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艺术概论参考资料
《艺术概论》课程复习参考资料
名词
1.蒙太奇一词来自法文,是建筑学中的一个名词的译音,是装配和结构的意思,借用到影视中来就是实现画面、镜头、声音等电影元素的艺术组接,是影视艺术特有的重要表现手段,包括心理蒙太奇、隐喻蒙太奇、对比蒙太奇、叙述性蒙太奇、平行性蒙太奇、交叉蒙太奇、表现蒙太奇、连续蒙太奇、重复蒙太奇等种类。
蒙太奇以人们的联想和理解能力为依据,运用画面的分切与组合,能动的揭示对象的内在联系和意义。
2.匠气是指艺术作品中只有呆板、空洞的激发而缺乏情感灵魂的那种庸人习气,能工巧匠是否成为艺术家,其思想内涵起着决定性作用。
3.灵感是一种独特的思维活动,它长期潜伏于艺术家潜意识之中。
在某种机缘下,“灵感”成为创造性高潮到来的信号,成为精神高度集中自由观照的闪光。
这时一种直觉式的顿悟,是一种突然发现的心灵奇迹。
我们承认“灵感”的存在,不等于把“灵感”绝对化以至否认理性活动在创作过程中的重要作用。
4.心理距离说是一种解释美感的概念,它意指美感的产生,是来自于观赏者主观感知与艺术品之间的心理距离。
此概念源自于20世纪初对美学的研究,之后也受到了国际贸易研究所援引。
5.三一律是法国古典主义戏剧(尤其是悲剧)必须遵守的创作法则。
其具体内容是:
“要用一地、一天内完成的一个故事,从开头直到末尾维持着舞台充实。
”
6.意象我们认为,“意象”是有“意”的形象和有“象”的意念的统一。
意指的是艺术家的思想感情和创作意图,象是具体生活中可以传达意的物象。
意象并不是意与象的简单结合。
而是二者经过艺术家的精神加工之后的产物。
7.巫术说是认为艺术起源于原始氏族的巫术活动,这曾是西方有关艺术起源的最有影响的一种理论。
首创这一理论的是英国著名人类学家爱德华·泰勒。
弗雷泽是这一理论的另一重要代表人物。
8第四堵墙这是个著名的戏剧术语,是说舞台正面——面对观众的一面,“第四堵墙”——“存在——不存在”的原则。
9.再现论是表述艺术创作过程中,艺术家内部主观世界和外部客观世界相互关系的理论。
10.审美共鸣是分享着对方的情感,我们的心理状态与对象的“纯全内美和谐结构”同构,进入审美经验的高潮——心境共鸣。
简答
1.艺术与道德的关系?
艺术与道德的关系是十分密切的。
这首先是因为艺术以人和人的生活作为自己描写和表现的对象,其中就包括人的道德品行。
而当描写和表现人的道德面貌时,艺术家又不免要做出自己的道德评价。
但是道德内容并非任何艺术作品中都必须具有的。
对艺术与道德的关系有两种截然对立的观点。
一种忽视艺术与道德的本质区别,认为善就是美,把艺术仅仅看做是道德教育的一种手段。
而另一种则是强调艺术与道德无关,认为二者不能并存,甚至互相否定。
2.艺术与宗教的关系?
艺术与宗教在原始艺术中就紧紧联系在一起。
但是宗教和艺术在本质上却是异质的,而艺术则是人的自由本质的确证。
3.艺术与科学的关系?
科学是人类探索自然和社会奥秘的手段,是求真的学问,它在许多方面与艺术截然不同。
艺术与科学的对象和目的不同,因此虽然二者都揭示真理,却不能互相取代,而是互相补充。
艺术中的认识因素在文学领域比较突出,而在建筑、装饰艺术等领域则很少。
4简述艺术美的特征?
艺术美的特征有以下几点:
1审美性特征2形象性特征3情感性特征
5.为什么说创新是艺术家的使命?
是因为创新是社会生活演进的客观要求,是艺术欣赏者审美需求变化决定的,是一个艺术家的价值体现所在。
6.简述艺术欣赏与艺术创作的关系?
艺术的欣赏相对于艺术的创作,既有联系又有区别;极有共通性又有差异性。
其区别和差异性不仅表现在艺术欣赏的创造性首先是凭借艺术作品而发生,所以被称之为“再创造”;其次也表现在艺术欣赏这种再度创造的程序和艺术创作本身的创造程序是相对应又相背反的。
7.艺术是有意味的形式?
艺术创作过程中,任何类型的艺术创作只要具备相应的必要的构成元素,实现为一个独立的艺术世界,那么,其间有着一个共同的审美特性,就是“有意味的形式”。
“有意味的形式”是艺术生命力的特质潜在的、集中的、高层次的体现。
8.简述艺术欣赏与艺术批评的关系?
艺术批评被称为“运动着的美学”。
艺术批评余创作、欣赏活动的联系,比起美学与它们的联系更为直接。
艺术批评的范围极广,它的主要指向之一是在作品、在艺术欣赏。
它通过对艺术作品的描述、阐释、鉴赏、分析和评价,作用于欣赏活动,从而促进社会性美育。
艺术批评在艺术品和艺术欣赏之间架起一座桥梁。
9.概括四条艺术世界通道的特征?
1在线的、具象化、情理平衡的艺术世界
2自然的、意象化、情景交融的艺术世界
3表现得、抽象化、唯情的艺术世界
4构成的、几何化、唯理的艺术世界
论述
1.试述表现论及表现性艺术?
表现论和再现论相对应或相反对,也是表述艺术创作中内部主观世界和外部客观世界相互关系的理论。
一般将那种侧重于对内部主观世界的表现,通过内部主观世界间接获取的表达外部客观世界的艺术理论、艺术创作统称为表现论及表现性艺术。
表现论又有着众多不同的派别和主张。
例如:
作家托尔斯泰强调艺术表现情感;雕刻家罗丹强调艺术表现灵魂、思想、情感与性格。
表现性艺术,重视主体意识、重视创造个性,重视有意味的形式,在20世纪人类审美领域的开拓方面有它的积极作用和贡献。
表现性艺术,在20世纪初的“象征派”诗歌中有杰出创造,并起了先锋作用。
它的象征、暗示、隐喻、等新理念、新手法更有利于表现人物内在的、复杂的心理活动;也更有利于传达艺术家自己强烈的内心情感和激情。
这就进一步为现代的表现性文学艺术叩响了启悟之门。
而当代有影响的美学家如苏珊·朗格则强调艺术形式和情感表现的关系,提出“艺术是情感的符号”这个具有理论魅力的新命题。
科林伍德直接宣称“艺术是情感的表现”,对艺术形式本身看的并不那样重要。
弗洛伊德的表现论学说,以他的心理分析学为基础,专门从潜意识和性爱心理学角度阐发艺术表现过程。
西方近、现代种种艺术表现论反对客观现实内容,对现代主义艺术创作发生巨大影响。
如象征主义、表现主义、抽象主义等,把艺术表现论和表现性创作推向了极致。
在研究表现论和表现性艺术创作时,我们认识上有一条隐约划分东方艺术和西方艺术的纵直线和另一条隐约划分古典艺术和现代艺术的横平线构成十字分向交叉关系;纵直线的划分表明东方艺术是重表现的;西方艺术是重再现的。
东方人的表现观不同于西方。
源于古东方的精神世界浑朴而静观,东方的思维方式带有神秘的直觉性、感悟性。
这种视为方式的特点和长时间形成的民族文化心理,构成与西方不同的美学体系、艺术体系。
西方美学和艺术体系长时间一再现论和再现性艺术占主导地位。
古希腊、文艺复兴、19世纪俄罗斯是西方再现性艺术的三座高峰。
欧洲戏剧的史诗性内容、结构、角色性格、场景以其再现性特点与中国戏曲的表现性迥异。
19世纪30年代席卷欧洲的浪漫主义运动,一方面揭起了艺术自身要求主观情感表现和理想化的旗帜,一方面预示了体现西方人表现观的西方现代艺术的诞生。
塞尚是站在西方艺术由古典转向现代,由“再现”转向“表现”那条横平线上的第一人。
和塞尚并立的还有凡·高、高更。
他们三人成为了西方现代艺术3种潮流的先驱。
缘起于法国的立体主义,以德国为中心的表现主义,各种形式的原始主义,分别从塞尚,凡·高、高更的艺术里找到了兴起的源头和踪迹。
2.试论艺术作品的意蕴?
英国艺术评论家克莱夫·贝尔在其艺术理论名著——《艺术》一书中认为,只有能够激起人们审美感情的才能称为艺术作品,而激起这种审美情感的是艺术作品中的“线条和色彩构成的关系和组合”;当一定的艺术因素—如音乐的旋律,节奏、绘画中的线条、色彩等按照特定的艺术方法构成特定的形式,从而表达了事物某种本质,同时有传达了与它相交融合的审美体验、审美胸襟时,这种形式就能够感动人,就是能够引发人们的审美情感,这时的形式就有了“意味”的,即特定的含义。
这是艺术作品显现的审美特质是艺术家主体精神与客观美的本质相交融的结果。
因此,真正感动人的是艺术创作意图与形式因素共同构成的“有意味的形式”。
“意味”与平时说的主题、思想内容区分开来。
意味是内容与形式之间更为深层的构成因素,是作品内容和形式因表达过程中形成的高度协调而产生格外的魅力。
我国艺术理论体系对艺术作品的意蕴非常重视,历代艺术家对意蕴的表达都有着不懈追求。
唐代著名理论家司空图认为诗歌有“象外之象,景外之景,韵外之致,味外之旨”,充分说明了艺术意蕴所具有的特征。
这里的艺术意蕴与“意境”的含义基本相同。
在艺术家作品中意象在内容与形式情与景、意与境的完美结合中产生了意境,也是属于艺术意蕴的范畴。
“意境”就是情与景的交融,是艺术作品内容与形式相互交融而达到的一种审美境界。
艺术意蕴其实就是指在艺术作品呈现的客观存在于有线中体现出的一种无限,常常是只可意会不可言传,只可接近而不能穷尽的一种感受。
为了得到艺术作品的意蕴,欣赏者必须更深入、更全面地领悟作品传达出的意味,这就是所谓的“妙悟”。
这是因为艺术作品的意蕴是深层次的,有时甚至是具有多义性和模糊性的,比起作品主题来说,它是一种更加富有哲理和诗情的境界,它有时甚至是出乎艺术家本身意料的一种创造。
对于欣赏着而言,其理解更是因人而异,这就和欣赏者的个人素质、修养与经历密切关系了。
艺术意蕴不是艺术杰作的某一局部产生,只要对整个作品细心领悟和体味才能把握其要旨。
是艺术作品中内容和形式的高度统一而产生的韵味,它超越了特定艺术作品题材和主题,超越了历史和时空,传达出深刻的人生哲理和思想内涵,它需要艺术家、更需要艺术接受者用自己的全部心灵去进行创造性的发现、探究和领悟,它也是艺术杰作之所以不朽的原因。
3.试析艺术语言的功能?
艺术语言作为塑造艺术形象,传达创作意图的手段和媒介,在艺术作品中有两个重要功能:
一是塑造艺术形象,传达作品内容,二是具有独立的审美功能。
艺术语言是构成艺术作品的要素之一,它的主要作用就是塑造艺术形象、传达作品内容。
一座建筑、一幅绘画、一件雕塑、一支乐曲、一支舞蹈、一个戏剧作品中都有艺术语言创造出的艺术形象。
在塑造艺术形象的过程中,艺术语言的选择和运用必须与作品的题材和主题需要相符合、相协调。
就是说艺术语言要受作品内容的制约,只有准确、生动的表现了作品的思想内容,艺术语言才会有生命力。
不同的作品内容必然要用不同的语言表达出来,这就是“言为心声”。
贝多芬作品的艺术语言雄壮有力、热情奔放,是取决于他的作品的主题需要。
当时处于上升时期的资产阶级正同旧的封建反动势力进行一场生死搏斗,贝多芬本人也是正在同不幸的命运展开不息的抗争,他有坚强的意志和火一样的激情,就决不能用缠绵的语言来倾吐;柴可夫斯基作品的艺术语言多为低沉、悲凉、感情的抒发在令人窒息的高压气氛下显得更加压抑,内心在颤抖、哭泣,这正是取决于作品的内容需要,是俄罗斯广大群众在沙皇残酷统治下的痛苦呻吟的真实写照,这都表明艺术作品的语言必须受其内容的制约,表明了注重艺术语言的运用,必须植根在内容的坚实土地上。
作品内容对艺术语言的制约,并不意味着否定艺术语言的相对独立的审美功能。
内容是主导的,形式也不应是完全消极被动的。
再好的内容,尽管作者有良好的表现意图,如果艺术语言粗糙低劣,缺乏感染力和审美特征。
绘画凭借美丽的色彩、音乐凭借优美的旋律、舞者凭借轻盈的身姿等就会让欣赏者陶醉其中,可见艺术语言具有独立的审美功能,艺术语言本身就有着强烈的审美特征。
艺术语言的审美功能使其物质特性使然,它直接作用于人类的感官引起审美感受,在抽象和表现性的艺术中尤其明显。
音乐中一支乐曲的旋律可以直扣人的心扉,即使年深日久人们对于原乐曲内容已经没有记忆,但一旦旋律响起仍能使人怦然心动。
正如瑞士心理学家荣格的“集体无意识”说分析的那样,这种美感并不是纯粹刺激感官而产生的,而是人类长期历史发展中沉淀在这种形式语言中的社会观念和习惯认识,这种观念和认识与形式语言融为一体,以致人的感官能立即产生反应。
可见这种语言的审美本质内涵仍然来自于其代表的人类的审美经验。
从功能的分析可以看出艺术语言在艺术作品中的重要性。
所以,对艺术语言的丰富性、物质特性、美学特征的研究并熟练地掌握和成功运用艺术语言就成为摆在各门类艺术家面前重要的课题。
正确地认识艺术门类的多样性与统一性,理解艺术语言的功能,将会有助于艺术家掌握艺术创作的深层规律,更能使艺术欣赏者渗入的领略艺术作品的内涵美与形式美。
4.试论自然论及中国艺术的精神
中国艺术理论是和中国美学体系相联系的,是中国美学体系中的分支,或者说是子系统。
中国古代美学——包括绘画美学、音乐美学等有着丰富深刻的理论,有着众多的学派说,而总的艺术精神的核心,可归结到自然论,也由此形成中国艺术的美学特点。
西方古典美学,把自然看作是艺术的对象,“人”则是自然最高的造物,又是自然宇宙的中心,中国古典美学崇尚自然山川,把自然山川之美看作造化之灵,人是自然的一部分。
西汉霍去病墓的建立和西方维纳斯的创作差不多同一纪年,這一巨型纪念碑式的雕刻,以伏虎、跃马、卧象、立马等浑然天成的造型,拓展出广阔山野、丘陵和无极宇宙。
霍去病墓它如苍海明珠,蕴涵天地精神于其间。
自然论和中国的表现性艺术精神探究有四个方面:
天人统一观、心物统一观、神形同一观、文质统一观。
天人统一观即对人与自然关系的看法。
按照中国人的思维方式,人与自然是亲和的关系,亲子关系。
艺术家作为自然之子,将自己融入自然、浑然一体。
这种看法不同于西方的再现论,再现论把人和自然的关系摆在对立的位置上;也不同于西方的移情论,移情论把人和自然摆在并列对等的位置上。
天人统一观的源初,最早可追溯到《周易》古经,对古经的解释成书分为《易经》和《易传》总称为《周易》。
天人统一观,被历代优秀的艺术家演绎为“天人合一”的理念。
在各时代的经典作品里,特别是古建筑的杰作,高度凝聚着這一美学理念。
如北京的天坛,就是崇尚自然的中国艺术精神的象征。
天坛建筑艺术分成两组:
南面一组是祭天大坛“园丘”和园殿“皇穹宇”,北面一组是祈年殿和后殿——皇乾殿、东西配殿和前面祈年门。
两周围墙,南半呈方形,北半呈圆形,体现中国古代“天圆地方”之说。
心物统一观是心与物、审美主体意识与审美客体本质之间存在着对立和矛盾,求取对立统一,和谐处理相互矛盾的元素——这是中国艺术美学的一条规律。
“心”这个概念强调的是理性精神,其含意的某些神秘方面又接近于今人说的“第六感觉”。
“心”可以分别揭示为“心”的结构、“心”的品质和“心”的智能。
具有心灵的清、空、悟、起、平、直是精神高尚的人的特征。
缺少这种精神能力,则意味着心的结构、品质,智能的平庸。
以虚静明澈的心灵去关照、感悟大自然的美,是认识真理,达到心物统一、天人统一的最佳途径。
神形同一观是形与神的关系,是中国表现性艺术美学的一个重要命题。
在先秦至汉代,哲学上都有重要论述。
《淮南子》一书,提出“写神愈舞”。
而早在秦汉时代的艺术作品中对“写神”这一要求已有生动的实践。
例如成都出土的击鼓说书俑(东汉),显然其着力点不在身体比例的准确适度,而在说书者手舞足蹈的神情,在那被大大夸张了的动态性结构中,体现出无穷的幽默感和韵味。
神形统一的命题,以顾恺之画论为里程碑。
把握“传神写照正在阿堵”以及“悟对之通神”两点要旨,更便于揭示神形同一观这一美学命题的完全内涵。
“悟对之通神“,是顾恺之对画家进行传神写照时那种特有的精神状态的深刻体验和要求,强调了主、客体的对应关系:
“悟”与“通”,是指审美主体内心世界洞察性的感悟活动与对象客体内心世界息息相通,神交默会。
因而,这艺术的审美造物之与天然的审美对象,不是一味复制,不是简单再现,而是成就了一种精神性的熔铸、生化和超越,表现为一种不等同于对象形神合一的新质态。
文质统一观是文和质的关系,是指艺术外在美和内在美、形式美和意蕴美的关系,也是我们通常所说的内容和形式的关系。
我国古典美学把文质统一作为重要的命题。
孔子《论语》中关于“文质彬彬”的提法,是指人的修养而言。
子曰:
“质胜文则野,文胜质则史。
文质彬彬,然后君子。
”这里的“质”,是指人的内在品质。
“文”,是指人的文饰风采。
孔子认为,一个人缺乏文饰风采就粗野,一个人缺乏内在品质就虚浮。
只有“文”和“质”统一起来才可能成为一个高尚有教养的人。
孔子的文质并重、文质统一的思想,在美学史上和艺术史上影响深远。
文质统一观到了明代大戏剧家汤显祖那里,以他的“唯情论”包含的个性解放、个性自由作为人生真谛。
认为艺术应着重在内容意趣的表现,而不必着重典雅和谐。
艺术本体的生命力和价值也正是在形式美和意蕴美双向渗透、对立统一实现的。
5.你认为艺术家应具备怎样的素质?
艺术家是从事艺术创造的专门人员,艺术家具有创造性,艺术家是从事艺术创造的劳动者,这种创造活动决定了艺术家应具有的素质、能力和修养。
首先卓越的艺术素质,艺术创作是复杂的社会劳动,对人本身的艺术资质要求较高。
就像一座建筑必须建立在质地坚实的土地上,要成为艺术家必须是可造之才,艺术家是个生命个体,这个个体往往有着从事艺术活动的优越条件,具备异于常人的艺术资质。
审美感受能力和想象能力,作为艺术家要有敏锐的艺术感受能力。
审美感受能力包括敏锐、专注的观察、体验和感受现实生活的能力。
艺术家往往都是很敏感的,敏感才能细微的洞察生活;敏感才会对社会、对人生有那样深刻的感触,才会有要表达自我的欲望。
观察能力和记忆能力,艺术家对于现实生活事物具有良好的精细观察能力和形象记忆能力,就是所谓的“目识心记”的能力,经常能偶在日常生活中迅速而准确的摄取事物的各种感性具体特征,并把它们鲜明的保存在自己的记忆中,而这一切却常常为一般人所忽略。
正是因为这样,艺术家的“印象的库藏”要比非艺术家的感受丰富得多、生动得多,能为艺术形象的创造提供足够的原料。
因此,具备这种能力是艺术家的最基本的条件之一。
艺术素质与天才,在古往今来的艺术史上有一些艺术家:
其作品在各自艺术领域能够开创新的时代,其创作的艺术作品的高妙令人难以企及,其艺术堪称时代的标尺,对当代和后世产生巨大深远的影响,人们通常称这样的艺术家为天才。
我国宋代文学家苏轼说道:
“诗至杜子美,文至韩退之,书至颜鲁公,画至吴道子,而古今之变,天下之事毕矣。
”被称为“百代画圣”的吴道子“年末弱冠”就已“穷尽丹青之妙”。
而德国的哲学家康德最早提出“天才”论,强调艺术是天才的创造和表现。
丰富的知识修养,艺术创造性要求艺术家要有丰富的知识储备和艺术修养。
知识和修养是艺术家后天专业训练和文化教育的结果。
具有自然科学和社会科学等多方面的广博知识对艺术创作非常重要。
艺术创作并不是单纯的技巧劳动,更重要的是要表达思想,知识浅薄、头脑空洞的人无法成为一名合格的艺术家。
艺术家需要有哲学、历史、美学、文学、伦理学、心理学、社会学和自然科学多方面的广博知识,知识的积累和学习可以使艺术家的“才、胆、识、力”最大化,从整体上提高创作的境界、激发创作潜能,使自身更快的成熟起来。
一般来说,艺术家的知识积累和文化修养的提高是有侧重点的,这是本门类艺术特征的要求。
根据自己的需求,艺术家的知识结构会有所不同,但对与艺术创作而言,达到相当程度的知识积累和文化修养却是一种必需。
艺术家掌握知识的深度和广度与其在艺术上的造诣,尤其是艺术创作上的成就是紧密相关的。
艺术家还需要有专门、深厚的艺术修养,这来自于对整体人类艺术本质的领悟,对艺术发展理论、知识的探讨和研究,对自身所从事的艺术门类古往今来的智慧积累的学习及对其他艺术门类的学习和借鉴。
高超的艺术技能,艺术创造性要求艺术家应具有熟练的艺术构思能力和运用一定物质手段将其创造意图传达出来的能力。
艺术构思能力和传达能力设计艺术技能的范畴。
艺术技能包括艺术家对生活素材的选择、提炼、集中和概括能力,这种创造性的加工使之深刻地揭示生活的内在意义,准确的表达艺术家的思想情感。
技能还包括对工具材料的性能、用途和使用方法的掌握,即艺术家支配它所使用的物质材料的本领。
艺术家掌握专业技能是为了能够得心应手、随心所欲地把自己丰富的情感或一年用实际的物质手段表达出来。
因此,艺术家专业技能训练的目的就在于恰当的表达出自己内心的丰富情感,没有必要的专业技能,艺术家的情感和意念无法得到具体显现。
艺术技能的掌握和提高,其基础是艺术家的生活实践和艺术实践。
通过实践活动找到准确并适于自己艺术思想表达的技能和手段是艺术家成功的重要条件,娴熟高超的艺术技能是一位艺术家创造力的标志之一,也是艺术活动创新性的必然要求。
艺术家的创造性特征对艺术家提出了修养和实践的要求,这是艺术家完满实现艺术创造的必备特征。
6.试论艺术作品的艺术价值与商品价值的关系。
艺术作品作为商品出现,就要涉及其商品价值的探讨,其商品价值又是由商品价格体现出来的,应该着重指出的是,这里的价值是指商品的交换和使用价值,并非指艺术作品本身的艺术价值。
一般来说,艺术作品的艺术价值和价格基本是成正比的。
但实际生活中艺术价值和作品的价格却并非总是如此。
一个商品的价格是由多种因素影响的,也是又与艺术作品本质上具有精神产品的特殊性,它受着社会政治。
经济发展等因素的影响,更受到商品交换当下的流行文化和社会各种思想观念和风尚的影响,这也增加了艺术作品的价格不稳定性。
从艺术本身来讲,艺术作品的艺术价值与商业价格具有不同步性的特征,这时由于艺术创作本身决定:
由于艺术家对社会生活有着强烈的艺术敏感,其创作的艺术作品往往具有超前性,往往领先于同时代人们的理解和审美趣味,而商品买卖的价格确是当下社会审美需求的反映。
所以,在艺术作品的交换过程,在一定历史条件和时间范围之内,价值与价格的背离可能是相当严重的,一些真正的艺术作品甚至可能无人问津。
这种说法引起了历史上很多艺术家的感叹,明代著名大画家徐渭发出了“笔底明珠无处卖,闲抛闲掷野藤”的慨叹。
而最有代表性的是19世纪末叶著名
的后印象主义画家凡·高,其绘画作品在生前只卖出一幅而且售价极低,以致他穷困潦倒、精神错乱,于1890年10月27日自杀。
我们并不否认艺术作品具有商品属性这一基本事实,但是就像任何商品一样,艺术作品的这种商品属性并不是内在于作品的一种属性,而是在艺术市场的交换中,由市场经济这种特定的社会制度附加在作品身上的一种外在的社会属性。
所以判定一件艺术作品真正具有内在价值是因它有艺术性而不是因其有表面的商业价值和价格。
作品的商品价格和艺术价值之间的关系问题,是两种价值评判标准。
有差异就有矛盾。
艺术市场上两种价值评判标准的对立统一,将有可能引导艺术市场健康发展。
从长远来看,内在属性终究会起决定性作用,其商品价值最终还是以艺术价值为衡量标准。
其它相关知识点:
1.人类思维着的头脑用艺术的、宗教的、实践精神的和理论的四种方式。
2.为什么说艺术是意识形态,也是生产形态?
a.艺术形态要求强烈的主体性b.艺术形态是对象化的存在c.艺术形态是美的形式构成
3.我国大型声乐套曲《黄河大合唱》光未然词冼星海曲
4.战国时期就有《高山流水》的琴曲故事流行
5.高尔基曾说:
“我所理解的‘美’是各种材料—也是声调、色彩和语言—的一种结合体,它赋予艺术家的创作—制造品—以一种能影响情感和理智的形式”。
6.卢卡契更加集中地强调:
艺术创造、艺术作为精神产品本身,是实现美感的唯一合适形式。
7.昆腔是一种集南北曲之大成的戏曲声腔。
8.希腊神话传说奥林匹斯山九位女神是宙斯王和记忆女神的女儿。
9.我们根据物化结构的不同,把艺术形态划分为时间艺术、空间艺术、时空艺术。
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