临摹与写生对中国画创作的意义.docx

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临摹与写生对中国画创作的意义

目录

中文摘要………………………………………………………………………………………………………1

中文关键词……………………………………………………………………………………………………1

英文摘要………………………………………………………………………………………………………1

英文关键词……………………………………………………………………………………………………1

一、概述………………………………………………………………………………………………………1

二、中国画创作过程中所遇到的一些问题……………………………………………………1

（一）面对传统中国画出现的问题………………………………………………………………2

（二）直接引用传统中国画语言的弊端……………………………………………………………2

（三）西方绘画观念的涌入对中国画的影响………………………………………………………3

（四）当下中国画创作过程中对写生与临摹的忽略………………………………………………3三、临摹与写生对中国画的重要性……………………………………………………4

（一）临摹对于中国画的重要性……………………………………………………………………4

（1）临摹对中国画的学习十分重要……………………………………………………………………4

（2）临摹能了解中国画内涵……………………………………………………………………4

（3）临摹能够掌握中国画风格演变……………………………………………………………………4

（二）写生对于中国画的重要性……………………………………………………………………4

（1）写生能够丰富创作阅历……………………………………………………………………4

（2）写生直接影响中国画风格……………………………………………………………………4

（3）写生有利于创作更优秀作品……………………………………………………………………4

（三）临摹与写生的关系……………………………………………………………………………6

四、写生与临摹为中国画创作提供了有力的保障…………………………………………………5

（一）有助于画家绘画语言的探索…………………………………………………………………6

（二）有助于传统中国画语言与对象的结合……………………………………………………6

五、结语………………………………………………………………………………………………………7

参考文献………………………………………………………………………………………………………7

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临摹与写生对中国画创作的重要意义

摘要:

关键词:

；临摹;写生；创作；中国画

Keywords:

一、概述

中国画是经过了几千的文化传承下来的一项文学瑰宝，在经过了无数优秀画家的总结提炼之后形成了现在的中国画的特色。

中国画的语言特征与其他绘画的差别是非常大的，发展之初就重，视线条重视理解、重视对象的完整，是以一种抽象的表现形式呈现出来的，我们无法准确地说出形成这些特性的时间，但我们可以肯定的是:

它是一种精神活动。

由于受地域、观念等诸多因素的影响，中国画是世界艺术之林中一种文化现象，是经久不衰的艺术之花。

随着人类文明的不断进步与发展，中国画的精神面貌也发生了翻天覆地的变化，而这些变化无不是在诉说着中华文明的发展历程。

彩陶上粗笔简约的舞蹈人物，双手互牵、翩翩起舞、生动活泼，让形状成为绘画特征的本质意义初现端倪；顾恺之所画的洛河女神，委婉从容、衣带飘逸，宛如仙境一般，让画面增添了神秘的色彩，传神写照更为人们的精神欲望带来了满足；唐朝的人物画造型自然、神态雍容、色彩艳雅不仅体现了宫廷生活高贵大方的皇家气派和悠闲自得的生活状态，同时也让绘画穿上了华丽的外衣，从此在绘画的题材上增加了种类的繁衍，扩展了绘画形式的地理疆域；而宋元以后的文人画用笔挥洒、泼墨淋漓、惊世骇俗，用笔节奏的急缓快慢也增加了画面的偶然性，为绘画的本质上带入了飘洒自如、狂傲不羁的活力。

在中国画的创作当中，临摹与写生是不可缺少的两个环节，并且只有认真的学习这两项基本能力，才能够将中国画的精髓领会到，所绘制出的画中才能够展现出中国画索要体现的画家的思想。

虽然中国画具有很高的艺术创作力，不过在中国画的创作过程当中也遇到了一些问题，正是这些问题也推动了中国画的风格不断变化，向前发展。

二、中国画创作过程中所遇到的一些问题

（一）面对传统中国画出现的问题

中国画语言的形成是经过了历代相传和发展而来的，是世界艺术之林所独有的一种艺术形式。

在人类文明史上，绘画一直伴随着社会的发展而发展，同时绘画也有其自身的传统和传承方式。

后代绘画总受前代绘画的影响，后代绘画也继承和发展了前代的绘画。

但是学到传统之后，还必须化为自己的东西，化为时代的东西，创出一条道路出来，形成自己的风格。

对于我们国家传统的中国画来讲，在它的发展历程中也在不同时期产生不同的概念化符号，这些不同的符号丰富了中国画的内涵，是中国画语言体系的组成部分。

通过对中国画的历史发展进行研究，我们能够发现，不同时期的人们总是在进行总结和概括这些传神达意的语言，并且对这些语言模式进行归类总结，按照不同的归类方法将中国画的语言体系分成不同的类别，这些不同类别的语言被后代用来传承和学习。

举个在中国画中特别常见的例子，关于中国画的笔法在传承的过程中就形成了勾、擦、点、砍、染、拖、挑等方法，这些方法并不是中国画产生之初就存在的，而是在发展的过程当中，经过长期的发展经验总结出来的方法。

在客观的角度上来说，我们国家中国画这些语言方法的归类总结方式，对于中国画的发展是十分有利的，正式有了这些方法，才使得后代的画家在进行绘画创作时有了很好的依托。

上面所讲到的中国画在发展过程中出现的语言体系，既对中国画的发展有有利的一面，同样，这个语言体系也限制了后代画家的思维模式。

因为有了中国画的这些框架结构，使得后代的人在进行中国画的绘制时，思维模式完全陷入了一个概念化的模式当中，虽然对于中国画我们一定要继承和发展，并且将其中优秀的地方进行发扬，尤其是我们中国画使用的笔、墨和宣纸，只有使用这些工具，我们的画才能称之为中国画。

（二）直接引用传统中国画语言的弊端

画家在创作过程中探寻自己的艺术风格和绘画语言，说起来好像是一个十分简单的事情，但在探索与实践过程中却往往变得非常复杂，有的人穷尽毕生精力，不懈地解放自我、寻找自我，但是最后都没有找到属于自己的艺术形式。

这不仅说明了艺术个性的造就与形成实属不易，同时也反映了艺术个性在艺术中的重要地位。

尽管一个人艺术风格的形成与其文化修养和时代背景等诸多因素有关，但就艺术学习本体而言，没有比学习前人的创作经验更为直接的了，所以很多人就直接引用前人的艺术符号闭门造车。

中国历代“崇古”的文人墨客也不在少数，绘画也是如此。

一般初学中国画的人，都要从临摹古画、古法开始。

于是，各个时代临摹和学习哪个先朝、哪个先辈的画，始终是画坛争论的焦点之一。

而“四王”就是将这种势头推到极至的代表人物，“四王”是指清代画家王时敏、王原祁、王鉴和王翚四人。

四人的绘画风格、水墨用笔都是直接沿用了前人名家的绘画语言和艺术特点，以此来表明自己的笔墨是有来路的、有根据的。

深究四人这种极度程式化的做法，与其特定的历史背景有很大关系。

我们先不论其历史背景，就论其作品本身而言，看到这样一些绘画作品时会觉得精巧有余而生命力不足，像是一潭死水，貌似平静安宁，实际上带有很大是腐败气息。

因此，学习前人的经验不能盲目，奉行拿来主义，因为前人的艺术特点与风格是在当时的创作环境中得来的，并不一定适合“现在”。

相比较而言，“四僧”的绘画虽然看似显得无法可寻，却饱含了自然原有的生命力和感染力。

《游春图》的表现手法以“色线填色”为基本特点，较之《洛神赋图》，他却是一个很大的进步，而与后逐渐成熟之山水画手法相比，比较简单。

这体现了一种从简略到繁复，绘画的创新，要建立传统之上。

学习传统并不是复制传统，也不是传统中所有的东西都要学习，而是应该在学习的过程中借鉴传统并在传统的基础上不断求新求变。

发扬传统其实本身就意味着发展与变化，没有变化的继承是因循守旧，而不是发扬。

作为一个画家坚守古法，不思创新，充其量只是个画匠，不可能在艺术上取得很高的成就。

所谓传统不是绝对的，也不是一成不变的，而是在学习中不断完善与发展的，转而再成为后人学习的“传统”。

（三）西方绘画观念的涌入对中国画的影响

在二十世纪，随着西方文化的大量涌入和“五四”新文化思潮的不断兴起，中国各界都受到了重大的影响。

众所周知蔡元培在担任北大校长期间做了许多大胆的改革与更新，并且提出了“思想自由，兼容并包”办学理念。

他认为“无论为何种学派，苟其言之成理，持之有故，尚不达淘汰之命运者，虽彼此相反，而悉听其自由发展”。

也就是说大学是个研究学问的地方，应该允许各种学术流派的自由发展，而不应该墨守陈规、抱残守缺，持一家之言，实行思想专制，并且允许有不同的学术观点的人在大学任教，这才是思想自由的原则，也是大学的特色所在。

在这种文化思潮的激烈碰撞中，中国画的本体语言也受到西方绘画体系的冲击与渗透。

。

从传统绘画中“走出来”、从束缚中“解脱”出来，创造出有别于传统，具有现代审美绘画艺术的声音不绝于耳。

在这种环境下，中国绘画的未来发展出现了两条路：

一是在回归自然的前提下，继承传统中国画笔墨系统。

二是引进西方学院直接面对对象的写实教育，而这两者都或多或少地引入了“写生”的概念。

体面造型和色彩观念冲撞着传统中国画语言，使中国画的结构和观念形态也有了变化，扩展了中国画的表现领域。

融合中西对于功力深厚的中国画家，其实是一种学习与吸收。

是应该站在民族传统文化的基础上的。

东西融和不是简单的东拼西凑。

中国传统画法追求“形似”同西方“写实”造型方法有很大区别，我们所学过的素描方法都分清楚，当他们对一个石膏如实的画上去，把由于一定光源的投射而形成物象的明确关系精确的描摹下来，让他有体积感，给人照成一种透视的效果。

然而，中国的传统画法并不理会这些，他们不会考虑光源在哪里，也不画投影。

如八大山人的这幅画，图中的这个花瓶都没有表达他的视点，也没有体积感，花瓶与菊花的粗率轮廓松弛结合起来，似与不似，美而生动。

与另一幅相比，结合西方则是注重结构比例等，却没有中国画随意的味道，反而不会很好，所以也不能全部抛下的去接受西方绘画，中国画应该学会西为中用，不能因为受到西方现代主义的影响，硬要在中国画中强调观念与哲理。

只注重“像”理念,而弱化了中国画的艺术语言与表现的感染力。

（四）当下中国画创作过程中对写生与临摹的忽略

随着中国城市化脚步的快速发展以及市场经济的快速运行，人们对艺术品的关注也越来越重视，艺术品投资也成为新世纪理财的重要选项。

因而，艺术品拍卖的价格每天都在不断的被刷新。

在这种环境的影响下，高价绘画作品也不短涌现，高价格绘画便成为了一种“样板”，于是这些“样板”就会被“仔细”地解读与分析，进而这个“样板”催生了更多“样板”，并且被催生的这些“样板”竟然也被大家所认同。

而这就会出现两个问题，一个是：

有越来越多的人只关注作品的样式了，不关心作品本身所承载的内涵与意义；另一个是：

生动的、本质的、自然的作品越来越少，因此中国画的发展也就走入了死胡同。

造成这两个问题的原因是多样的，而忽略写生就是其中的一个重要原因。

首先，画家没有直接面对创作对象，对所绘对象的情感理解不充分，仅仅靠大脑对对象的印象创作出来的绘画语言是盲目的、概念的、不生动的、没有活力的。

所以脱离写生就是放弃了对所绘对象的探索与挖掘，而自然的、原始的那种情感因素也不可能完全表达出来。

所以写生就是要帮助画家摆脱局限的、狭隘的审美观念，从对象出发，通过最直接的方式来表达对对象的情感冲动，进而找到属于自己的绘画语言。

其次，脱离写生的绘画语言是没有生机和生命力的，因为绘画语言也是抒发画家对创作对象情感的一个重要指标。

而画家凭着自己的想象来创作对象，与对象没有直接接触，对对象没有真实的感受，所创造的绘画语言也是与对象无关的，是刻意强加上去的，这样的绘画很容易死板，也会削弱绘画自身的感染力。

虽然写生不能完全地表达对象，但写生却是认识事物的有效手段，同时写生还可创造出赋于感情色彩的作品，与读者产生共鸣，使绘画的发展也越来越健康。

正是因为中国画的创作当中有了这么多的问题，所以我们更能够真切的感受到认真的学好中国画是多么的重要，想要学习绘制中国画，必须要真正的认识到临摹和写生对中国画的重要性，以及两者在绘画当中的关系特点。

三、临摹与写生对中国画的重要性

（一）临摹对中国画的重要性

（1）临摹对中国画的学习十分重要

现在学习中国画的过程中，我们总想着跳过枯燥的临摹去直接进入创作，却忽略了中国画学习过程中最重要的一步，它如同桌子的四根支柱一样不可缺少。

初学国画的时候都是以临摹为主，如线条的运用都是需要临摹来体会其技巧的，临摹是为了借鉴别人画的好的东西，如你自己说的不会画的地方就需要临摹，当连临摹的水平都没达到的时候，自己画只会走弯路，可能会把自己画坏，所以一般的先临摹在绘画自己的至关重要。

而临画之前应该学会看画，要仔细的品读去分析，发现其中真正的好东西对着好的作品，一步一步的模仿下来，反复验证自己错误，将他人的东西转化为属于自己的东西，而照葫芦画瓢只会让自己停留在原地。

临摹是中国画学习最基础也是最重要的阶段，临摹并不是简单的抄袭，而是对中国画的一些优秀的作品进行学习，通过临摹这些优秀的中国画，观察画里面表现出来的内涵，在绘画的时候，能够认真的研究原著，取其笔法或者是墨法，摆脱形式上面的限制，逐渐追求神似。

只有将临摹学习好，才能够进一步学习中国画。

所以临摹对中国画的学习十分重要。

（2）临摹能了解中国画的内涵

临摹优秀的中国画能够较好的了解中国的文化内涵，感受到中国画的艺术魅力。

对于中国画的发展历史来讲，它是中国几千年以来中国文化发展的一个缩影，能够较好的体现出中华民族的文化特征和风土人情，这些民族特点经过艺术家的加工，形成了具有中国特色的中国绘画。

通过临摹这些艺术作品，就相当于把中华民族几千年的文化发展进行了一次学习，了解了中国不同时代文人雅士的审美追求，能够通过对不同时代、风格、气象等艺术语言的学习，掌握历史和人文内涵。

（3）临摹能够掌握中国画风格演变

通过对名画的临摹，能够掌握中国画的风格演变特点。

临摹优秀作品能够掌握笔墨的技法，并对中国画在不同时期不同风格有一个全面的了解。

通过大量的去临摹前辈的优秀作品，能够掌握中国画本身具有的绘画要求、绘画技法和风格演变。

（2）写生对中国画的重要性

（1）写生能够丰富创作阅历

写生，可以提高观察能力，从千头万绪，千变万化，千形万态的生活中找出事物的特点、形象、姿态，才可以提供我们想要创作的素材。

东晋时代的顾恺之在«论画»中提到过“美丽之形，尺寸之制，阴阳之数，千秒之际。

世所并鬼，神仪在心，而手称其目者，悬赏则不待喻”，生活典型美好的事物，是人们所共同重视的。

要深入观察，心契神会，让艺术手法与画者敏锐的目光想妙合，不言而喻，他的绘画作品是受赏识的。

有特色的艺术家毫无例外地到生活中去，到自己要绘画的身边，去观察他，才能有所成就，形成自己的独立特色。

就像老舍说过“我能描写大杂院，因为我住过。

所以艺术的灵感需要生活，艺术的创作需要生活，艺术的形象也需要生活，而怎样描绘生活就需要写生来融合。

否则就会像戴高画的《牛》一样，我们可以借助想象力和间接经验去绘画一些自己并未经历的事情，画虽好却不是真实，缺少东西。

（2）写生直接影响中国画风格

对于中国画的创作来讲，它的风格主要是由创作者的主观因素来决定的，在主观因素当中，写生又显得尤为重要。

创作者通过写生对于所观察到的不同的事物进行图画风格的建立，确定绘画的主要结构和笔墨的形态，因为写生物态不同从而形成的风格也完全不同。

比如说对于生活在皇宫之中的五代时期画家黄荃，他所看到的物体全部都是特别珍贵的花草虫鱼，所以他绘制的作品基本上都会体现出富贵之气。

而对于很多生活在乡村的画家，他们所绘制出的作品基本上都体现出乡村的乡土之气，画风比较飘逸。

所以说写生会直接影响到中国画创作的风格。

（3）写生有利于创作更优秀作品

对于中国画的创作来说，追求一种意境的表达形式是最为完美的境界。

在绘画的创作过程中，画家极力的去追求自己本身能与绘画融为一体，达到人和绘画合二为一的境界。

在中国画当中能够体现出绘画者的个人意志和个人思想。

通过写生能够更好的达到这种效果，使得中国画能够很好的展现画家的思想。

在很久之前，中国的画家就发现通过写生能够达到创作的至高境界，所以优秀的画家都会通过长期的写生、观察来进行创作。

所以，想要创作出优秀的中国画作品，长时间的写生是必须要经历的过程，写生对中国画创作的重要性可见一斑。

（三）临摹与写生的关系

临摹与写生是相辅相成的关系，两者缺一不可。

并且临摹与写生在功能上不完全不同的，临摹主要是用来对照古代的优秀中国画作品，学习这些作品当中画家的笔法、上色以及构图等方法。

临摹是学习中国画的第一步，前期的学习只有通过认真的临摹作品，才能够打下较为牢固的基本功，这就为后面的写生打下了基础。

写生是在经过长期临摹的基础之上进行的个人创作，是学习中国画的另一个阶段，在经历了大量的临摹工作之后，画家需要将别人优秀的用笔等回话技能进行消化和吸收，并且争取在前人的基础之上进行再发展，以自我的实际经验来丰富自己的绘画技能，慢慢的去形成自己独有的回话风格和特色。

临摹与写生既是学习绘画的两个必要的方法，同时也是相互依存，不可分割的关系。

在学习中国画的过程当中，如果只进行写生，而不先去临摹优秀的中国画，这样就会使自己没有绘画的基础，基本功不过关，又要谈何去进行个人的创作呢。

再者，如果只是临摹但是不去写生，那么就会使自己禁锢在古人的一个笔画之中，而不具有自己的风格特点，这样就会影响中国画的发展。

四、写生与临摹为中国画创作提供了有力的保障

（一）有助于画家绘画语言的探索

写生最大的好处就是能让画家本人对创作环境有一个切身的体会，而这种体会对于画家创作来说是至关重要的。

有了这种体会，作者在创作的过程中，才能更好地“描绘”创作对象，而这里所说的“描绘”不是表面的照搬照抄，而是在经过画家主观思想洗礼的基础上所创作出来的，是对创作对象的一种诠释。

一个有思想、有修养的成熟画家，要想创作出一件捍卫人心的绘画作品，它决不会把目光停留在对客观对象的描绘上，而是通过所绘对象来激发自己的激情和沉思。

画家在对客观对象进行创造时，会不知不觉地带入自己的情感与思绪，物我相互交融、溶解，进而再通过笔墨语言来抒发对客观对象的情感体验与感受。

从而叩开了欣赏者的心扉，也为作者与观者架起了一座思想沟通的桥梁。

随着城市化进程的高速发展，中国的文化艺术也进入了多元化的轨道，人们的生存环境、思维模式也发生了巨大的变化。

在全球化、信息化、市场经济的推动下，快速的生活节奏让人们的观念发生了重大的改变，这也促使了画家思维的延伸与发展。

而这种延伸与发展并不是闭门造车、凭空想象的，是合实际的。

并且这种“切合实际”完全可以通过写生来完成。

写生不仅要时时观察、品味着生机盎然的自然变化，而且要不断地审视着大千世界，从自然中得到某些启示，对对象不是单纯的描绘，而是要画家运用自己的艺术感受去进行主观创造。

画家写生时与对象直接交流感悟客观对象，有时可激发画家灵感的产生，而这种灵感是闭门造车、凭空想象、刻意追求所得不到的。

另外，在与自然和客观对象交流时，很容易情不自禁地流露出真实感受和想法，画面上经常出现自然而生动的活力，正因为放松、不拘谨，绘画语言才会自然地流露与显现，加上画家主观能动的发挥，就会创造出他独有的、个性的绘画语言。

如梵高的《向日葵》中充满了激情盎然、躁动不安的色彩与笔触，都是在写生的过程中发挥了个人的主观意识和独特风格的感人精妙之作，而这也是作者主观真情流露的表现。

写生是认识事物的一个重要手段和过程，它充满了很多现场感和陌生化的东西。

而陌生化的好处就是让我们完全放下自己，束缚自己惯用的一些方式方法，使得我们不知从何做起。

这就要求作者不得不去另辟跷径，从而寻找其他可行有效的办法。

在写生过程中，创作意识并不是一开始就存在的，而是在写生的实践过程中，对客观物象进行主观处理的同时而产生了创作情感，由此产生的创作情感是无意识的，并且转化成了具体的绘画形式。

而赵奇先生的这句话：

“一旦我们做下来，心平气和地面对对象，认真地做起来，把写生视为一种行动，我敢说，很容易的就可以感到收获；有意思的还在于，这个过程，一开始我们不知道怎么表达，表达什么，经过一段时间，经过观察，慢慢地有了一些体会，当我们感到把握住一点什么东西，方法也就有了”。

也说明了写生能不断地完善画家本身的创造能力，同时也开阔了画家的想象空间。

而这并不是说什么都不做，等着等着就会画了、就有想法了，消极与不积极的态度是没有办法很好地表达、表现所绘对象的。

所以，这就要求画家在写生的过程中，尽可能地发挥自己的潜力，这样不仅让画家在后来的创作中有了深刻的体会和感受，同时也进一步提高了作者的创作思维和方法，并且也为以后的创作提供了有深度、有内涵的创作素材。

（二）有助于传统中国画语言与对象的结合

传统中国画语言在历史的长河中，经历了一代代人不断地的完善与修改，不仅为我们留下了许多的旷世杰作，还为我们留下了许多臻于完善的绘画方法。

而这些绘画方法经过时间的积累与沉淀，逐渐固化了，成为了一个枷锁。

并且中国画还特别讲究继承，所以，只讲究学习传统是没有办法发扬中国画的，而直接引用到现代绘画中会显得牵强、生硬和乏味无趣。

传统的绘画方法是符合当时人们所处的社会环境和氛围的，是对当时人文状态的写照，并且传统中国画语言是无法承载起当代中国画审美要求的。

今天的人们更为关注现实生活和人性本质的回归，这就要求当今的中国画以直接表达理想的审美价值为目的，刻画的对象要深刻、逼真，强调写实性，这包括面目神态、身体比例、肌肉解剖等因素。

而且，描绘的对象也为深入，对象之间的空间的关系也更为复杂，所以传统中国画语言是无法完全满足当今中国画的审美诉求，也可以说表达的方式十分有限。

因此，对于传统的继承不是概念化的继承，不能只继承一种样式化或程式化的东西，也不能只单单继承某种方式方法，而是应该有选择有余地的继承，在继承中不断发展创新，不断求进善变。

而写生就是解决这些问题最直接、最有效的放法，它可以使传统中的某些方法与对象更好的结合，并且写生与传统的结合，也会碰撞出许多不同的绘画语言。

就拿中国人物画中面部五官的刻画来说，中国古代的人物画家在长期的绘画创作过程中，发现人们在生活中的面部表情是丰富多变的，而这种变化被画家们高度的提炼、概括和总结，从现代人的角度来看是非常概念的，内容的表达也十分有限，表现人物的喜、怒、哀、乐是有固定模式的，比如柳叶弯眉，樱桃小嘴等等。

而在直接写生对象时，我们会发现这种高度的概括形式是无法恰当地表现对象的面部结构和质感。

因为，现在的社会环境和生活习惯与古代有了重大改变，与古人意识形态也相差甚远。

而丰富多彩的生活形式使与生存状态的千差万别，不同的衣服纹饰、随身物品随处可见，等等这些都促使了现代人的审美观念具有真实、细腻、深刻等一些特点。

一根单线是无法完全交代这些关系的。

所以在写生中表现人物面部特征时，可以用“复线”或“辅线”的方式来塑造形体，把琐碎的线条加入到块面的结构中来，充分表达结构形体，从而代替了“白描”这种结构单一的线条模式，增加了线条的表现力度，同时也丰富了线条的表现样式。

五、结语

写生是绘画创作的重要环节，是临摹传统迈向自然认知的过程，也是创作过程中的宝贵经验与优质素材。

写生是感性的，创作是理性的，作品是反映真实生活得客观感受。

即便在创作过程中，我们有些时候在面对对象时会感到很陌生，不知无从下手，甚至为了充分表达、刻画对象而“不择手段”，与传统美学观念有所背离，其实这都不算真正意义上的“背叛”，