美术鉴赏知识点.docx
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美术鉴赏知识点.docx
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美术鉴赏知识点
第一课艺术的本质美术鉴赏基础知识中西方艺术特色差异比较
page1艺术的本质——
艺术是用形象来反映现实但比现实更具有典型性的社会意识形态,包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影等等
情感的释放——情感的宣泄内心的表达
精神的食粮——丰富精神世界填补内心空虚
交流的方式——无国界的、最直接的信息交流符号
认知的途径——认识历史、认识世界的重要途径
page2具备什么条件可以称之为真正的艺术?
真善美(真实善良美好)的统一和谐
真即艺术的真实性,指作品是否正确的反映了生活的本质
善即艺术的倾向性,也就是作品所描绘的形象对于社会具有善的意义和影响
美即艺术的完美性,指作品的形式与内容是否和谐统一
page3什么是美术鉴赏?
美术鉴赏不仅要求对美术作品有感性认知和视觉印象,还要对美术作品的表现技巧、形式语言、思想内容、社会背景等方面进行理性的分析、研究和判断,从中得到思想上的启迪和艺术上的享受。
美术鉴赏属于艺术接受学的范畴,是一个再创造的过程,也可以说鉴赏者是艺术作品的第二创造者,艺术家创造出了美术作品,但艺术活动没有就此结束,通过美术鉴赏发挥艺术作品的社会作用,使艺术作品的审美价值得以充分的体现。
Page4美术鉴赏基础知识
美术作品是通过不同的表现手法来诠释人们对美的理解,对真善美的向往。
Page5美术作品构成的主要因素
时间——什么时期的作品
作者——哪个国家、谁的作品
内容——艺术家想在作品中表现什么
技法——线条、颜色、构图等
类别——油画、版画、国画等
《蒙娜丽莎》巴黎卢浮宫藏
时间:
文艺复兴时期
作者:
意大利达芬奇
内容:
佛罗伦萨某银行家的妻子
技法:
写实手法晕染法
类别:
板上油彩
page6中西方美术之比较
(一)“写实”与“写意”
西方绘画注重写实,以透视(焦点透视、成角透视)和明暗方法表现物象的体积、质感和空间感,并要求物体在一定光源照射下呈现出色彩效果。
中国画追求神似,以线条作为主要造型手段,颜色以黑色为主,散点透视,画面构图讲究留白,因此有时候可把背景和细节省略掉。
Page7维米尔——荷兰最伟大的画家之一
作品取材平民平常的生活,画面温馨、舒适、宁静
page8中西方美术之比较
(二)“抽象”与“具象”
西方绘画:
20世纪出现了“抽象派”,反对传统,想要脱离现实,表达一种“纯粹的精神世界”
中国绘画:
概括与具象并生,写意与工笔并存,“具象”注重描绘物体本身,而非西方写实绘画的注重整体环境色彩和环境氛围(马蒂斯蜗牛韩滉五牛图)
区别三
西方绘画:
焦点透视——空间感、立体感强给人以身临其境的感觉
中国绘画:
散点透视——平面化、叙述性可以充分的表现空间
中西方美术之比较(四)“油性”与“水性”
西方绘画:
颜料属油性不透明覆盖力强适合细部作画颜色耐光持久
中国绘画:
颜料属水性透明覆盖力弱颜色遇强光易褪色
画材的差异直接影响了表现效果的不同
马蒂斯法国著名画家野兽派创事人和主要代表人物雕塑家版画家色彩鲜明大胆
第二课
page1关于中国画
中国画体现了中华民族的文化价值观,审美观以及独特的思维方式与艺术创作方法。
古代称为丹青后称中国画简称国画
西洋画根植雕塑与建筑中国画根植文学和书法西洋画注重立体感、空间感科学性和工艺性,中国画注重意境、情感、笔墨
page2中国绘画的艺术特征
绘画六法:
气韵生动、骨法用笔
应物象形、随类赋彩
经营位置、传移模写
(南齐谢)
诗书画印融为一体独具一格
独特的绘画工具:
笔墨纸砚
page3:
中国绘画的美术准则
气韵生动
“气韵”指画面形象的精神气质达到神似就能气韵生动,也就是所谓的形神兼备,若无气韵,即无生命(齐白石牡丹)
骨法用笔
应物象形:
是指造型要以客观事物为依据,正确地、真实地有感受地表现出艺术形象。
随类赋彩:
是指模糊不同对象,准确的涂色,同时要在形象上赋予概括性的色彩表现。
经营位置:
又称构图章法布局等,是指构图设计要有选择取舍组织安排地缜密思考。
北宋王希孟千里江山图
书法《兰亭序》晋代王羲之
动物《五牛图》唐代韩滉
人物《韩熙载夜宴图》五代顾闳中
风景《清明上河图》北宋张择端
《富春山居图》元朝黄公望
写意《蛙声十里出山泉》清代齐白石
•中西方绘画艺术比较
•西方美术:
西方绘画注重写实,以透视和明暗方法表现物象的体积、质感和空间感,并要求物体在一定光源照射下呈现出色彩效果。
•中国美术:
中国画在古代一般称之为丹青,主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。
这种画种被称为“中国画”。
中国画追求神似,以线条作为主要造型手段,颜色以墨色为主,构图多采用散点透视法,画面讲究留白,因此有时候可把背景和细节省略掉。
•中国美术
•中国绘画“六法”:
气韵生动、骨法用笔、应物象形、
随类赋彩、经营位置、传移模写。
•工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、砚台、宣纸、绢等。
•题材可分人物、山水、花鸟等。
•内容和艺术创作上,体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
王羲之(东晋书法家):
《兰亭序》
《兰亭序》结体欹侧多姿,错落有致,千变万化,曲尽其态,帖中二十个“之”字皆别具姿态,无一雷同。
用笔以中锋立骨,侧笔取妍,有时藏蕴含蓄,有时锋芒毕露。
尤其是章法,从头至尾,笔意顾盼,朝向偃仰,疏朗通透,形断意连,气韵生动,风神潇洒,所以明末董其昌在《画禅室随笔》中说:
“右军《兰亭序》章法古今第一,其字皆映带而生,或大或小,随手所出,皆入法则,所以为神品也。
”最难能可贵的是,从《兰亭序》那“不激不厉”的风格中,蕴藏着作者圆熟的笔墨技巧、深厚的传统功力、广博的文化素养和高尚的艺术情操。
《兰亭序》又名《兰亭宴集序》、《兰亭集序》、《临河序》、《禊序》和《禊贴》行书法帖。
东晋穆帝永和九年(公元353年)三月三日,王羲之与谢安、孙绰等四十一人,在山阴(今浙江绍兴)兰亭“修禊”,会上各人做诗,王羲之为他们的诗写的序文手稿。
《兰亭序》中记叙兰亭周围山水之美和聚会的欢乐之情,抒发作者好景不长,生死无常的感慨。
法帖相传之本,共二十八行,三百二十四字,章法、结构、笔法都很完美,是他中年时的得意之作。
韩滉(唐代画家):
《五牛图》
韩滉所画的五头牛,不仅形似,而且形态各异,各具特征,肥瘦有别,牛色互异,笔法简朴,曲尽其妙,真是神妙之笔。
这画虽为长卷形式,但所画牛却各有独立,除了一丛荆棘之外,别无景物。
这幅画在用色上很有特点的;现实的黄牛,品种虽多,但色相变化不多,图中三头黄色,两头深褐色基本是最典型的毛色,全画虽然只用两种颜色,给人的感觉却是丰富多彩的。
作品令人回味无穷,整个画面,用笔粗放中带有凝重,显示出农村古朴的风俗。
顾闳中(五代画家):
《韩熙载夜宴图》P72
精湛的艺术手法全画工整精细,墨线流畅准确,柔中有刚。
人物须眉勾染结合、蓬松自然,人物衣纹组织得严整又简练,对器物的描写真实感强。
画卷每段以屏风巧妙隔开,前后相连又各自独立,图中有许多独具匠心的构思,体现了作者敏锐细腻的观察力和纯熟畅达的表现力。
从全图的结构上看,画家分别利用三件大的立屏将画面分为四个部分,作者巧妙的利用每部分斜置的榻、几案、屏风等物件的对称布局来表现,体现出空间深度感和各部分的划分。
五个部分既自成一画又相连成卷,宴会的过程及兴致之极的场景跃然纸上,根据宴会的顺序可知五段分别为听乐、观舞、歇息、清吹和散宴。
五个部分精密相连使得《韩熙载夜宴图》不仅仅是单纯的图绘,而是整合了视觉形象和文本两部分于一体之中,描述了韩熙载夜宴宾客的纵情声色、寻欢作乐的场景。
在各个场面中人物都各具情态,与身份、性格十分相符,画师顾闳中巨细入微的观察,潜心默识的记忆与描摹精湛的画艺。
2.2服饰与道具色彩多变,华而不俗。
惟妙惟肖的人物和家具描绘,这幅图卷最令人叹赏的还有绚丽而清雅的色彩,此画设色浓丽,绚丽动人。
敷色丰富、和谐,仕女的素妆艳服与男宾的青黑色衣衫,几案坐榻等深色家具沉厚古雅,仕女裙衫、帘幕、帐幔与枕席上的图案又绚烂多采,不同色彩对比参差,交相辉映,使整体色调绚中出素,艳而不俗。
有江南偏安的贵族生活的高华艳美,又反映出主人家清丽素馨的格调。
色调错综变幻中还烘托出了夜宴欢场上的放纵忘情与颓废之美。
张择端(北宋画家):
《清明上河图》
《清明上河图》以北宋都城汴梁的汴河两岸清明时节景象为题材,表现了北宋末年承平日久、繁荣昌盛的社会生活。
全图采用全景式构图,以自然景观作为分隔,大致可分为郊野、汴河、街市三大段。
首段描绘郊外田野风情,人烟稀少,小桥流水,商旅行于村道之上;随着巨大漕船和虹桥的出现,人物活动渐次丰富,房舍街道鳞次栉比,拥挤的人流、五行八作的细致描摹则使画面达到了高峰;随着汴河在画面上的消失,全卷进入了城市的繁华街巷,但画面所表达出的情绪已渐趋平稳、静谧,进入城门不久,全卷便戛然而止。
画卷犹如一首优美的交响曲,起伏跌宕,动静结合,长而不冗,实为作者长期深入生活而最终形之于笔墨的艺术结晶。
此图最为珍贵之处在于它详尽地记录了当时的真情实景,与文献记载大多相符。
黄公望(元代画家):
《富春山居图》80
黄公望在作这幅画时极注意层次感,前山后山的关系,改变了传统屏风似的排列,而是由近而远地自然消失。
他并不夸张虚境和实境的对比,而是在虚实之间用微妙的过渡层次加以渲染。
画中的树木尽管未作细致的刻画,但不同树木的质感和空间对比都表现得极为充分,连作为点缀的草亭人物,也都描绘得生动严谨,比例合度。
画面仅用水墨渲染,但深浅浓淡搭配的极为合理,不用的水墨在宣纸上转化为无穷的“色彩,使画面空白具有真实的空间感,给人以挥洒奔放,一气呵成的深刻印象。
若明若暗的墨色,经过这位大师的巧妙处理,超越了随类赋彩的传统观念,自然地笼罩在景物之上,化为一种明媚的氛围,令人产生亲切之感,充分反映了黄公望对客观外界和主观感受的高度尊重。
黄公望在画中追求“诗中有画,画中有诗”的深远意境,又注重绘画本身的笔墨意趣。
在黄公望看来,绘画之美并不仅仅在描绘自然景色,更重要的是笔墨本身所体现的美,所传达出的画家的主官感受、气势和意趣。
齐白石(近代画家):
《虾》、《蛙声十里出山泉》
齐白石画虾可说是画坛一绝,灵动活泼,栩栩如生,神韵充盈,用淡墨掷笔,绘成躯体,浸润之色,更显虾体晶莹剔透之感。
以浓墨竖点为睛,横写为脑,落墨成金,笔笔传神。
细笔写须、爪、大螯,刚柔并济、凝练传神,显示了画家高妙的书法功力。
画家写虾,来自生活,却超越生活,大胆概括简化,更得传神妙笔。
《蛙声十里出山泉》的创作中,并非仅仅将对象的外形在画面上进行惟妙惟肖的再现,而是紧紧的抓住对象的性格,把它反映出来,即写物的神。
画面中山川、河流、蝌蚪无不生动鲜活。
而齐白石先生着重的是通过画面本身的生动。
显然齐白石先生是经过了深入的、准确的分析,所以对于所画的对象就能够非常熟悉,充分地体会和掌握对象的特殊本质及其特征,作画的时候,把自己的思想感情,融入到表现的对象中去,迁想妙得,提笔一挥,才能够把对象的形和神真实生动的表现出来。
《蛙声十里出山泉》的画面上,留有大块的空白,即天和水的地方不着墨色,留出白纸。
这样的表现使画面虚实相生,使主体更加突出,更加富有层次,布局更加合理。
画面却给人一种立体感和真实感。
山峦由近及远,河流由远及近,仿佛蛙声也从远处传来,让人如身临其境。
由于齐白石对“时”、“空”领域的熟练掌握,才在画面上表现那样胜似闲庭信步。
[6]
古希腊美术
古希腊雕:
《掷铁饼者》
掷铁饼者雕像,被公认为体育运动和健美体魄的象征,这是雕刻家从实际生活中观察得来的真实形象,有可能是表彰一位运动健将或竞技得奖者。
雕刻家集中注意表现出在精神上与肉体上都是坚强有力的,美的人物。
雕刻家以敏锐的观察抓住了掷铁饼者最用力的一瞬间动作,这是一个典型的瞬间。
尽管在形体上是紧张的,可是整个雕像却给人以沉着平稳的感觉。
大家可以来看一下这位运动员的动态,这位年轻的运动员有弹性似的弯着腰,同时用脚安稳地站在地上,把拿着铁饼的手伸向后方。
而只要一瞬间,他那像弹簧似的形体就会立即伸直,而铁饼将从他手中飞向远方。
这座雕像的构图,把复杂矛盾的动作归结成为数不多的鲜明生动的富有说服力的姿态,这些姿态给予人以一种集中、全神贯注的感觉,尤见作者匠心的是,他出色地概括了掷铁饼这一运动的整个连续过程,表现了一种和谐理想的动态美。
掷铁饼者张开的双臂像拉满的弓,使人产生一种发射的联想。
张开的双肩和扁担似的手臂很对称,这里可以看出古典时期的雕刻喜欢用正面律。
同时掷铁饼者两只手臂的线条和他拖在后边的左大腿的线条联合形成了一个半圆形,其轮廓如同一只拉开的弓,腿和手臂联成一个图案,身体各部分的结构也体现一种肯定和稳固性。
紧贴地面的右腿如同一个轴心,使曲折的身体保持稳定。
他的大腿和躯干在上边形成了两个彼此相等的对角线。
铁饼和人头的两个圆形,左右呼应,雕刻家在一个固定的姿态的空间上表现着时间性,整个艺术形象健美而动人
•
《米洛斯的维纳斯》(《断臂的维纳斯》)46
这座雕像体现了女性的温柔、美丽和青春的魅力,是希腊人体美艺术的杰作。
雕像给人的印象是庄重典雅,又体态大方,她名为神却又有人间烟火味。
她的模样是典型的希腊妇女形象:
鼻如悬胆,椭圆的脸,窄额和丰满的下巴。
安祥的眼神和觉察不出肃穆的笑,给人矜持而高雅的感觉。
左脚略向前弯,造成身体两侧优美的曲线。
下身披着裙罗,衣纹的线条体现出一处含蓄的美。
《胜利女神像》
胜利女神的头和手臂都已丢失,但仍被认为是古希腊雕塑的杰作,不论从哪个角度,观赏者都能看到和感受到胜利女神展翅欲飞的雄姿。
她上身略向前倾,那健壮丰腴、姿态优美的身躯,高高飞扬的雄健而硕大的羽翼,都充分体现出了胜利者的雄姿和欢乎凯旋的激情。
海风似乎正从她的正面吹过来,薄薄的衣衫隐隐显露出女神那丰满而富有弹性的身躯,衣裙的质感和衣褶纹路的雕刻令人叹为观止。
向后飘扬的衣角和展开的双翅构成了极其流畅的线条,腿和双翼的波浪线则构成一个钝角三角形,加强了前进的态势。
两支张开的翅膀和轻盈飞扬的衣裙,让人感到女神在空中腾飞,有着一种强烈的运动感。
丰满躯体在薄衫下透露出力量和健康,表现了胜利和与之而来的喜悦。
三、欧洲文艺复兴时期美术
乔托:
先驱者,被誉为“欧洲绘画之父”《逃亡埃及》、《犹大之吻》
《犹大的吻》是乔托最有代表性的圣经历史画杰作之一。
画面上表现的是犹大带领了一队兵马,还有祭司长和法利赛人的差役,直奔耶稣,要与他亲吻。
画面上耶稣双目盯紧犹大,满眼怒火;犹大则十分紧张。
四周则充满着骚动,气氛极其悲壮。
这幅画虽然是圣经故事,但从生活的光明和黑暗两个方面表现了一个真实的人的形象,表现了正义与邪恶的搏斗。
整个画的光线、色彩、构图都集中在中心人物形象上,犹大的黄色大氅明亮而醒目。
全画用重色调,上部深蓝,下部褐色,造成一种沉重的黑暗感,以渲染这种斗争的紧张气氛。
画家用画笔赞颂了光明、正义的化身——耶稣,鞭挞、揭露了黑暗、邪恶和丑的化身——犹大。
马萨乔:
《圣三位一体》
意大利文艺复兴绘画的奠基人,被称为”现实主义开荒者“。
他的壁画是人文主义一个最早的里程碑,是第一位使用透视法的画家,在他的画中首次引入了灭点。
达·芬奇:
《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》
列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇(LeonardoDiSerpieroDaVinci),儒略历1452年4月15日(公历1452年4月23日)~1519年5月2日,享年67岁。
欧洲文艺复兴时期的天才科学家、发明家、画家。
现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”,是人类历史上绝无仅有的全才,
拉斐尔:
《椅中圣母》、《雅典学院》
拉斐尔·桑西(1483——1520),原名拉法埃洛·圣乔奥,意大利著名画家,也是“文艺复兴后三杰”中最年轻的一位,代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的巅峰。
他的性情平和、文雅,创作了大量的圣母像,他的作品充分体现了安宁、协调、和谐、对称以及完美和恬静的秩序。
拉斐尔尤好塑造温柔秀美的圣母圣婴形象。
在文艺复兴艺坛之三杰当中,达·芬奇的艺术作品可谓精巧含蓄、恬静和谐,米开朗琪罗的艺术作品是雄伟壮丽、充满动感,而拉斐尔的艺术作品则是典雅和谐、秀美诱人。
由此,后人评论说,拉斐尔的绘画则象征着理想,而拉斐尔是美的化身。
米开朗基罗:
《大卫》、《创世纪》、《最后的审判》
1498年,年仅23岁的米开朗基罗开始为罗马圣彼得大教堂创作大理石群雕像《哀悼基督》,两年后即告完成。
作品取材于圣经故事:
耶稣基督被钉死在十字架上后,圣母玛丽亚抱着死去的儿子无比悲痛。
米开朗基罗却将圣母刻画成一个年轻、貌美、恬静、典雅的少妇,她默默地俯视着死去的儿子,沉思、哀悼,耶稣静静地躺在圣母膝上,面部表情安祥。
整座雕像沉浸在肃穆气氛中,并洋溢着人类最伟大的母爱情感。
它已大大超出了题材的限制,将生与死、痛苦与慈爱化为一体,和谐统一,赞美了人的崇高理想和优秀品质。
作品一问世,立即引起轰动,人们不相信它出自一个年轻人之手,为此,米开朗基罗将自己的名字刻在了雕像中圣母胸前的衣带上,这是他一生中唯一署名的作品。
1501年,26岁的米开朗基罗开始创作他另一举世闻名的杰作——《大卫》。
历时三年,他用一整块大理石雕塑出的《大卫》总高达5.5米。
米开朗基罗与前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景不同,而是选择了大卫迎接战斗时的场景。
艺术家生动地塑造了一个为事业斗争的英雄形象:
年轻、英俊、健壮、神态坚定自若,左手上举,握住搭在肩上的“抛石带”,右手下垂,似将握拳,头部微俯,直视前方,准备投入战斗。
508年,教皇朱利奥二世要求米开朗基罗为梵蒂冈西斯廷教堂绘制穹顶画。
米开朗基罗本来不愿从命,但他一旦接受就追求完美,决不“亵渎”艺术。
历经四年零五个月的时间,完成了传世巨作穹顶画《创世纪》。
《创世纪》取材于《旧约全书・创始纪》,整幅作品511平方米,中心画面由《创造亚当》、《创造夏娃》、《逐出伊甸园》等9个场面组成,大画面的四周画有先知和其他有关的故事,共绘了343个人物,其中有100多个比真人大两倍的巨人形象,他们极富立体感和重量感。
整幅画通过人与人及人与自然间的关系,歌颂人的创造力及人体美和精神美。
米开朗基罗一个人躺在18米高的天花板下的架子上,以超人的毅力夜以继日地工作,当整个作品完成时,37岁的米开朗基罗已累得像个老者。
由于长期仰视,头和眼睛不能低下,连读信都要举到头顶。
他用健康和生命的代价完成的《创世纪》,为后人留下的不仅是不朽的艺术品,还有他那种为艺术而献身的精神。
24年后,米开朗基罗又应教皇克莱门七世之约,在西斯廷教堂祭坛正面墙上绘制了另一撼人心魄的巨幅壁画《末日审判》。
米开朗基罗独自一人顽强地工作了将近6年,在220平方米的画面上绘出约四百个人物。
在画中央,基督正气凛然,高举右手,即将发出最后的判决。
米开朗基罗还把一位教皇画到将被判罪去接受地狱煎熬的一群人中。
基督左脚下一个圣徒右手持刀,左手提着一张人皮,而这张人皮的面孔正是画家本人的脸,其表情痛苦、愤怒,表现了米开兰基罗正经历着精神与信仰危机的折磨和对现实社会的不满,并借《末日审判》痛快淋漓地发泄了对人间丑恶的鞭挞。
扬·凡·爱克:
《阿尔诺芬尼夫妇像》
《乔凡尼·阿尔诺芬尼夫妇像》在美术史上堪称卓越超凡。
不过,这样一件名作原本并不象我们许多人在试图给它下定义时认为的那样,是一幅肖像画,或者是一件风俗画之类的作品。
阿尔诺芬尼是在1420年被菲利普公爵封为骑士的真实人物。
画家真实地描绘了典型的资产者形象,不仅再现夫妇的外貌和个性特征,而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘,显示了画家特殊的造型才能。
《乔凡尼·阿尔诺芬尼夫妇肖像》中的人物手势动作、环境道具都有民俗的含义,十分有趣:
阿尔诺芬尼夫妇的手势表示互相的忠贞,托着妻子的手表示丈夫要永远养活妻子;而妻子手心向上表明要永远忠于丈夫。
华贵衣饰表明人物的富有;画面上方悬挂的吊灯点着一支蜡烛,意为通向天堂的光明;画的下角置一双拖鞋表示结婚,脚边的小狗表示忠诚,女子的白头巾表示贞洁、处女,绿色代表生育,床上的红颜色象征性和谐,窗台上的苹果代表平安,墙上的念珠代表虔诚,刷帚意味着纯洁;画面中间带角边的圆镜代表天堂之意。
所有这些象征物既有基督教的信仰,又有世俗的观念,画家都一一收入画中,作了极为细致的描绘。
在人物中间的墙上挂着一面镜子,镜框带有10个突出的朵状方形,每个方形内又置一个小圆形,每个圆形内画一幅耶稣的故事画,图像细小到难以识别。
中心圆镜内反射出整个房间的景物。
这种精微工整细腻的油画世界罕见,也只有在尼德兰的细密画中可以见到。
据说这种精微的描绘连现代摄影家都为之惊叹,使用镜子反射来扩大画面的空间,是这幅杰作的又一特色,这些艺术特色对后来荷兰的风俗画有很大的影响和启示。
波提切利:
《维纳斯的诞生》、《春》
桑德罗·波提切利(SandroBotticelli;AlessandroFilipepi,1445—1510)是15世纪末佛罗伦萨的著名画家,欧洲文艺复兴早期佛罗伦萨画派的最后一位画家。
他画的圣母子像非常出名。
受尼德兰肖像画的影响,波提切利又是意大利肖像画的先驱者
《春》波提切利笔下的维纳斯是代表生命之源的女神。
画面右上方是风神,他拥抱着春神,春神又拥着花神,被鲜花装点的花神向大地撒着鲜花;画面中间立着女神维纳斯,在她头顶处飞翔着手执爱情之箭的小爱神丘比特;维纳斯的右手边是三美神手拉手翩翩起舞,她们分别象征“华美”、“贞淑”和“欢悦”,给人间带来生命的欢乐;画面的左方是主神宙斯特使墨丘利,他有一双飞毛腿,手执伏着双蛇的和平之杖,他的手势所到,即刻驱散冬天的阴霾,春天降临大地,百花齐放,万木争荣。
这是一幅描绘大地回春,欢乐愉快的主题。
然而,画中人物的情态,画面并无欢乐之气氛,像春天里吹来一阵西北风,笼罩着一层春寒和哀愁;若有所思的维纳斯,旁若无人,进入自己的内心世界;三美神的舞姿似乎是受命起舞,颇有逢场作戏的感觉,令观赏者不解。
《维纳斯的诞生》诗中描述维纳斯从爱琴海中诞生,风神把她吹送到幽静冷落的岸边,而春神芙罗娜用繁星织成的锦衣在岸边迎接她,身后是无垠的碧海蓝天,维纳斯忧郁惆怅地立在象征她诞生之源的贝壳上,体态显得娇弱无力,对迎接她的时辰女神和这个世界毫无激情,不屑一顾。
四、17世纪巴洛克时期美术
卡拉瓦乔:
《圣母之死》
伦勃朗:
《杜普教授的解剖学课》、《夜巡》
鲁本斯:
《美惠三女神》
由于鲁本斯所处的上流社会环境,迎合上层贵族的审美要求,所以他笔下的人物,尤其是妇女几乎都是贵妇人,体态胖肥,皮肤细嫩,骚首弄姿,扭捏作态,而男子都是浪荡公子一类
维米尔:
约翰内斯·维米尔(JohannesVermeer,1632—1675)荷兰最伟大的画家之一,被看作“荷兰小画派”的代表画家。
但却被人遗忘了长达两个世纪之久。
维米尔的作品大多是风俗题材的绘画,基本上取材于市民平常的生活。
《倒牛奶的女仆》、《戴珍珠耳环的少女》
五、18世纪洛可可时期美术
华托:
法国18世纪洛可可时期最重要的也最有影响力的一位画家。
他画了大量带有喜剧色彩的作品,而且还发明了一种浓郁的富有哲理的爱,而且都有背景相衬托
《舟发西苔岛》、《热尔尚画店》
《舟发西苔岛》画中描绘了一群贵族男女,梦寐以求地幻想有一个无忧无虑的爱情乐园,而西泰尔岛正是希腊神话中爱神与诗神游乐的美丽小岛,于是华托就尽情描绘一群贵族男女结伴乘船前往西泰尔岛去寻求幸福。
人物组合的各个细节很有生活情趣。
画家以写实的前景和人物与抽象的虚无飘渺的远方景色,构成一幅世外桃园式的、只有欢乐与爱情共存的幻境。
这里的构图是一个充满诱惑的景色,人物组合的情节与整个大自然都充满诗意,人们称
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