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从舞剧《天鹅湖》的不同版本及改编中探索经典舞剧的传承和创新
从舞剧《天鹅湖》的不同版本及改编中探索经典舞剧的传承和创新
摘要
一部芭蕾史,上下五百年。
在这漫长的历史中,《天鹅湖》是自15世纪文艺复兴以来芭蕾艺术的集大成者。
同时,它也是当今世界上改编版本最多、演出场次最多、观众人数最多、传播范围最广的一部芭蕾舞剧。
《天鹅湖》因其如泣如诉的爱情童话、诗情画意的舞蹈段落、沁人心脾的交响音乐、圣洁典雅的天鹅形象,代表着古典芭蕾的最高成就。
不过,这部芭蕾经典来之不易:
1877年在莫斯科大剧院,由奥地利芭蕾大师文策尔·莱辛格尔编导的第一个版本曾首战失利,使得《天鹅湖》尘封了近18年。
1895年在圣彼得保的玛林斯基剧院,素有“古典芭蕾之父”美誉的法国大师马里于斯·佩蒂帕和他的俄国弟子列夫·伊万诺夫携手合作,终于力挽狂澜,成功地推出了《天鹅湖》,并引起舞蹈界内外的一致好评,从而奠定了俄罗斯芭蕾在19世纪后半叶世界芭蕾发展史上的核心地位。
此后,《天鹅湖》在舞台上被确立下来,成为迄今流传的各种版本的奠基之作。
该文力求通过赏析不同版本的《天鹅湖》,谈经典舞剧的传承与创新的意义。
关键词:
经典;芭蕾舞剧;《天鹅湖》;传承;创新
引言
《天鹅湖》这部扛鼎巨作流传颇广:
世界各国芭蕾舞团几乎全部上演过它,而且均完整地保留了1895年版本的二、四幕。
在中国,随着经济的发展,芭蕾这种西方的贵族艺术正慢慢扎下根来。
1995年以来“芭蕾热”在北京、上海、广州等大城市持续升温,仅在北京一座城市里,平均每年就有100场的芭蕾演出,其中80%以上均是《天鹅湖》。
《天鹅湖》以其独特的艺术魅力征服了无数的观众,逐步得到各阶层人士的认同和青睐,并获得空前的市场。
随着时代潮流的冲击,西方芭蕾舞剧出现了一个大趋势,就是用现代人的思维方式看待古典、经典和传统,《天鹅湖》也遇到了这一问题。
不同的编导从各自独特的视角,对柴氏的这一音乐作品有着截然不同的理解,他们在回味“经典”的同时,将社会中各式各样的因素融入进去,排演出完全不同的各式版本的作品,这些作品一次又一次地颠覆了人们的传统观念,在人们心中掀起了阵阵波澜,让人不禁发出无限的惊叹!
一不同版本《天鹅湖》赏析
(一)彼季帕和伊凡诺夫传统版的芭蕾舞剧《天鹅湖》
传统版《天鹅湖》以其纯真的故事、洁白的舞蹈、白色的天鹅裙,更有柴科夫斯基那感人肺腑的音乐,体现了古典芭蕾的经典性,树立了其经典的规范性,成为所有古典芭蕾舞剧中最为家喻户晓的剧目。
它讲述的是美丽的公主奥杰塔和王子齐格弗里德,为了爱情不顾一切与魔王殊死搏斗,最终,纯真的爱情战胜了邪恶势力,他们迎着晨曦共庆新生的故事。
(二)马修·伯耐男子版的芭蕾舞剧《天鹅湖》
男子版《天鹅湖》讲述的仍然是天鹅湖畔的动人故事,仍然有柴科夫斯基戏剧性的辉煌音乐经典,仍然有王子有天鹅,仍然有对爱情的向往和追求,仍然有善与恶的斗争。
不过,这里却没有善良的天鹅公主,也没有纯静的天鹅少女。
这里有的只是身着羽毛短裤并裸露着上身的强悍、凶猛的男性天鹅。
他们的外型酷似神话中长着毛皮的、半人半兽的森林之神,充满野性与魅力。
这是一部颇具时代感的佳作,舞剧除了沿用原音乐外,其编舞手法的独特性、服饰的现代性和舞美设计的新颖性,特别是采用“男性”天鹅舞者的创新性,都与传统版的《天鹅湖》截然不同,给人耳目一新的感觉。
(三)托卡黛罗芭蕾舞团搞笑版《天鹅湖》
美国纽约托卡黛罗芭蕾舞团全部由男演员组成,优秀的男演员们身着飘逸的芭蕾舞裙,以高超的技巧在足尖上起舞,扮演天鹅、仙女、公主、王子等,以喜剧形式演出经典芭蕾剧目《天鹅湖》,表演幽默调侃而不乏对芭蕾的敬意,给人乐不可支的艺术享受。
和以往人们印象中唯美、高贵的传统芭蕾舞中俊男靓女式搭配的《天鹅湖》不同,这回观众看到的王子、公主、仙女和天鹅则是一水儿的男子汉。
不但如此,他们还极具滑稽搞笑之能事,表演中带有明显美国式的幽默。
这种形式的舞剧,在感观上让人眼前一亮,给观众带来了欢乐,但它能否保证经久不衰还是个问题。
(四)中国杂技版《天鹅湖》
近几年我国创作的震撼世界的杂技版《天鹅湖》,它是一部集观赏性、经典性、戏剧性和文化内涵于一体的杂技芭蕾舞剧。
全剧仍以柴科夫斯基原创音乐贯穿始终,巧妙地将中国杂技经典元素完美地糅合于剧情中,呈现给观众一个意想不到的《天鹅湖》。
它以经典芭蕾舞剧《天鹅湖》为蓝本,重新编织了一个中西结合的现代版“天鹅”的故事,更令人想不到的是中国的紫禁城成了原作品中王子寻找公主的场景。
与传统版《天鹅湖》相比,杂技版《天鹅湖》以创新见长,编导独树一帜的用中国的杂技艺术来演绎外国的经典剧目。
以高雅特技,不断出新、出奇,制造奇险和动作悬念,创造了一个具有划时代意义的杂技神奇、芭蕾神奇和人类神奇。
如此幽默和夸张的方式简直是对传统芭蕾的挑战,让观众瞠目结舌。
尤其是“高空摇杆”、“高跷飞人”、“溜冰群舞”、“足尖钢板桥”等富有新意的杂技项目与柴氏的经典音乐的完美融合,表现了中国杂技技巧丰富而强大的本体元素和充满东方神奇魅力的特征。
二《天鹅湖》的剧本创作、音乐创作的革新
(一)文学剧本的继承和变革
关于《天鹅湖》文学剧本的取材,专家学者们众说纷纭:
有人认为它受格林童话《姚林达和姚林格尔》的影响,有人认为它受奥维德《变形记》的影响,有人则认为它受海涅文学作品的影响等等。
但可以肯定的是,它一定与德国民间故事著名搜藏家、作家穆捷乌斯的童话《天鹅池》有着千丝万缕的联系。
因为《天鹅湖》的故事就发生在德国,某些情节与《天鹅池》极其相近,特别是剧中一些人物的名字与《天鹅池》中的完全相同。
1.文学底蕴基础
穆捷乌斯《天鹅池》的故事比较简单。
在湖边住着一位隐士叫贝诺,他向青年骑士弗里德贝特讲述了自己年轻时候的一段经历。
他因爱上凶残岛王的亲戚卓娅而触怒了岛王,然后被逐出岛外,来到湖边栖身。
后来,卓娅曾几次化为天鹅,飞到湖边沐浴。
贝诺每次想上前拦住她,却都无功而返。
听完这段故事,弗里德贝特便悄悄地来到湖边,设法偷得飞来天鹅的羽毛衣裳。
她是卓娅的女儿科里斯托公主,因无法飞走,只好应允了弗里德贝特的求爱。
但是,就在他们结婚的那一天,公主夺回了自己的羽衣,然后飞走了。
弗里德贝特历经千辛万苦,终于在爱琴海中的一个岛屿上找到了自己的心上人,并与她结为终身伴侣,从此过上了幸福、美满的日子。
不难看出,这个故事孕育了未来《天鹅湖》的文学剧本,但仅此而已。
别吉切夫和盖里采尔在此基础上作了重大的修改和增补,并吸收、借鉴多个民间传说和童话故事的精华,进而丰富了剧本中人物的性格特征,使其艺术形象更为丰满。
1895年,柴科夫斯基的弟弟摩杰斯特·柴科夫斯基对1877年莫斯科大剧院首演的剧本作了部分的修改,可谓是瑕瑜互见:
1877年和1895年两个版本《天鹅湖》的故事情节大体相同,只是在以下两点上有较大的出入:
一是前者的反面人物繁多复杂,时而以二幕中继母猫头鹰的女性形象出现,时而又以三幕中魔王罗特巴尔特的男性形象出现,但后者则把反面人物统一为猫头鹰,即魔王罗特巴尔特。
其成功之处在于加强了剧情的逻辑性,使戏剧线索更加清晰、简洁,符合舞剧艺术单纯凝练的情节发展规律,有利于着重刻画鲜明的人物性格和炽热的情感世界;二是两者结尾处发生了重要的变化:
前者结尾时,奥杰塔倒在王子的臂中,波涛汹涌的湖水吞没了俩人,暴风雨过后,一群白天鹅在平静的湖面上游过,而后者却在奥杰塔与王子一起殉情后,设计了一个华丽的终场——水下王国的众仙子们出来迎接这对恋人,把他们送入了幸福宁静的神圣殿堂。
不过,这个终场依然有些画蛇添足,因此就连首演的节目单上也没有体现出这段累赘的剧情。
在前苏联时代,《天鹅湖》又往往被改为大团圆的结局:
格斗中,王子齐格菲尔德击毙了猫头鹰,魔法破除了,一对恋人与少女们欢乐地迎接着初升的太阳。
如在莫斯科大剧院20世纪50年代由弗·梅谢列尔编导的演出版本、80年代由尤里·格里戈罗维奇编导的演出版本等,都是如此。
实际上,他们这样的修改是幼稚的,因为误将文学艺术中的悲剧性混同于悲观主义,非但不符合别吉切夫、盖里采尔文学剧本和柴科夫斯基音乐中悲剧性的崇高思想,而且还极大地削弱了舞剧本身的艺术魅力。
无论是在水下王国中共同进入神圣殿堂的尾声,还是在艰苦奋战后一起迎接初升太阳的结局,都只不过给人一种皆大欢喜式的心理安慰和简单满足罢了,而这种安慰和满足又是多么地不堪一击。
从接受心理来看,悲剧性的结局每每能给观众以更加强烈的精神震撼、更加深刻的思考回味,而正义一方决不妥协、视死如归的悲壮收场,则永远会突出作品的积极意义,强化其肯定人生的思想深度和精神力量。
2.特殊的审美形态
在不少版本的《天鹅湖》中,一些人确实没有把握住悲剧的精确概念和美学本质。
悲剧作为戏剧中一种特殊的审美形态,更多地体现出人生历程中的缺憾、生命活动中的痛苦、追求过程中的失败、自由意志的压抑和理想信念的坚守。
“从人生遭遇上看,是飞来横祸而毁之;从主体追求上看,是知其不可而为之;从观众审美上看,是怜其不幸而悲之。
”因此,悲剧就是人们因为主人公的挫折、不幸和痛苦,而引起同情、哀伤和悲怨的戒剧形态。
舞剧悲剧性以人体作为传达媒介,以舞蹈动作为表现手段,并以综合艺术作为整体审视对象,追求失衡中的平衡、冲突中的和解。
悲剧性的审美特征在于:
各种正邪、善恶、美丑、好坏的冲突性远远大于和解的可能,正、善、美、好等大众最能认可和欣赏的东西,总是在冲突中处于弱势和不利的位置,使观众在喘不过气的、压抑郁闷的险恶剧情中看不到公理和正义的及时伸张。
于是,他们会在悲伤和痛惜之余,自动从内心深处找到道德复位、弥补灾难的可能性,在道德良知上作出自己的审判,进而将悲剧冲突予以最终的和解。
这样的处理,往往会给观众留下深刻的印象或刺激,而让人久久不能释怀于正义与邪恶的颠倒,便产生了强烈的伸张正义、成人之美的良好愿望,也因此能使观众得到了精神上的反省、思索和升华。
借助于戏剧中这一较为成熟的方法与手段,芭蕾舞剧完全可以获得感人至深的艺术效果,既突出舞蹈肢体语言的个性魅力,又增添道德精神方面的哲理思考。
为此我们说,在舞剧《天鹅湖》结尾方面,别吉切夫、盖里采尔最初的构想是成功的,而摩杰斯特·柴科夫斯基的修改虽有一些出入,但整体上来看也是可以让人接受的。
3.民族文化的传承
《天鹅湖》的文学剧本完全符合俄罗斯的民族精神和文化传统,尽管它取材于德国的童话故事,但舞剧中除了王子齐格菲尔德、朋友贝诺、大臣沃尔夫冈等一些德国名字外,其余皆具有浓郁的“俄罗斯味道”。
首先,用天鹅形象表现少女是地地道道的俄罗斯习惯,洁白的天鹅是纯洁、高尚和美丽少女的象征。
俄罗斯的许多民间文学中都有类似的描写:
恶魔将美丽的少女变成天鹅或飞鸟,只有忠贞的爱情才能使魔法得以破解。
在阿法纳西耶夫所写的《俄罗斯民间故事集》中,还有这样的故事:
被魔法禁锢的少女们与心爱的青年立下海誓山盟,而一旦青年变心,她们就飞到窗前提醒青年,如果违背誓言,他的幸福将会遭到毁灭。
伟大诗人普希金在他的著名叙事长诗《萨丹王的故事》中,也曾借用过这一俄罗斯民间文学中的传统题材,设计了天鹅公主受到凶鸢的威胁而求助于王子的情节。
天鹅形象在《天鹅湖》这部俄罗斯芭蕾舞剧中受到如此的青睐,其中另一个重要的原因则是在于天鹅本身的美学特质。
天鹅性喜徐缓滑行,在以崇尚优雅和美丽为唯一美学观念的时代里,这正是芭蕾用其飘飘欲仙的舞姿所擅长表现的性格特征和风貌体态。
可以想象,以四脚跨步而行的走兽,总是要比振翅翱翔的飞禽略嫌粗鄙的。
更何况,天鹅的身材比例完美得足以让所有人都赞叹不已,那长长“S”曲线的鹅颈、婀娜多姿的身段、优雅舒展的翅膀和洁白柔软的羽毛,使得天鹅总是能享享玉立于众多顾长的飞鸟之中,每每让诗人和艺术家们均拜倒在它的脚下。
奥杰塔是高贵漂亮的公主,出于对极美之物的珍惜和伤感,《天鹅湖》的编剧者极富浪漫情怀地把她变成湖泊上的美丽“天使”,而不是陆地上野兽。
大概早在1877年构思和创作第一个版本的《天鹅湖》时,别吉切夫和盖里采尔就曾打算在亿万名观众的面前,上演一部令人神伤的悲凉爱情故事,因为他们深知,世间上没有什么比香消玉陨更让人心碎了!
接下来,在《天鹅湖》二幕“湖畔”的结尾处,奥杰塔送给王子一根羽毛作为定情信物,也完全带有俄罗斯民族的特色。
芭蕾界流传着这样一个说法:
俄罗斯有两大鸟,一“白”一“红”,“白”指《天鹅湖》,“红”指《火鸟》。
这两部芭蕾舞剧均是世界芭蕾舞史上的经典力作,前者是古典芭蕾的扛鼎之作,后者则是现代芭蕾的先锋之作,分别代表着19世纪末与20世纪初俄罗斯芭蕾高度发展的艺术成就。
两部舞剧中有着一个相同的细节:
天鹅公主和火鸟都把自己的一根羽毛送给了他人,前者作为见证爱情的信物,后者则作为交换自由的代价。
两者的先后出现绝不是偶然的巧合,而是拥有着相同的俄罗斯民族文化的渊源。
据民间文学记载,神幻的禽鸟下凡,如果有人占有了她的羽毛,就等于占有了这只神鸟。
《天鹅湖》剧本的作者显然充分地利用了这个象征性的细节,来交代奥杰塔与齐格菲尔德的爱情发展。
当王子中计上当、背叛誓言,并将羽毛交给了外貌酷似奥杰塔的奥杰丽娅时,奥杰丽娅一转身便把那支羽毛撕碎扔掉,我们则由此预见到了奥杰塔的悲剧命运。
《天鹅湖》文学剧本中,人物形象的塑造是十分丰满,而鲜明的,并且具有逻辑性的发展。
王子齐格菲尔德是19世纪下半叶芭蕾舞剧中很少见的男主人公形象,他在剧中的性格不是一成不变的,而是随着剧情的发展而不断地成熟。
从第一幕的年少无知,到第二幕的情窦初开,再到第三幕的意乱情迷,最后到第四幕的悔恨交加,王子齐格菲尔德在爱与恨、真与伪、善与恶、生与死的严峻考验中不断地成长。
短短一天的光景就使养尊处优的王子体验到百味人生一—有彷徨失落,有甜蜜幸福,有虚伪欺瞒,更有悲愤痛苦……但归根结底,是对奥杰塔的爱情使得齐格菲尔德感受到世间最美好的情感,同样也是对奥杰塔的爱情使得他徘徊在生与死的边缘。
而这一切,则必须要归功于文学剧本的设计,它既拥有高潮迭起的戏剧结构,又拥有鲜明生动的性格特征,并可以不失时机地展示流芳千古的舞蹈段落。
(二)舞剧音乐的“交响”革新
彼得·伊里伊奇·柴科夫斯基(1840-1893),19世纪西方浪漫主义音乐后期的重要音乐家,出生于俄罗斯乌拉尔的沃特金斯克城。
柴科夫斯基的创作欲望十分强烈,任何会使创作中断的事情都让他感到僧恨不已,因为音乐创作是他的全部生活意义之所在,但是经济上的无保障和对青年学子的责任感使他不得不继续背负着“沉重”的教学负担。
1877年,由于这种难以忍受的精神重担,外加给他带来沉重打击的婚姻挫折,柴科夫斯基毅然辞去了音乐学院的教职,在弟弟的陪同下旅居海外。
不久,他结识了富墉梅克夫人,并从她那里得到了莫大的精神支持和物质援助,逐渐地度过了危机。
从此,他开始全力投身于创作,并多次游历欧洲各地,创作出众多广为流传的不朽之作,迎来了自己音乐生涯中的巅峰时期。
柴科夫斯基属于大器晚成的作曲家,他的作品通俗易懂、形象生动、感情真挚、动人心魄,因而拥有广大的听众群。
1875年春,柴科夫斯基接受了莫斯科大剧院的委约,为芭蕾舞剧《天鹅湖》作曲。
这部作品的问世对于俄罗斯,乃至世界芭蕾艺术的发展,具有划时代的意义,当然它也必然会在当时引起不小的风波。
因为历史证明,凡是具有“革命性”的行为,一定会在它所处的年代招来某些“权威”人士的指责和批评,交响音乐《天鹅湖》用于芭蕾舞剧的行为也未幸免于难。
《天鹅湖》舞剧的音乐创作进展很快,并且相当的顺利。
但柴科夫斯基本来以为大剧院会象那些管弦乐队对待他的交响乐一样,毕恭毕敬地接受他的芭蕾舞剧《天鹅湖》曲谱,不料事与愿违。
1877年首演《天鹅湖》令一切人,尤其是令柴科夫斯基大失所望。
拉罗什曾说:
“如果说柴科夫斯基在创作期间曾生动地描绘出了神话故事的庄严瑰丽,那么,当他在剧院观看那位芭蕾大师的作品时,必然感到了苦涩的失望。
我得承认,还从未在大剧院的舞台上见过更糟的演出。
服装、布景和道具也未能将舞蹈的贫乏空洞掩盖分毫。
人们对于1877年版《天鹅湖》的成败得失众说纷纭,但对音乐都一致给予了较高的评价,尽管柴科夫斯基仍虚怀若谷地把首演的失利归咎于自己的音乐创作。
然而,交响音乐是否应该用于芭蕾之中,人们对此却存着很大的争议。
一方面,“正统”的音乐家们认为,交响乐是高雅的,而芭蕾舞剧音乐则不能登大雅之堂。
交响乐不应该与“根本不值得一提”的芭蕾舞剧音乐混为一谈,这样会辱没了交响乐;另一方面,舞蹈家们则认为,交响乐过于严肃,不能象舞曲那样活泼、富有动感和节奏性。
同时,他们还担心,庞大的交响乐会淹没舞蹈的表现,分散观众欣赏芭蕾的注意力。
总而言之,19世纪70年代,大部分人尚不习惯或不甘心于交响乐用作芭蕾舞剧的音乐伴奏。
当然,还是有一部分人拥有“先见之明”的,他们极力赞同和推祟柴科夫斯基的开创之举。
柴科夫斯基芭蕾舞剧音乐的研究专家尤·拉萨诺娃公正地指出,《天鹅湖》中的舞蹈性非但没有降低音乐的质量,反而丰富了它的表现力。
事实上,柴科夫斯基的交响乐内涵丰富、情感细腻、形象生动、动人心弦,与芭蕾舞的抒情性和概括性相吻合,有效地增添芭蕾舞剧的艺术感染力。
柴科夫斯基的音乐给芭蕾舞剧注入了新的活力,从根本上革新了旧式芭蕾音乐的品质。
音乐与芭蕾舞剧中的人物形象、情感变幻、剧情发展和整体气氛紧密配合,摆脱了以往芭蕾舞剧音乐与内容无关的无病呻吟或滥竿充数。
柴科夫斯基天生就是一位抒情交响乐的圣手,他的天赋察性与古典芭蕾的特性恰好吻合。
因此,沁人心脾的抒情性是他音乐创作的突出特征,而他则把音乐视为“纯粹抒情的过程”和“心灵的音乐自白”。
“他的音乐总是发自深心,热忱、真挚、沁人肺腑、充满感人的抒情性,同时又结合着强烈、激越、震撼人心的戏剧性。
”
柴科夫斯基说:
“芭蕾一一同样是交响乐。
”他对芭蕾艺术的根本性改革,其真谛正在于此。
《天鹅湖》的成功标志着世界一流作曲家在芭蕾舞剧音乐的领域中,第一次创作出了一部足以同交响乐、歌剧经典相媲美的作品,进而把芭蕾舞剧音乐的水平提高到了与这两者并驾齐驱的地位。
柴科夫斯基打破了传统芭蕾音乐与交响音乐之间的界限,由此促进了古典芭蓄艺术的发展与成熟。
三经典舞剧传承与创新的意义
经典一经确立就会变成公认的标尺和模式,自然而然被纳入到难以逾越的“传统”之中。
而实际上,经典具有两重性:
一方面它是稳定、连续和持久的,可以在一个相当长的历史时期内对当时、当下和未来发生潜移默化的影响:
另一方面,经典不是一灌死水,它是活态的、发展的、不断增生的。
随着社会和时代的发展,《天鹅湖》丰富多彩的外在表现形态一直处于不断变化当中,不变的是艺术的内核与精神,以及它给观众带来的巨大的艺术享受与震撼的心灵体验。
今天,《天鹅湖》面对的观众更加年轻、更加见多识广、更富有理想和追求,他们的接受与认可才是《天鹅湖》真正的成功。
(一)传承与创新,是经典舞剧焕发新生命的关键所在
在传承的基础上创新后的《天鹅湖》中,人们看到,艺术家们在这部经典舞剧已经达到的颠峰之上,以更为宽广和自由的创作心态对其进行了全新解析与再创,将作为“剧”的叙事本体和作为舞蹈本体必不可少的灵性、幽默、浪漫与优雅融会贯通,这使观众看到的不再是意念的图解和说教,而是艺术的美。
各式各样、风格遇异的芭蕾舞剧《天鹅湖》,就足以证明,编导的独特见解和对经典舞剧的传承与创新可以成为经典舞剧发展的强大驱动,创造出更多经典中的经典。
(二)传承与创新,是经典舞剧满足不同时代、不同地域人们艺术欣赏需求的必由之路
经典的艺术作品可以让世人共享,流劳百世。
但由于时代、地域、文化习俗等的不同,人们对艺术作品的欣赏需求也不一样。
因此,经典舞剧唯有与时俱进,赋予新的内涵才能焕发新的生命力。
不同版本的《天鹅湖》充分证明了这一点。
传统版的《天鹅湖》,满足了当时宫廷贵族艺术欣赏的需要,故而能成为经典:
伯耐的男子版《天鹅湖》,以独特的视角揭示了人类渴望真爱的真情实感,故而能紧紧揪住观众的心:
搞笑版的《天鹅湖》,幽默滑稽,充分展示了美国人的天性,让人开怀大笑,故而能轰动一时;杂技版的《天鹅湖》,把东西方文化融为一体,是用东方民间杂技演绎西方宫廷艺术的一次巨大尝试,其中既表现了对西方文化艺术的认识,又充满了对主体文化的自信,其大胆的艺术语汇和对经典舞剧的成功诠释,极大地引起了世人的关注。
这些不同版本的
《天鹅湖》之所以成功,最根本的一点,就是在传承的基础上,根据不同时代、不同地域的特点,在传统作品中巧妙地揉进了新元素、新内涵,从而很好地满足了不同时代和地域的观众的艺术欣赏需求。
(三)经典舞剧的传承与创新,是增强文化软实力的有效方式
当今世界围与国之间的竞争,既有经济发展硬实力的竞争,也有文化发展软实力的竞争。
发展文化软实力,开展文化传播的方式多种多样,而利用艺术(如舞蹈、音乐、电影等)这种具有世界语言性质的方式开展文化传播,无疑能取得更好的效果,各个版本的《天鹅湖》在世界各地产生极大的影响,就是一个很好的例证。
中国是一个文明古国,前人留下了许多经典的艺术作品,这是一笔宝贵的财富。
一方面,我们要善于传承,在继承的基础上对其蕴含、表现形式等不断加以改进创新,使之与时俱进,更具时代性、更富观赏性及艺术性;另一面,要善于吸收借签国际级的艺术成果,用中国特色的、富有民族特点的文化元素加以改造,创作出更多的、让人耳目一新的、东西方文化相互融合、相互辉映的艺术精品,为观众提供更多的艺术享受,这也可以促进中国文化更快更好地走向世界。
(四)经典舞剧的传承与创新,也是艺术院团的生存之道
排演经典舞剧是大多数艺术院团赖以生存的有效手段之一。
当下中国各文艺院团正面临着体制改革,不能再像以前一样仅靠国家的财政支撑,他们将与西方艺术院团一样逐步被推向市场,必须靠自身的力量谋生存。
因此,提高院团的表演水平、创新能力和审美判断力,是院团生存与发展的关键。
观众的审美口味是在不断地变化的,因此,从剧目的思想内容、从审美情趣来说,都需要在实践中不断地调整改进,接受观众的检验。
如何缩短与观众的审美距离,这促使文艺工作者们不断地思考,动脑子创新。
当创新到让观众反感时,就必须反思自己的艺术是否变味了,就必须找回传统的根子。
不能强调传承就不研究创新,为提倡创新就丢弃传统。
实践告诉我们,没有继承则难以创新,没有创新就难以发展。
经典舞剧是久经考验的,是经过历史选择出来的最有价值的、最能表现本行业精髓的、最具代表性的、最完美的作品。
排演这样的作品相当于站在巨人的肩膀上,能够起到事半功倍的效果。
四结论
在19世纪的芭蕾舞剧史上,1895年首演于圣彼得堡的《天鹅湖》可谓达到了辉煌的顶峰,同时又开启了20世纪世界芭蕾历史的崭新篇章。
原因不仅仅在于这个版本留下了许多优秀的舞蹈片段,还因为在整个20世纪里,所有致力于芭蕾舞剧《天鹅湖》复排、改编的编导们都以它为基础:
或是发扬光大,或是背道而驰,或是把它的成功经验同现代的编舞技法联系起来,从而为整个世界大舞台,创造出一道又一道的美丽风景。
凭借更新的观念和独特的创意,1895年版的《天鹅湖》无可争议地成为古典芭蕾的扛鼎之作、舞蹈艺术的至尊经典。
即便是在对它大肆批评和完全否定的年代里,人们也无法抹杀它对《天鹅湖》史、芭蕾舞史所做出的卓绝贡献。
因此,1895年不仅是《天鹅湖》的重生之日,也使全世界每一位芭蕾观众能对它耳熟能详、如痴如狂。
创新是生存的根本,是发展的动力,是成功的保障。
《天鹅湖》不断地被超越,不能不说是舞蹈界的一个奇迹,这足以代表当今芭蕾舞剧发展的一个新主张。
同时,这也让人们深刻体会到,任何艺术都是永无止境的,没有最好只有更好。
我们只有合着时代的脚步,透过独特的视角,在传承之中加以创新,才能创造出更多的奇迹,才能立足于社会,立足于世界。
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