设计，艺术创作的一个借口而已！

如果你画不好画，创作不出自己满意的作品就把责任归结为没有灵感，这未免也对自己，对艺术太不负责了吧？

在绘画创作过程中确实需要一些感觉，但着并不是主要的！

！

如果你有扎实的基本功，有勤于思考的习惯，有多样的表现手法，有深厚的艺术积累，有丰富的社会生活阅历，有独特的艺术见解，有足够的理论指导和实践经验。

我想绘画创作时就不会再被没有灵感所困扰！

关于灵感的书：

《在黑暗中绘画》

内容简介

　　《在黑暗中绘画》内容简介：

创造力是我们解决问题的源泉，做出决策的基础，是实现我们的雄心壮志和展现我们智慧的保证。

成功开发创造力的方法是点燃你的灵感之花。

　　贝蒂?

艾德华向我们证实，我们画出的东西可以像我们看到的一样好，一样真实。

只要几个小小的练习，就能改变你的创造力：

画线条，练签名，画情绪，倒着画，画脸，画手，画阴影。

简言之，画出那个连你自己都不认为存在的深藏在你心中的艺术家！

　　贝蒂?

艾德华认为，左脑和右脑的分工导致人们左脑统治日常生活，而绘画就是要让右脑复苏，用一切手段迷惑、欺骗、懈怠左脑，解放右脑的灵感。

　　每个人都有灵光一现的时候，就是所谓的灵感。

如何抓住灵感是本书讲述的重点。

　　书里讲述如何从灵感到创造的过程：

初步灵感、积累、孵化、启发、验证五步。

之后又说了如何通过线条和绘画实现创造。

本书最后作者道出的全书的主旨与核心：

一个人想变得更有创造力，就要进一步发展大脑中与创造性思维密切相关的那部分——大脑的视觉感知。

学习用艺术家的方式看事物是一条通往获取更多创造力的大路。

从多发明创造者在自传和笔记中非常清楚地指出：

视觉性、感知性的过程是最直接提升创造力的路径。

　　书里也提到“天才与练习”的问题——只要努力编辑，目标终能达到。

书比较靠前的位置提了一个阅读能力的例子，老师放羊式教学（其实是基本不教），谁会了就说谁有阅读天才；在后面作者又提出了灵感需要激发，阅读与绘画是孪生兄弟的概念——意思是能读的人，如果努力练习也能画。

也许并没有什么天才，他们背后都是不断刻苦训练的结果。

　　从另一个角度说，本书是一本讲如何绘画的书。

其中有鼓励之情可以从字里行间感觉到。

我自认生活和工作中不是个怯懦的人。

但在绘画方面却即使不敢迈出学习的脚步，也谁是怕人笑话，也许是儿时的挫折不愿意提起，总之一直想画的我小学毕业之后最没拿起来画笔。

客观的说，作者的系列图书帮我迈出了这艰难的一步（其它几本我都有），最近我已经能每周坚持画几个小时了。

虽然仍然自己都看了着不好意思，但总比止步不前要强很多。

在此特别感谢作者！

　　一个作者的书总难免有所重复，本书与作者贝蒂其它作品重复不超过20%，应该在读者能接受的范围之内。

　　贝蒂?

艾德华博士的其它几本书我都有，基本一本里面附张DVD。

里面是她本身亲自讲“如何画画”，做为此领域30年前就成名的人物，她语气平和的娓娓道来亦如书中的文字让我信服。

张索娃的翻译也很到位，好像这个系列的书都是她译的，从文字顺之外也能让读者感受到一份从容。

在当下这个喧嚣的时代实为难得。

　　无论是想拓展下自己的思维、抓住稍纵即逝的灵感，还是想提高一下自己的绘画技能，本书都值得一读。

如何获得灵感与创意

艺术的灵感真如神迹般不可求，梵高很长时期来对艺术思考和实践也并没有做无用功，还是记取了一些有效方法。

平面设计不是纯艺术，它是功利性的，目的明确，因而实现设计的推演是很有可能的。

梵高整理了一些设计心得，找出平面设计中常用好用的37个关键词。

这不能称为设计的方法，只能算是创意的方法，梵高谓之“关键词发散法”。

此法只是影射出创意这股灵气所闪现的瞬间，我们拾取住这些瞬间，亦可缀成一串美丽的珍珠链。

对于凡人的我们，虽不可仰望艺术的回归和绣球，却可用这种简陋的方式拾取些造物手中遗落的灵感。

此时，关键词的多少亦不重要，重要的是学会使用这种关键词的方法。

而创意的源泉是你自身经验的积累和对生活的观察，创意的好坏看你哲学思辨的深度和对外界认知的广度。

这些知识不是梵高所敢说教的。

现在来看“关键词发散法”的使用，首先要知道为什么说是关键词，因为梵高用的是这个公式：

（填充对象）关键词

比如说第一个关键词是：

“颠倒”，那这样的公式可以推导出这样的创意思路：

试着颠倒它-我们把它颠倒-我们被它颠倒-把它的含义颠倒-把它的某部分颠倒-把它的顺序颠倒-把文字颠倒-把事实颠倒，说白了，就是用关键词给我们造句，而关键词的好坏就很重要了。

同时梵高不是指这样得来的点子都是好点子，但这确实是一个很有效的创意方法。

这些简单的造句在脑子里你可以很快地找出许多，而剩下的事就是比较哪一种更合适。

要知道逃避设计中那无中生有的痛苦的渴望已溶入梵高每一个毛孔。

这在梵高已经是很高尚的开始了。

有人说过“设计的过程是想像和直觉的矛盾运动。

”唉，如人饮水，冷热自知，矛盾所带来的脑力上的折磨，使人顿生做设计不如去拉人力车之感。

1．颠倒：

倒过来，可以取消原图像或和原图像并列，可以做成投影或是镜中倒影。

含义颠倒、反义、反叛。

注意运用的范畴有限。

2．缩小：

全局的缩小、局部的缩小、规则的缩小、不规则的缩小。

缩水的衣服。

残缺的感觉，原样并置可以产生对比的效果。

缩小后定义成图案用作背景，原样并置，向一点收缩。

3．更长：

特征强化。

长的更长，短的更短。

变细将变长。

拉长的投影。

艺术就是洁净你所看到的，直接强调表现出你所想表现的主要特征，删除次要的，表现主要矛盾强化主题。

4．闪烁：

电影片头的闪动效果，乱七八糟的效果。

曝光灯亮过，人物变成黑白两色的对比效果，和声音配合。

5．音乐：

设计的核心是传达信息。

定义一个问题，然后用一种给出信息声音的美学方法，创造一个平衡的信息方案，形式和功能之间的结合是我们探索网站设计的起始点。

标志设计强化归属与区别是其根本使命，差异性及固有性，标志事物间不同的意义。

创意构想应该从信息传达入手，从功能需要出发。

依据老庄无为无不为的气质，平面设计亦不会先天拒绝音乐。

一切的艺术间皆有通感。

6．现代感：

不规则、不完整，甚至粗鲁。

使它看上去有现代感。

简洁、机械、平面、直角。

7．重复：

重复可以产生节奏，朝拜者的鼓声产生韵律（变化的重复）。

形状、色彩、概念、意味，皆可重复，但请不要为重复而重复。

重复可以产生好的效果才是我们所追求的。

重复是相同的含义没有变形或是改味的出现、再次出现与再再次出现。

变化的重复则是韵律。

8．变色：

换颜色是一种很平常但是效果很好的伎俩。

有规律地把肤色换成条纹。

局部换、整体换，原物并置。

再通过大小镜像等变化手段，可以产生很和谐又很神奇的效果。

9．立体：

立体也是很常用的一种手段。

拉伸以后的立体效果更为突出。

一般是往外突出，特殊的亦可以反之。

或是让它站起来，或是通过折叠产生立体。

规则与不规则的也可立体。

随机的立体效果如水珠。

10．本能：

从人作为动物的本能角度去思考，前景将更为广阔，激情、运动、性、生存、食物、休息、嬉戏、争夺第一等。

11．对比：

对比是最重要的手段之一。

全部的设计作品都依赖着它吸引人、打动人。

色彩、形状、质感，都可以作为对比的素材。

有意地把相互对立的事物放在一起，甚而可以表现意识形态的对比。

如果有什么不能确定的，变变大小试试?

12．打赌：

打赌是为了吸引注意力。

这里面还有一个时尚的问题：

赌马可以很高尚，而女孩街头打麻将韵味也不错。

13．局部变化：

变更一部分。

超越了缩小或放大的手段，在原物上取一部分变更。

可以采取变色、放大、缩小、立体、合成、重复、随机、颠倒等其他手段。

14．分裂：

这也是很重要的一个关键词。

裂缝或是分裂，都是很醒目的意象。

鸡蛋壳上画上裂纹，人的脸上手上画上裂缝，可以在石膏像“大卫”，或是绘画作品“蒙娜丽莎”、玻璃、眼球、书页、酒杯、文字等元素上应用这个效果。

裂缝的形状也很讲究，都要依据物体结构特点，还包含分开。

如果取反义，溶入这个动作也是很好的意象。

15．情调化：

通过色彩、形状、动作使人产生罗曼谛克的想像或是心跳的回忆。

而在平面设计中，关注这样的时刻倒也是很精彩的。

16．速度：

利用动感模糊所造成的速度感，和利用跟踪摄影造成的速度感都是很好的表现形式。

速度加快所引起的变化是难以预料的，有时会出现非常难忘的意象。

还有直线、圆周线、摩尔运动、击打的速度、燃烧的速度、进化的速度、毁灭的速度、分裂的速度、成长的速度、秒针的速度，只要是变化着的，都可以让它加快。

17．味道：

只有在画面中放上几片香萆、柠檬。

隐喻，间接的表现：

如“踏春归来马蹄香”，“深山藏古寺”等。

18．流行：

平面设计的最佳目的就是要引导流行。

如果不能引导流行，也要制造流行；如果不能制造流行，也要推波助澜，贴近流行。

如果能把握流行，才能最准确最大限度地表现反流行的理念。

19．对称：

对称包括规则的对称、严格意义上的对称、不规则的对称、重心的对称、色彩的对称、形状的对称、指向的对称、文字的对称、镜中的映象等。

视觉效果一般，用得好方见高手功力。

20．取材儿童：

使用儿童的形象，是很无耻的一种行为，商业的狡诈和儿童的率真，放在一起可形成鲜明的反差。

21．绰号：

这也不错。

深刻理解设计对象的特性，取个得体的绰号，观众易于接受。

并因表现出幽默而难忘。

但是要控制使用，用多了就很滑稽。

22．弯曲：

将物体弯曲，特别是长形的物体。

因为弯曲的物体具有视觉张力，值得一用。

但是不能扭曲主题。

23．夸张：

现代广告的通用语言，几乎没有一个不使用夸张功能的。

一开始夸张是有用的，后来用得多了，效果就明显降低了。

但由于现代社会已经把观众的起点吊得很高，你不夸张，实事求是会死得很惨。

平面设计中夸张是常用手法，对某一主要特征充分的表露，故意抹杀次要特征。

想一想放大镜，加点幽默感会有更好的表现。

24．神秘：

神秘的效果有点象挂羊头，洒狗血。

但是它救急。

如果不能确定怎么做，那就弄一些神秘的设计稿，让人似懂非懂。

涮你一把也要让你记住，这是现代设计艺术的一个重要特征。

其实更好的主意请关注梭罗的超现实主义绘画风格，还有那些不朽的宗教绘画、史前的岩画、图腾、壁画等。

25．聚合：

这是典型的平面设计手段。

所谓密不透风，疏可跑马的构图法。

同时可以结合用到重复、分裂、分割、立体、变化、方向、点聚合、排列等以表现疏密的三维的空间分布形态。

26．光滑：

光滑指的是质感。

如果它是光滑的，就加强它，让它更光滑。

也就是抓住特征、强调特征。

同时，在设计的时候要注意关注元素的肌理和质感。

27．箭头指向：

一目了然的直接表述。

在很短的时间内能引起足够注意和强烈的视觉引导。

建议多用。

箭头的形状，可以换成手指、三角形等凡是有大小变化能具指向性的形状皆可。

28．放射：

放射是强烈视觉力量的手段，具有震撼、爆炸和光源光线的效果。

反向，则具有强烈的向心指向。

视觉焦点应向中心集中。

想极尽可能地强调某一物体，那么就万箭穿心式地指向它吧

29．发光：

发出均匀的光和光泽是一个详和的方案，可以采用背光方式。

光源在身后透过一部分形成发射的光柱，或是没有明确的光源，字体呈半透明状，例如苹果机的按钮风格。

表现所有半透明的或是全透明的，用好三光即可：

高光、反光、透光。

30．不可能：

看到不可能的事情人们通常会惊讶。

这是超现实主义绘画。

在很细微的地方可不可以实现这种效果呢?

当然可以，如：

空中楼阁、海市蜃楼、达利的超现绘画、流淌的钟表、毕加索的立体主义、纳兰霍的幻想绘画等。

31．方向：

不是指箭头等的指向，而是物体本身具有的方向感。

比如人脸的朝向、行走的方向、生长的方向、思想的方向。

目的是要把他们有机地组织起来。

32．拼合：

不同物体的拼合、嫁接。

单一物体分裂后的拼合。

33．加深边缘：

加深加粗轮廓、突出形象。

对具象的物体同样可以使用。

这样的效果会很有现代感。

加深边缘有时候是为了从背景中突出。

比如，文字加投影。

或是加黑边。

有时候是为了中和两种对比，在互为补色的色彩对比中，经常用到黑