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交响乐团编制
交响乐队简介
管弦乐队是由弦乐器、管乐器和打击乐器组成的大型器乐合奏乐队。
由于演奏不同体裁的器乐作品以及演出场地、功用的不同,而具有不同的称谓。
例如:
大型管弦乐队称“交响乐队”;而演奏室内乐作品、乐队编制较小的称“室内管弦乐队”等。
首批为管弦乐队写作的作曲家是海顿和莫扎特。
现代管弦乐队的真正缔造者是贝多芬,此后,乐队的发展,总是保持着古典乐派时期管弦乐队的基本骨架,仅在局部有的扩充和变化。
现代交响乐队编制约80—100人,为庆典活动等特殊需要,可临时大为400—500至1000人。
交响乐器介绍
乐队组成
近代大型管弦乐队通常由4组乐器组成。
它们是:
弦乐、木管、铜管和打击乐器。
每组各包括若干件乐器,常用乐器如下:
弦乐器
小提琴,中提琴,大提琴,低音提琴,竖琴
木管乐器
短笛,长笛,双簧管,英国管,单簧管,低音单簧管,大管,低音大管
铜管乐器
圆号,小号,长号,大号,低音大号
打击乐器
定音鼓,大鼓,小鼓,钹锣,三角铁
乐器位置
管弦乐队在演奏时就需要一个质量较高的音响,然而乐队中包括了很多不同类别的乐器,并且它们都有着各自不同的特色和个性,这样在写交响音乐作品时,不但需要作曲家对它们的编制即音色进行合理的调配,另外在排练和演出时,对它们的席位排列也需要考虑外表的美观,以及它们在演奏音乐时的配合与色彩协调,为此,世界上有好多的指挥家与乐器演奏家,经过将近一百多年的努力探索、实验,基本上找到了一个合理的席位排列原则。
弦乐组是整个管弦乐队的基础,它的音色给人以亲切感,所以一般席位排在舞台的前面,最靠近观众。
木管组乐器种类较多,音色突出,所以需要分门别类的将其排列在弦乐组之后,乐队的中
标准区域分布
间部位。
铜管乐器和打击乐器,音量宏大,并富有刺激性,所以他们排列在乐队的最后面或后侧面。
竖琴和其它弹拨乐器经常排在乐队的左右侧。
但有时候因作品的要求,比如一些近、现代派作曲家的作品演奏,另外也由于指挥家的个人偏好,乐队席位排列也有某种特殊安排。
一般常见的交响乐队标准席位排列有两种,即欧洲式乐队席位排列和美国式乐队席位排列。
[1]
欧洲式席位排列
对演奏古典交响乐优越性较多,因为当时的作品构思,第Ⅰ小提琴和第Ⅱ小提琴常进行问答式对奏,加上它们的音色又是一致的,这样把它们分别排列在指挥的左右侧,容易取得区别它们的效果。
再者,这样的排列法,第Ⅰ小提琴的“f”发音孔面朝观众,第Ⅱ小提琴的“f”发音孔背朝观众,演奏时容易主次分明,如果从外表来看,这样的排列法也比较对称美观。
但如果让这种排列法的交响乐团去演奏近、现代作品,效果就会差些,因为近、现代作品第Ⅰ小提琴与第Ⅱ小提琴的构思基本统一在一个声部里,如果分两边,不但不好配合,而且指挥也难于照顾。
美式席位排列
在演奏浪漫派以及近、现代的交响乐作品时优越性较大,除以上所提到的指挥便于照顾小提琴Ⅰ和小提琴Ⅱ声部外,大提琴排在右前方,容易在演奏时,使乐队的低音声部也得到突出,这样大提琴与小提琴相呼应,能达到弦乐组的旋律、低音、和声三者层次清晰的效果,许多管弦乐队都采取了这种美式乐队席位排列法。
乐器介绍
弦乐器
弦乐器的性能是专家们研究得比较多的内容,要深入地了解弦乐器,诸如音准、弓法、柔弦技巧等问题,只需去看提琴家们的著作就可以了,这里仅仅介绍一些涉及到弦乐器的物理原理,因为乐器的演奏者不太注意这方面的问题。
狭义
狭义上的弦乐器指的是弓弦乐器(Archi),也就是四种类型的提琴小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴。
它们的发音原理是一样的,但是由于形状和演奏方法上的细微差别,音色有所不同。
中国民族乐器中的各类胡琴(主要是二胡、京胡和板胡,其他如马头琴等)也是弓弦乐器,但音色和提琴相差甚远,主要原因有以下几点:
(1)共鸣腔的差别:
提琴琴身大,胡琴音筒小;
(2)共振传导的差别:
提琴的琴马架在音板上,胡琴的琴马架在蟒皮上;
(3)琴弦的差别:
提琴用钢丝弦,胡琴用铁丝弦;
(4)按音的差别:
提琴按弦时手指按在指板上,胡琴按弦时手指只接触琴弦,好像是悬空的。
此外,胡琴的琴弦数目和运弓方式有限,因此表现力比提琴逊色得多。
广义
广义上的弦乐器还包括弹拨类弦乐器,即竖琴和钢琴,事实上它们的发音原理和提琴的拨弦是类似的。
各国的民族乐器中,弹拨类弦乐器的种类极其丰富,例如吉他(六弦琴)、辛巴隆(扬琴)、曼陀林等,其中我国特有的弹拨乐器有:
(1)有品弹拨乐器,有月琴、柳琴、阮和琵琶。
形状上月琴和阮相似,琴身是圆形,柳琴和琵琶相似,琴身是梨形。
音域和音色上,月琴和柳琴相似,都是高音乐器,体积小,阮和琵琶相似,都是中音乐器,体积稍大。
(2)无品弹拨乐器,指的是小三弦和大三弦。
(3)台式弹拨乐器,指的是古筝和扬琴(扬琴事实上属于西洋乐器),古筝用手指弹奏,扬琴用琴锤击奏,中国的扬琴使用竹制的琴锤,这是中国扬琴区别于西洋洋琴的最大特点。
以上所列出的弹拨乐器都是民族管弦乐队的主要乐器。
常用乐器
小提琴,中提琴,大提琴,低音提琴,竖琴
(竖琴)
管乐器
在管弦乐队中,管乐器虽然人数上不占优势,但是地位和重要程度不逊色于弦乐器。
首先,管乐器的音量比弦乐器大得多,一支木管或圆号的音量可以和一个弦乐声部(10把小提琴或8中提琴或6把大提琴或4把低音提琴)抗衡,一支小号或长号的则可以和两个弦乐声部抗衡,强奏(fff)时可以超过整个弦乐队(40把弦乐器)。
正是由于音量的缘故,每一件管乐器独立构成一个声部。
管弦乐队和管弦乐作品的规模,就是根据管乐器的多少来确定的。
二管制的乐队中,四种木管乐器各两件,铜管乐器共十件,所以仅仅管乐声部就有18个。
相比之下,弦乐声部才5个,即使把分奏部分看成两个声部,也只有10个。
其次,管乐器的色彩性比弦乐器强,管弦乐作品中绝大多数独奏乐段都交给了管乐器。
出于以上原因,管乐器对音准和音色有着更高的要求,所以除了吹奏员的水平以外,管乐器本身的质量也直接影响到乐队的演奏水平。
相比之下,弦乐器比较容易处理,个别乐器的音准和音色有所偏差,也会为声部的其他乐器所融合,有人常说弦乐声部是一个可以滥竽充数的声部,可能就是这个道理。
狭义上的管乐器分为木管(Legni)和铜管(Ottoni)两大类,前者包括长笛、双簧管、单簧管、萨克斯管、大管和它们的衍生乐器,后者包括圆号、小号、短号、萨克斯号、长号和大号。
广义上只要带管的乐器都可以称为管乐器,例如管钟和管风琴。
各国的民族乐器中,管乐器的类型也是相当丰富的,但是仅限于高音木管,低音木管和铜管的制作工艺较为复杂,所以民间几乎不会出现。
把管乐器的两种类型称为木管和铜管,这是沿用了过去的叫法,现在看来不太合理,因为很多木管乐器不是木制的,例如长笛由纯银或银合金制成(它的衍生乐器短笛目前为止仍然是木制的),萨克斯管则是铜制的,劣质的单簧管由胶木制成(胶木是一种合成材料,学名为酚醛树脂)。
木管和铜管的区别在于:
(1)木管改变音高的办法是在管上开孔,而铜管则改变管的长度;
(2)木管可以超吹的泛音少(通常只能吹到第二泛音,只有长笛可以吹出第四泛音),而铜管则可以吹出比较高的泛音(通常可以吹到第十泛音,圆号可以吹到第十六泛音);
(3)木管的振源有两种类型——气簧(长笛和短笛)和哨片(其他木管乐器),而铜管则是唇簧。
常用乐器:
木管:
短笛,长笛,单簧管,双簧管,英国管,大管(巴松),低音管,低音单簧管
铜管:
小号,长号,大号,圆号(法国号),低音大号
(低音大号)
打击乐器
管弦乐队中打击乐器是一组很有色彩的的乐组,其中有相当一部分是鼓,打
击乐组通常用来在乐曲中渲染气氛或烘托心情。
管弦乐队中,最早使用且最广泛的是定音鼓,用途仅为增强乐曲气势。
再来是小军鼓、大军鼓、钹、木琴、钟琴等。
不过后来乐曲逐渐走向多样化,打击乐器丰富的节奏性因此得到善用。
在二十世纪初期管乐开始发展,各式各样的打击乐器慢慢被研发改良,作曲家得以利用多样的音响效果使乐曲更加有变化。
随之打击乐中的小军鼓和定音鼓并成为了关键的打击乐乐器,这能带领整个乐队的走向和节拍,相当于副指挥。
常用乐器:
定音鼓,大(军)鼓,小(军)鼓,三角铁,钹锣,响板,木琴,钟琴
主要乐器简介表
名称
意大利文
缩写
调性
谱号
记谱方法
常用记谱音域
小提琴
Violino(i)
V.
C
G
实音
g~e4(31/2)
中提琴
Viola(e)
V-la(e)
C
C(G)
实音
c~a3(31/2)
大提琴
Violoncello(i)
V-c.
C
F(C-)
实音
C~a2(31/2)
低音提琴
Contrabasso(i)
C-b.C
C
F
实音
E~c2(21/2)
短笛
Flautopiccolo
Fl.picc.
C
G
下移八度
d1~a3(21/2)
长笛
Flauto(i)
Fl.
C
G
实音
b~c4(3)
双簧管
Oboe(i)
Ob.
C
G
实音
#a~f3(21/2)
英国管
Cornoinglese
Cor.ingl.
F
G
上移五度
#a~f3(21/2)
单簧管
Clarinetto(i)
Cl.
bB
G
上移大二度
e~g3(3)
低音单簧管
Clarinettobasso
Cl.basso
bB
G
上移大九度
e~g3(3)
大管
Fagotto(i)
Fag.
C
F(C-)
实音
#A1~#a1(3)
低音大管
Contrafagotto
C-fag.
C
F
上移八度
#A1~g(21/2)
圆号
Corno(i)
Cor.
F
G(F)
上移五度
#c~g2(21/2)
小号
Tromba(e)
Tr.b
B
G
上移大二度
#f~c3(21/2)
长号
Trombone(i)
Tr-ne(i)
C
C-/F
实音
C1~bb1(3)
大号
Tuba
Tuba
C
F
实音
E1~#a(21/2)
定音鼓
Timpani
Timp.
C
F
上移八度
F~f
(1)
大鼓
Grancassa
G.C.
-
-
-
-
小军鼓
Tamburo
Tamb.
-
-
-
-
铃鼓
Tamburino
Tamb-no
-
-
-
-
三角铃
Triangolo
Triang.
-
-
-
-
大镲
Piatti
Piatti
-
-
-
-
大锣
Tam-Tam
T-Tam
-
-
-
-
响板
Castagnetti
Cast.
-
-
-
-
排钟
Campane
Camp.
C
G
下移八度
#a~c3(3)
钟琴
Campanelli
Camp-li
C
G
下移八度
#a~c3(3)
木琴
Silofono
Sil.
C
G
下移八度
#a~c3(3)
钢片琴
Celesta
Cel.
C
G/F
下移八度
C~c5(5)
钢琴
Pianoforte
P-f.
C
GF
实音
A2~c5(7)
竖琴
Arpa
Arpa
C
GF
实音
B2~#f4(61/2
女高音
Soprano(i)
Sopr.
C
G
实音
g~g2
(2)
女中音
Contralto(i)
C-alto
C
G
实音
g~g2
(2)
男高音
Tenore(i)
Ten.
C
G
上移八度
g~g2
(2)
男中音
Basso(i)
Basso(i)
C
F
实音
G~g1
(2)
管弦乐团由下列四组器乐构成。
弦乐组:
小提琴、中提琴、大提琴、低音大提琴,以上由弓发出声音又称“弓弦乐器”。
由手指拨或弹出声音的叫“拨弦乐器”,竖琴、管风琴、钢琴、六弦琴、曼佗林、班卓琴等。
“弓弦乐器”是管弦乐团中数量最多的乐器。
它们通常出现在古典时期的歌剧中。
木管组:
木管又分:
“无簧乐器”,有短笛、横笛(也称长笛);“单簧管”有竖笛、低音单簧管。
“双簧管”有高音双簧管、英国管、大管、低音大管),虽都是木管双簧的乐器,实际上它们是高音、中音、低音的排列。
其中长笛、双簧管、单簧管、巴松管、低音巴松管,在18世纪的器乐中经常出现。
到了19世纪则成为增强戏剧性气氛的主角。
铜管组:
短号(短喇叭),小号,法国号,伸缩号,大号(低音号)。
打击组:
定音鼓、低音鼓、小鼓、钹、三角铃、铃鼓、排钟、锣、木琴、钟琴、钢片琴、雪橇铃、响板、砂槌、棘轮、牛铃、布谷鸟笛、盒梆、乐鞭、小铃等。
打击乐器可分有调性及无调性二种,不少效果用的乐器不容易译成理想的名称。
交响音乐是音响逻辑形式的组合、发展,如旋律形态(主题、动机)的重复、变化等等,并且根据其内容的需要形成了不同的体裁。
交响音乐不是专指一种特定的体裁名称,而是一类器乐体裁的总称。
这类体裁的共同特征是:
1、由大型的管弦乐队演奏;
2、音乐内涵深刻、格调高雅、思想深邃;
3、具有史诗性、戏剧性、叙事性、描写性、悲剧性、英雄性,抒情性、风俗性等特质;
4、有较严谨的结构;
5、丰富的表现手段;
6、按照约定俗成的惯例,交响音乐主要是指交响曲、协奏曲、交响序曲、交响组曲和交响诗五种体裁。
但其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲,如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、狂想曲、叙事曲、变奏曲和舞曲等。
起源与发展:
交响音乐的起源可以追述到十分遥远的历史过程中。
它的名称源于古希腊,“symphony”一词是“和音”和“和谐”两个词的总称。
最初的用法也比较混乱.从字源上看交响乐的希腊原文仅是“一起”(syn)“发出声音”(phone)的意思,中世纪时则指两个音的和谐结合,包括早期对声乐或器乐作品,或某些乐器(如风笛和手风琴)上若干个音的和谐结合。
十六世纪末,在戏剧(包括歌剧和神剧)作品中插入的任何乐器不合奏段落,都叫做交响乐。
到了古罗马时期,它就逐渐演变成为泛指一切声乐和器乐合奏(唱)曲和重奏(唱)曲的代称。
文艺复兴时期的含义和现在也完全不一样,当时的交响乐泛指的是一切多声部的音乐,其中包括了声乐和器乐。
交响乐这一名称被当作了一切和声性质的、多音乐曲的标志。
这是在中世纪“新艺术”的基础上,更加追求人性的解放与对人的内心情感的书法与表达。
这时的音乐家在人文主义思潮的推动下,对复调音乐进行了发展和变革,声乐与器乐逐渐分离而独立发展的结果。
这一时期五线谱已得到完善,印刷术也运用到曲谱上,这都使音乐的传播更加便利和广泛。
而到了巴洛克音乐的初期,它又主要指歌剧、神剧和清唱剧等作品中的序曲及间奏曲。
而到了16至17世纪,交响乐用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲,这时的声乐部分基本上已经排除在了交响乐的概念以外,“交响乐”从此成为了纯粹的器乐曲。
18世纪初期,音乐艺术在欧洲得到了迅猛的发展,随着欧洲产业革命的进程,音乐艺术也开始逐步地走向平民化和社会化。
在这个时期中,交响乐作为一种独立的艺术形式,其规模和形式都慢慢有了明确的含义:
序曲和间奏曲开始脱离歌剧开始在音乐会上单独演奏。
这对交响乐的发展起了重要的作用,当时的意大利歌剧序曲(意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中为序曲)奠定了以它特有的“快板-慢板-快板(舞曲风格)”的三段体式,给后来的交响乐的乐章格式建立了最基本的格式,而这三个段落成为了古典交响乐的基本雏形。
18世纪下半叶,德国曼海姆(德国南部的文化中心)乐派的作曲家们,以一系列积极而富有创新性的创作,使交响乐的基本形式得以进一步的完善。
他们在序曲的创作中开创了主调音乐的手法,提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性,并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲,就形成了四乐章器乐套曲的雏形。
1740年奥地利作曲家蒙恩(1717--1750),第一次在慢板乐章和快板乐章之间,加进了小步舞曲(注:
法国一种三拍子的舞曲)乐章(第三乐章),这种四个乐章的套曲形式,渐渐演变成了古典交响曲的固定形式。
四个乐章是这样布局的:
第一乐章——奏鸣曲式它包括三个部分:
第一部分:
(呈示部)有两个主题——正主题(第一主题)、副主题(第二主题),这两个主题往往形成强烈的对比。
比如,正主题是冲突性的、戏剧性的,副主题可以是抒情性的、歌唱性的。
第二部分:
(展开部)就是把呈示部的主题进行不断地分裂、模进,在配器、节奏、力度和调性各个方面进行对比和展开。
第三部分:
(再现部)再现呈示部的两个主题,调性上有严格的关系。
奏鸣曲式通常开始有一个引子或者序奏,结束有尾声。
这样的曲式常常表现宏大的构思,反映深刻的哲理。
第二乐章——行板或慢板。
抒情的、以歌唱性音乐见长。
第三乐章——小步舞曲。
现代多用谐谑曲它们是轻快、幽默、典雅和风趣的。
第四乐章——终曲。
它通常是快板,经常采用回旋曲式(A+B+A+C+A)或者回旋奏鸣曲式。
(所谓的回旋奏鸣曲式和奏鸣曲式不同的地方,就在于呈示部中主题出现两次,也就是主题——副题——主题,然后是展开部、再现部)
我们刚刚讲的这种固定的形式,只是在古典交响乐时期,它是相对固定的。
但是也有特殊的例子,比如:
海顿就写过六个乐章的交响曲。
至于快、慢乐章之间的对比也会有变化,他写了一部“告别交响曲”,就是以慢板结束的。
至于乐章的多寡,作曲家们根据不同创作的要求,也有很多的变化,有三个乐章的(弗兰克《d小调交响曲》、谭盾的《天地人》交响乐),也有两个乐章的(舒伯特的《未完成交响曲》)。
大家熟悉的贝多芬的“田园交响曲”就有五个乐章、还有肖斯塔科维奇的“第十四交响曲”,多达十一个乐章。
因此,交响曲的乐章构成和快慢乐章的对比并不是一成不变的。
维也纳古典乐派(18世纪中后期)的兴起及一些天才作曲家的伟大创作,使得交响乐这一艺术形式发展到了全面成熟的阶段。
有三位音乐大师把古典交响乐发展到了最成熟的阶段,他们是海顿、莫扎特和贝多芬。
这三位大师把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态,也使得交响乐进入了自己的黄金时期。
贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界,现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。
在这里我们首先提到的就是奥地利作曲家海顿。
他一生共创作了120多部交响乐。
他在交响乐艺术上的贡献是——完整而严谨的确立了交响乐的形式和规模,因此,他曾被人们誉为“交响乐之父”。
他的艺术成就直接影响到了他的两位后人——莫扎特和贝多芬。
而交响乐的形式、规模、内涵等等,都是在这后两位作曲家的创作中得到真正的成熟和完善的。
莫扎特一生创作了41部交响乐,他的交响乐较之海顿的交响乐不论是在形式的完整、内涵的丰富和思想的深刻等方面都有着大幅度的提高。
他以其天才的神来之笔,为交响乐这一独立的器乐形式,注入了一种全新的活力。
他最后的三大交响曲——《降E大调第三十九交响曲》、《g小调第四十交响曲》及《C大调第四十一交响曲(朱庇特)》,则是他全部交响乐创作的顶峰。
这三部交响曲集天才的音乐性、丰富的思想性和新颖的创造性,成为古典交响乐创作中的光辉典范。
贝多芬这位被后人尊称为“乐圣”的天才人物,在其短短几十年的创作中,将交响乐的创作成果,提高到了前所未有的高度。
在世界交响音乐艺术史上,他的创作被认为是一个极其重要的里程碑。
而他的作品则是跨越古典主义和浪漫主义之间的承上启下的杰出典范。
贝多芬的交响乐较之海顿和莫扎特的交响乐,形式更加严谨、内容更加丰富、技法更加娴熟。
而由为使人关注的是,他的交响乐思想性深刻、哲理性复杂,他第一次将交响乐具有了社会启示性和斗争性的深刻内涵。
他的交响乐创作成就在于建立在继承基础上的重大开创。
如:
在形式结构上,他扩大并完善了交响乐的组织框架——奏鸣曲式。
同时,以动力更强的谐谑曲(大多是3拍子的,节奏活泼,速度较快,常有突发的强弱对比)取代了过于温和的传统小步舞曲,从而赋予交响乐以更加丰富的有机性。
从另一个角度来看,为了达到表现社会性重大题材和人类斗争性及精神境界的目的,他将交响乐队的编制扩充到了更加合理的程度。
同时为了达到他的整体艺术构思,甚至将人声增加了进去,在他的《第九交响曲》中,合唱队演唱的“欢乐颂”揭示了一种无比崇高的精神境界。
而这种巧妙的构思和大胆的实践,则充分地说明了贝多芬作为一代交响乐宗师,所表现出的非凡魄力和杰出天才。
我们通常把贝多芬的九部交响曲分为无标题和有标题的两类,他的第一、第二、第四、第七和第八交响曲是无标题的;第三(英雄)、第五(命运)、第六(田园)和第九(合唱)是有标题的。
他的这两类交响曲形成了两种创作路线,对后人的交响乐创作发生了深刻的影响。
贝多芬是不朽的旋律写作大师,他在音调创作方面给后来的交响乐创作也给予极大的影响。
比如我们大家熟悉的第五(命运),是迄今为止最为简短的主题(只有四个音),而这个“命运动机”始终贯穿着四个乐章。
另外,贝多芬完善和扩大了乐队编制。
在他的交响曲当中,我们发现他运用了海顿和莫扎特时期不曾运用的乐器。
比如说短笛、低音大管、长号和一些打击乐器如三角铁、大镲、大鼓等等,更重要的是在他的第九交响曲中引用了人声。
我们面对他的交响曲,让我们感受最强烈的是已经耳聋的贝多芬不向命运屈服的精神。
贝多芬的座右铭是“通过苦难,走向欢乐;通过斗争,走向胜利。
”他的音乐是面向全人类的,我们的时代现在仍然需要刚毅、英勇、勇往直前和百折不挠的贝多芬精神。
18世纪晚期到19世纪早期,浪漫主义艺术思潮开始渗透到音乐领域当中。
舒伯特带有艺术歌曲交响化性质的《b小调(未完成)交响曲》,标题交响曲——法国作曲家柏辽兹的《幻想交响曲》和李斯特的标题交响乐《幻想交响曲》和《但丁交响曲》,舒曼充满诗意的《春天交响曲》,勃拉姆斯的四部充满传统精神但却有浪漫主义内涵的交响曲,柴科夫斯基和德沃夏克带有浓郁民族性的一系列交响曲,此外,圣桑、穆索尔斯基、里姆斯基等作曲家们的各种交响乐作品,都是19世纪浪漫主义交响音乐创作的珍品。
19世纪晚期,奥地利作曲家马勒谱写了十部交响曲,在这些交响曲中,他为了表现自己内心复杂的精神世界,而将交响乐的表现形式发展到了极限。
如他的《第八交响曲》,被人们称为“千人交响曲”。
除马勒之外,在19世纪晚期,各国民族乐派的作曲家中,也有许多人应该被称为交响乐大师。
如芬兰的西贝柳斯、捷克的雅那契克、俄罗斯的格拉祖诺夫和拉赫玛尼诺夫等人的创作,都在某种程度上,为世界交响音乐艺术作出了杰出的贡献。
在这之后,欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华,将交响乐的内容、形、乐队编制,乃至于标题,都进行了不同程度的创新。
在这个时期,交响乐的形式更为自由,色彩更加丰富,表现手法也更多种多样。
19世纪和20世纪相交之际,特别是进入20世纪后,交响乐仍然在不停的发展着,越来越多的新元素添加到交响乐中。
气势恢弘,感情细腻,表现力无限丰富的交响乐仍然拥有大量的爱好者。
许多象征着新时代艺术风格的思潮,开始越来越多地涌现出来。
从德彪西(法)的印象主义、理查-施特劳斯(德)的后期浪漫主义和勋伯格(奥)的早期无调性技法,都渗透到交响乐的创作中,为20世纪五花八门的交响音乐创作奠定了基础。
在20世纪众多的作曲家中,为交响乐及其它体裁的创作做出杰出贡献的人物数不胜数。
其中影响最大的有俄国作曲家普罗柯菲耶夫、哈恰图良、肖
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