高中美术鉴赏专题 中西雕塑.docx
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高中美术鉴赏专题中西雕塑
中西雕塑专题
雕塑简而言之,用雕、琢、刻、磨、塑等手段制作出具有实在体积的各种艺术形象,总称为雕塑。
它与建筑、绘画、工艺美术并称为造型艺术。
雕塑一般分圆雕和浮雕两种。
按其尺寸、形制又分为大型雕塑、小型雕塑两大类;按其不同功能则可分为宗教雕塑、陵墓雕塑、纪念碑雕塑、装饰性雕塑、园林雕塑、喷泉雕塑、民间雕塑、架上雕塑等;按其制作材料有泥、木、石、砖、铜、陶、牙、瓷、玉、骨、漆、竹以及其他金属、化工材料雕塑等。
雕塑不论采用哪种材料制作,都有它的造型规律,也有它的局限性。
雕塑是一种可触的空间造型艺术,雕塑的形象本身不存在透视关系,圆雕可以从四面八方去欣赏。
雕塑又可分为室外雕塑和室内雕塑。
因材料能长期保存,并能起到装饰和美化建筑、器皿等作用,故常带有永久性和纪念性。
我国在新石器时代时期,就并存着写实与装饰风格的雕塑,至今犹大量存在。
商周时出现憩静稚拙与写实俏色的玉雕和严峻而神秘的青铜器浮雕,构成以几何纹样为主的装饰风格。
春秋、战国的雕塑、风格多样,并统一在强烈动感和装饰变形之中。
秦代雕塑以静中有动、威仪棣棣的写实风格,代替战乱年代博斗感和装饰风。
汉代雕塑以深刻的内容和鲜明的动感,表现出社会现实的深度。
到南北朝,石窑和寺庙的雕塑,风格和类别趋于繁多。
唐代雕塑,造型丰满优美,气势宏阔,流传久远。
宋代雕塑精于表现现实生活,雕塑技法创新。
清代雕塑则浮丽而繁琐。
雕塑艺术多半通俗易懂,能突破语言、文字、国家及民族的限制,形象地记录科学、文化、经济、政治、军事、风俗等社会生活,具有相当大的艺术价值和历史价值,是研究人类历史的珍贵资料。
中国古代雕塑
中国古代雕塑可以分为陵墓雕塑和宗教雕塑。
陵墓雕塑世界上最宏大的雕塑群------(秦陵兵马俑)
秦俑坑是中国雕塑史上的一颗光彩夺目的明珠。
首先,它用近八千件与真人真马相仿的兵马俑来再现历史,就给人以压倒一切,气吞山河的心灵震撼与艺术美感。
在雕塑技艺上,秦俑的形象逼真生动,比例匀称准确。
从身份上看,陶俑分为将军俑、军吏俑,武士俑等几个等级。
等级与职拿不同,其服饰冠带、神态身姿也不相同。
从面部神情看,千人千面,互不雷同。
既有老练深沉,久经沙场的中年将士,也有憨厚质朴、满脸稚气的翩翩少年,每人都具有鲜明的个性特征。
秦俑的雕塑风格具有很强的写实性。
在进行合理的艺术夸张概括时,能严格地忠实于现实生活,做到.细节上的真实。
如陶俑的铠甲,刻划的一丝不苟,丝毫不差。
就连某些陶俑脚上所穿的布鞋,鞋底上的针脚线也是疏密有致,符合生活实际,从而给人以栩栩如生,呼之欲活的感受。
这些都表明,远在中国秦代时,雕塑艺术就达到高度发展的水平。
霍去病墓前的石刻
1、《马踏匈奴》(高168厘米,花岗岩)历来被公认为是霍墓石刻群的代表作。
作品表现了一匹昂首挺立的战马,安详而不失警惕,端庄肃穆中蕴含着力量。
马腿粗壮结实,四足踩踏着手持弓箭的匈奴首领。
挣扎的匈奴人露出绝望的神色,形容委琐,面目可憎。
马腿如四根巨柱,与马身浑然一体,显得坚实稳固。
作者运用了浮雕与线刻相结合的手法,造型古劲朴拙,风格沉着浑厚,尤其是象征手法的运用使之极具艺术感染力。
马踏飞燕又名《马超龙雀》、《铜奔马》,为东汉青铜器,1969年于甘肃省武威雷台墓.东汉时期镇守张掖的军事长官张某及其妻合葬墓中出土,现藏甘肃省博物馆.奔马身高34.5厘米,身长45厘米,宽13厘米。
形象矫健俊美,别具风姿。
马昂首嘶鸣,躯干壮实而四肢修长,腿蹄轻捷,三足腾空、飞驰向前,一足踏飞燕着地。
一匹躯体庞大的马踏在一只正疾驰的小燕子背上,小燕子吃惊地回过头来观望,表现了骏马凌空飞腾、奔跑疾速的雄姿。
其
大胆的构思,浪漫的手法,给人以惊心动魄之感,令人叫绝。
艺术家巧妙地用闪电般的刹那将一只凌云飞驰、骁勇矫健的天马表现得淋漓尽致,体现出汉代奋发向上、豪迈进取的精神。
该作品不仅构思巧妙,而且工艺十分精湛;不仅重在传神,而且造型写实。
汉代雕塑《击鼓说唱佣》,在四川成都附近出土的一件说唱俑,表情极为生动,刻画出说书艺人的情感瞬间和他的典型特征,并配合以夸张地肢体动作,加强了人物的神态动势。
中国的宗教雕塑和印度的佛教雕塑
宗教雕塑,是以宗教教义、故事、人物、传说为题材的雕塑。
中国古代宗教雕塑以佛教雕塑艺术成就最高。
现存佛教雕塑以石窟寺雕塑为代表,其中敦煌石窟、麦积山石窟、云冈石窟、龙门石窟享誉世界。
古代印度雕塑在世界雕塑史上也占有重要的地位,其与宗教的关系极为密切。
印度雕塑中佛教雕塑独树一帜,公元1——5世纪的犍陀罗佛像吸收、融合了希腊、罗马和印度早期雕塑的表现的手法,创造出既具有高度写实性,又体现东方唯美主义特征的作品,对中国及亚洲其他国家的佛教雕塑艺术产生了深远的影响。
问题:
中国的宗教雕塑和印度的佛教雕塑具有什么异同点?
答:
。
古希腊的雕塑
希腊雕刻的题材大部分取自神话或体育竞技方面,希腊爱琴海有许多小岛屿,其中罗斯岛盛产大理石,为雕刻的发展与普及提供了最好的材料。
希腊人爱好体育,运动员毫不介意地脱掉衣服参加竞赛。
在明朗的阳光照耀下,运动员健美的身体使观众赞美。
因此对男体和女体美的欣赏爱好便自然在希腊人心中培养起来。
米隆《掷铁饼者》(大理石,罗马复制品,公元前5世纪,罗马国立博物馆藏)
米隆是公元前5世纪上半期古希腊著名的雕刻家。
他善于运用写实手法创造性地刻画人物在剧烈运动中的动态。
《掷铁饼者》便是他在这方面最重要的代表作。
米隆在这一作品中创造了一个出色的充满活力的运动员形象。
尤见作者匠心的是,他出色地概括了掷铁饼这一运动的整个连续过程,表现了一种动态的美。
掷铁饼者张开的双臂像拉满的弓,使人产生一种发射的联想。
铁饼和人头的两个圆形,左右呼应;紧贴地面的右腿如同一个轴心,使曲折的身体保持稳定。
整个雕像给人的印象是:
健美、庄重、和谐,洋溢着青春的活力。
运动员之所以呈现出裸体的形态,是由古希腊人的社会风俗所决定的。
因为,古希腊人在从事体育运动和宗教性的文艺演出活动时,男子往往赤身裸体。
他们认为完美健康的人体乃是人的骄傲,是神性的体现。
这种社会风俗反过来也促进了希腊人体雕像的发展,并且形成了西方美术中崇尚人体美的艺术传统。
波利克利托斯《持矛者》(大理石,罗马复制品,公元前5世纪后半期)
波利克利托斯是公元前5世纪古希腊最著名的雕塑家之一,擅长表现青年运动员的形象,所用材料都是青铜。
据说他还写了一本论述人体比例的论文:
《规则》。
可惜他的原作均已不存,只留下《持矛者》和《束发带的青年》等几件罗马时期复制品。
其中《持矛者》尤为重要。
它塑造了一个体格健壮、充满朝气的青年战士的形象,体现了古希腊人在希波战争胜利后对英勇保卫国家的战士们的崇敬心情。
同时,它也是作者长期研究人体比例的验证,即他认为最理想的人体比例,是头与全身的比例为7∶1。
按照这样的比例塑造的人体,显得比较粗壮,但它是以均衡自然的体态和严格的比例表现出来的,符合当时希腊人审美趣味的标准的人体美。
以至当时的雕刻家们就把这座雕像称作“规则”,即把它看作是人体美的规则和典范。
《米洛斯的阿芙罗狄特》(希腊)(大理石雕刻,高202厘米,约作于公元前150年,巴黎卢浮宫藏)
古希腊雕刻的美名,莫过于这座《米洛斯的阿芙罗狄特》。
这一作品因为1820年发现于爱琴海中的米洛斯岛而得名。
它是用两块大理石合雕而成的,接缝处在裸露的躯干与衣服的交界处。
端庄的身体,丰腴的肌肤,典雅的脸庞,娟美的笑容,微微扭转的站势,这一切构成一个十分和谐而优美的姿态。
尽管雕像的双臂残缺,但由于年代久远,人们欣赏的心理已产生积淀,断臂反而诱发出人们美好的想象,从而增强了人们的欣赏趣味,使人们愈加觉得它非同凡响。
从艺术风格上看,它融合了希腊雕刻中的崇高与优美的两种风格。
它那阔大而简洁的手法,使人联想起菲狄亚斯在帕特农神庙上创造的庄严崇高的雕刻;它那端庄优美的身姿和容貌,又使人联想起普拉克西特列斯塑造的优美而抒情的女性人体雕刻。
无怪乎19世纪法国的雕塑大师罗丹要称这一雕像为“古代的神品”
《萨莫德拉克的胜利女神》,大理石雕像,高328厘米,约创作于公元前200年,现收藏于法国巴黎卢浮宫。
这尊雕像于1863年发现于爱琴海北部的萨莫色雷斯岛,最早只是碎块,后经多年修复才得以重新站立起来,但仍然缺头少臂。
雕像的作者难以考证,创作年代至今也没有最后定论,但大多数意见认为是创作于公元前200年左右,是小亚细亚的统治者德梅特里奥斯一世为纪念他在海战中打败托勒密王国的舰队而创作的,最早矗立在萨莫德拉克岛海边的悬崖上,面对着茫茫大海。
虽然胜利女神是希腊雕塑中的常见题材,但这一尊却与众不同。
雕像的构思十分新颖,底座被设计成战船的船头,胜利女神犹如从天而降,在船头引导着舰队乘风破浪冲向前方,既表现了海战的背景,又传达了胜利的主题。
虽然女神的头和手臂都已丢失,但仍被认为是古希腊雕塑家们高度艺术水平的杰作,不论从哪个角度,观赏者都能看到和感受到胜利女神展翅欲飞的雄姿。
她上身略向前倾,那健壮丰腴、姿态优美的身躯,高高飞扬的雄健而硕大的羽翼,都充分体现出了胜利者的雄姿和欢乎凯旋的激情。
海风似乎正从她的正面吹过来,薄薄的衣衫隐隐显露出女神那丰满而富有弹性的身躯,衣裙的质感和衣褶纹路的雕刻令人叹为观止。
作品的构图也十分成功,向后飘扬的衣角和展开的双翅构成了极其流畅的线条,腿和双翼的波浪线则构成一个钝角三角形,加强了前进的态势。
艺术家在作品中表现出了极高的艺术技巧和表现力,他仿佛赋予了冰冷的石头以生命般勃勃的活力,令后人在面对这部高度现实主义和浪漫主义结合的杰作时不禁发出由衷的慨叹。
这尊雕像是如此地引人注目,以至于收藏者巴黎卢浮宫将它与雕塑《米洛斯的阿芙洛蒂特》和达·芬奇的名画《蒙娜丽莎》并称为卢浮宫的“三宝”。
《拉奥孔》,大理石群雕,高约184厘米,阿格桑德罗斯等创作于约公元前一世纪,现收藏于罗马梵帝冈美术馆。
雕像中,拉奥孔位于中间,神情处于极度的恐怖和痛苦之中,正在极力想使自己和他的孩子从两条蛇的缠绕中挣脱出来。
他抓住了一条蛇,但同时臀部被咬住了;他左侧的长子似乎还没有受伤,但被惊呆了,正在奋力想把腿从蛇的缠绕中挣脱出来;父亲右侧的次子已被蛇紧紧缠住,绝望地高高举起他的右臂。
那是三个由于苦痛而扭曲的身体,所有的肌肉运动都已达到了极限,甚至到了痉挛的地步,表达出在痛苦和反抗状态下的力量和极度的紧张,让人感觉到似乎痛苦流经了所有的肌肉、神经和血管,紧张而惨烈的气氛弥漫着整个作品。
雕刻家在作品的构图上有着精心的安排,作品呈金字塔型,稳定而富于变化,三个人物的动作、姿态和表情相互呼应,层次分明,充分体现了扭曲和美的协调,显示了当时的艺术家们非凡的构图想象力。
作品中人物刻划非常逼真,表现了雕塑家对人体解剖学的精通和对自然的精确观察,以及纯熟的艺术表现力和雕塑技巧。
这是一组忠实地再现自然并善于进行美的加工的典范之作,被誉为是古希腊最著名、最经典的雕塑杰作之一。
文艺复兴时期的欧洲雕塑
西方文艺复兴时期,意大利的文艺复兴是一次著名的历史运动,始于1401年,是文化艺术的一次再生。
整个西方文化的知识面貌产生了具大的变化。
它不仅恢复了古典时期古典美术的形式和题材中的关于人文主义文化的含义,同时强调以科学的态度观察客观事物,这种艺术作品突出地表现了艺术家对透视学和解剖学的深刻认识。
个性的解放和世俗文化是文艺复兴时期的两大特点。
这一时期产生了许多杰出的艺术家,其中多那太罗和米开朗基罗是雕塑的杰出代表。
被称为“文艺复兴三杰”之一的米开朗基罗的艺术成就不仅仅表现在雕塑上,还深入到美术的各个领域。
意大利的雕塑取得了另人瞩目的成就,多纳太罗、韦罗基奥、米开朗基罗等雕塑家的雕塑最为有名。
大卫,在《圣经旧约》中是以色列的一个少年牧童,当非利士人侵犯以色列时,大卫到前线给哥哥们送饭。
敌方的巨人哥利亚凶悍异常,以色列人正无法抵挡时,少年大卫用甩石机杀死哥利亚,挽救了整个民族。
过去的艺术家们多半表现大卫割下敌人的巨头,已经取得胜利的情景。
米开朗基罗表现的却是:
大卫左手上举,握住搭在肩上的"甩石带",右手下垂,似将握拳。
头部微俯,怒目裂眦地直视前方,处于迎接战斗的状态。
从艺术效果来看,这种矛盾高潮到来之前的状态更富有吸引力。
从思想效果上说,雕像充分体现了一种顽强、坚定和正义的精神气质。
米开朗基罗把大卫作为保卫共和制城市的一名青年战士的典型来塑造,这反映了他的政治思想。
在艺术技巧上,艺术家以解剖学为基础,对人体结构和全身的筋肉都表现得极为合理极为自然,同时对手的关节和大腿加上夸张加长,手和脚稍大,这对一个少年来说是正常的。
面部表情也非常逼真,他双眉紧锁,目光炯炯,全神贯注,显示出压倒一切敌人的威武姿态。
这件作品成为后世艺术家学习雕塑的楷模,是雕塑史上最杰出的作品之一。
摩西是圣经旧约全书中的以色列人的首领,他曾带领几十万以色列男女老幼走出埃及,在红海彼岸的西奈半岛过上安定的生活。
在西奈山上,摩西还为以色列人订立了十项律法,名为《摩西十诫》;但有一个名为亚伦的人触犯了《十诫》,鼓动人们膜拜异教偶像;摩西闻讯大怒,并将刻有十诫的木板摔碎。
米开朗基罗的这尊雕像表现的就是摩西愤怒的瞬间。
雕像中的摩西是一位体格强健的老者,头上长有象征“神”的一对犄角,身穿薄薄的无袖上衣,红肿的衣褶搭在两膝间。
他双臂肌肉发达,手上青筋暴露,仿佛积蓄着无穷的力量。
他一手抚弄着长及腰间的胡须,一手扶着刻有《十诫》的法版,头强烈地向左侧扭动着,威严而冷峻的双眼圆睁着,怒目而视,神情紧张,脸上充满了警觉的敏感。
虽然是在坐着,但整个身体的姿势呈现出强烈的动感,左脚向后伸出,好象马上要站起来。
虽然怒气冲天,但作为一个以色列人的精神领袖,他又必须尽力克制自己的情绪,所以表现出一种异常复杂的心理状态。
他是一个悲剧性英雄人物的典型形象,仿佛大自然最本质力量的化身,具有震撼人心的力量,其中包含着艺术家对祖国命运的高度关注,和对人的尊严的无上崇敬,是作者人文主义思想的结晶之作,也被西方艺术评论家认为是米开朗基罗最成功的雕像之一。
17—19世纪的欧洲雕塑
西方雕塑经历了文艺复兴时期的繁荣之后,继续得到了发展,各个时期产生了具有时代风格的优秀雕塑作品,雕塑的题材得到拓展,形式更加多样化。
贝尼尼、乌东、吕德、罗丹等雕塑大师为西方雕塑艺术的丰富和发展作出了不朽的贡献。
巴罗克和罗可可时期
十七八世纪,受罗马的影响产生了巴罗克和罗可可风格的雕塑。
巴罗克雕塑很少是单件作品或单独存在,它的设计以四周的建筑为背景,创造出光影、空气、环境等与雕塑紧密相连的氛围。
才华横溢的吉安·洛仑索·贝尔尼尼是雕塑家、建筑师、画家、舞台设计师和作家。
这位天才是巴罗克的杰出代表,他把高超的技术和艺术完美地结合在一起。
无论在选题方向,还是在制作方面都表现出惊人的艺术洞察力和精湛的技巧。
18世纪一些英法雕塑家以一种忠于客观对象的表现手法创造了新型的,通常是肖像的作品,这种风格被称为罗可可。
如让·安托万·乌东的《伏尔泰》。
乌东是法国卓越的雕塑大师。
他生活在充满伟大历史事件的年代中:
旧政权在法国告终、美国革命、法国革命、拿破仑的兴衰……它们影响着艺术的发展,提倡社会改革,尊重科学的精神都对人的理性作用产生了极大的影响。
伏尔泰,是法国18世纪伟大的哲学家、戏剧家,启蒙运动的精神象征。
他一生反对封建专制制度和天主教会的腐朽黑暗,宣传资产阶级的民主思想,为法国大革命作了精神上的准备,他是法国文化泰斗、著作等身,他文思敏捷,笔锋犀利,以机智著称。
伏尔泰被表现为身穿古代宽敞的长袍,身躯前倾,面带嘲讽微笑的形象。
宽松的长袍几乎遮盖了年逾80的伏尔泰的孱弱身躯,其流畅概括的衣纹又显示出稳重的造型感,使人物产生一种庄严高尚的气质,俨然是一位古代先哲。
这位思想家虽年岁已高,但颜容仍然焕发着锐气逼人的智慧和魄力,特别是眼部的雕刻,妙不可言地表现了眼睛的透明晶亮和由此流露出的人物内心的无穷奥秘。
19世纪的雕塑艺术
19世纪,在欧洲的许多城市广场和公共建筑上安置了一大批显示出卓越技艺的纪念碑和纪念性雕塑。
法国著名雕塑家让·巴普希斯特·卡尔普以强烈的浪漫主义精神创作了《舞蹈》。
整个作品充满了生气,节奏流畅优美。
弗朗索瓦·吕德的《凯旋门》浮雕充满了激情和民族自豪感。
梅达尔村·罗索把印象派绘画理论用于雕塑,从而把绘画和雕塑融合在一起。
他的作品表现了在色光的照耀下雕塑最闪动最精彩的部分,而让其它部分减弱,表现了丰富的光影和人物性格变化。
谈到19世纪的雕塑,不能不提到罗丹。
罗丹的艺术天才和独特个性,使他的作品从墨守成规中走了出来。
作为一位天才雕塑家,罗丹的秘诀在于善于用雕像的动态和姿势表达内心的情感和内涵,并注入了令人无法忘怀的现实主义和人文主义思想。
罗丹《加莱义民》
《加莱义民》,青铜,208.5×239×190.5厘米,法国雕塑家罗丹创作于1884-1886年,现存法国加莱市。
1884年,当罗丹正埋头于《地狱之门》的创作时,加莱市当局邀请他制作一座忠魂碑。
义民赴难这一事件,源出于法国的历史年鉴:
14世纪百年战争时期,英国军队即将攻陷法国的加莱市,加莱市被英军围困将近两年,市民的生命危在旦夕。
经过双方的谈判,英王爱德华三世提出残酷的条件:
加莱市必须选出六个高贵的市民任他们处死,并规定这六个人出城时要光头、赤足、锁颈,把城门钥匙拿在手里,才可保全城市。
这是法国人民永难忘怀的历史悲剧。
加莱市本要求罗丹制作义民中的一个,但罗丹了解到历史后,答应只收一个雕像的报酬而塑造六个雕像。
《加莱义民》分为两组,前边三个一组,后边三个一组,他们身材相似,站立在一起。
中间一个头发稍长,眼睛向下凝视的,是最年长,最有声望的欧斯达治,他迈着沉着的步伐向前走去,不看四周,也不迟疑和恐惧,他那刚毅的神情,显示了他内心的强烈悲愤与牺牲的决心。
由于他的坚强,鼓动着其余的人。
最右边站立的一个稍为年轻的人,皱起的双眉和紧抿的嘴流露着悲愤,两手紧握着城门钥匙,他茫然望着前方,似乎感到命运的不公平,在心中无声地抗议着。
右边第三个义民,死亡使他恐怖,他用双手遮住眼睛,似乎想驱散恶梦,但仍不能避开这个悲剧的命运。
左边第二个,内心表现出无比的愤怒,那举手向天的手势,不是祈祷,而是对上帝未能主持正义的谴责。
他目光向下凝视,半开着的口似乎要说着什么。
他身边的一个义民,年纪较轻,他似乎被迸发出的爱国热情所冲动,但由于想到转瞬间将离开人世,不免引起生离死别的悲愤情感,他蹙起眉头,摊开双手,表示无可奈何的神态。
在他们身后的一个义民,两手抱头,陷入无比的痛苦之中。
虽然后面的三个义民没有前面的那么坚定勇敢,但他们仍然为了全市人民作出自我牺牲,这种壮举同样值得尊敬。
群像富有戏剧性地被排列在一块象地面一般的低台座上。
这六个义民的造型各自独立,然而其动势又相互联系着。
组雕是一个整体,是一种充满着可歌可泣的义举形象的整体。
罗丹以彻底逼近真实和深入探索的精神,尖锐的心理刻画和强烈的性格表现在震撼着人民的心。
这件作品不论其结构,和就其对纪念性形象的理解,以及对英雄人文的阐述,都具有革新的意义,显示了罗丹艺术的辉煌不凡。
罗丹《思想者》
青铜,198×129.5×134厘米,法国雕塑家奥古斯迪·罗丹创作于1880-1900年,现收藏于巴黎罗丹美术馆。
雕像《思想者》,塑造了一个强有力的劳动男子。
这个巨人弯着腰,屈着膝,右手托着下颌,默视下面发生的悲剧。
他那深沉的目光以及拳头触及嘴唇的姿态,表现出一种极度痛苦的心情。
他渴望沉入“绝对”的冥想,努力把那强壮的身体抽缩、弯压成一团。
他的肌肉非常紧张,不但在全神贯注地思考,而且沉浸在苦恼之中。
他注视着下面所演的悲剧,他同情、爱惜人类,因而不能对那些犯罪的人下最后的判决,所以他怀着极其矛盾的心情,在那深刻的沉思中,体现了伟大诗人但丁内心的苦闷。
这种苦闷的内心情感,通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理,生动地表现出来,例如那突出的前额和眉弓,使双目凹陷,隐没在暗影之中,曾强了苦闷沉思的表情,有如那紧紧收屈的小腿肌腱和痉挛般弯曲的脚趾,有力地传达了这种痛苦的情感。
这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。
法国雕塑家吕德的作品《马赛曲》,石制雕像法国雕塑家吕德1836年完成法国巴黎。
《马赛曲》是1792年,奥国军队武装干涉法国革命时,马赛人民威武雄壮地开赴巴黎战斗时所唱的爱国歌曲。
法兰西共和国建立以后,立即被决定用作法国国歌。
吕德借用这一曲名作为浮雕的题名,无疑是要在这座雄伟的凯旋门建筑物上宣传革命,宣传法兰西人民的爱国主义思想,让这一尊浮雕成为象征人民民主思想的纪念碑。
浮雕《马赛曲》分为两个部分:
上部是一位象征自由、正义、胜利的自由女神,她右手持剑,左手高举,在号召人民向她指引的方向冲去。
她那张开的羽翼,飞舞飘动的衣裙,和召唤性的内在激情,表现出急速的运动和奔放的革命热情。
两腿大步向前迈进,更加强了浮雕形象的前进感。
女神占据整个浮雕的上半部,正从人们头顶上疾驰而过。
下半部是一群志愿军战士,在女神的热情号召下蜂拥前进。
其中心人物是一个有着大胡子的战士,他带领自己年轻的儿子一起参加战斗,少年依傍着父亲,走得更加坚定有力。
和这个跃跃欲试的激动少年相对应的,是走在其后的沉着刚强的老人,他仿佛多次为自由而战,今天为了祖国又从容奔赴疆场。
行列的最前面,号手正在吹响进军号,其余人物有持盾牌和宝剑的战士,有弯腰系结兵器的弓箭手,这些细节预示着战斗即将开始。
所有这些人物被组成一个整体,显示出一种剑拔弩张的声势。
在这件不朽的作品中,雕塑家特别突出地表现了具有革命爱国主义精神的法国人民的特征。
雕刻家在这座高浮雕的处理手法上也是巧妙的,他运用了联想和照应的处理手法,通过一面向前迈进,一面伸手向后召唤的自由女神与蓄髯男子的动势,人们自然地会感觉到跟随在他们身后的汹涌澎湃的进军人流,而不是把这种革命热潮局限在少数人身上。
由于雕刻家运用照应的手法把人群分为上下两层,女神向前飞跃的形象加强了人群的动势,下面人群中勇敢坚定的英雄形象则回答着女神的热情呼唤,使人感到他们的真实性。
艺术家在这里广泛运用了浪漫主义的象征手法,显示了人民气势磅礴的反抗力量。
为了保卫祖国,这股战斗的洪流将从墙上冲出,给人以巨大的感染力
《阿波罗和达芙妮》,大理石雕像,作者为乔凡尼·洛伦茨·贝尼尼,作品创作于1622--1624年,现收藏于意大利罗马的博格斯美术馆。
该作品取材于希腊神话,描绘的是太阳神阿波罗向河神女儿达芙妮求爱的故事。
爱神丘比特为了向阿波罗复仇,将一支使人陷入爱情漩涡的金箭射向了他,使阿波罗疯狂地爱上了达芙妮;同时,又将一支使人拒绝爱情的铅箭射向达芙妮,使姑娘对阿波罗冷若冰霜。
当达芙妮回身看到阿波罗在追她时,急忙向父亲呼救。
河神听到了女儿的声音,在阿波罗即将追上她时,将她变成了一棵月桂树。
雕像表现了阿波罗的手触到达芙妮身体时的一瞬间。
两人都处在乘风奔跑的运动中,身体轻盈、优美。
达芙妮的身体已开始变成月桂树,行走如飞的腿幻化为树干植入大地,飘动的头发和伸展的手指缝中长出了树叶,即使是她最柔软的双乳也覆盖上了一层薄薄的树皮。
但达芙妮的整个身体仍具有凌空欲飞的姿态,手臂与身体形成了优美的S形。
她侧着头,目光由惊恐变为麻木,具有使人怜悯的感。
阿波罗眼睁睁地看到达芙妮变成了月桂树,神情由惊讶转为悲伤,却无力挽回。
他的一只手仍然放在达芙妮的身体上,另一只手则向斜下方伸展,同达芙妮的手臂形成一条直线,使整个雕像有一种动荡的感觉,充满了表现力。
贝尼尼的这件作品是摹仿希腊后期的雕塑风格而创作的,戏剧性的情节使雕像深入人心。
整个作品的姿态更是无懈可击,无论从那个角度看,两个人物都如同舞蹈般的优美。
这件作品是贝尼尼为当时最有权势的一位红衣主教所做的,问世后立即轰动了整个罗马,所有见过它的人无不为之而感动。
古代埃及的雕塑
埃及的雕刻艺术既具有现实主义的特征,又具有强烈的宗教色彩,表达了埃及人对永恒的追求。
《拉蔌荷特普及妻诺佛列特像》
拉蔌荷特普是古埃及第四王朝的王子,他和妻子诺佛列特的坐像集中体现了埃及王族的雕像规则:
人物正襟危坐,双腿并齐,男子右手横陈胸前,左手
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