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宋代绘画
宋代绘画
班级:
艺设101
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**********
指导老师:
***
摘要:
宋代绘画为中国绘画艺术发展的高峰,其巨大价值在于丰富艺术表现的手
法,运用提炼精粹而纯熟的描绘技术,直接并间接地反映了现实生活。
宋代绘画与社会各阶层都有密切联系,宫廷贵族、文人士大夫、商人市民等对绘画都有自己的要求,这使得绘画题材广泛,风格多样,并形成宋代画家注意观察生活形象,造型准确精微,画风严谨不苟的表现特征。
宋代绘画类型主要包括宫廷画、花鸟画、山水画、人物画等。
《清明上河图》画卷在中国历史上很重要因为它反映了北宋时期商业的繁荣,中国古代商品经济就已经高度反达。
和那一时期人民的生活方式,北宋古城的建筑风貌。
具有很高的历史价值和文化价值。
《清明上河图》描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象,是汴京当年繁荣的见证,也是北宋城市经济情况的写照,栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。
通过这幅画,可以了解北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活。
生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌。
关键词:
宋代绘画,宫廷画,花鸟画,山水画,人物画,清明上河图。
引言:
绘画,是一种表达个人情感的方式。
11世纪后半叶,汴梁城中的一些文人
名士的诗文书画活动异常活跃,其代表人物有李公麟、苏轼、文同、王诜、米芾等人。
他们都有深厚的文化修养和书法造诣。
绘画多为寄兴谴情之作,题材偏重于墨梅、墨竹,山水树石以及花卉,追求主观情趣的表现,反对过分拘泥于形似的描摹,艺术上力求洗去铅华而趋于平淡素雅,力畅天真清新的风格。
宋代绘画的背景:
1、宋朝的建立,结束了五代十国的封建割据局面,在一段时间内,社会保持着相对稳定,中原的经济、文化得到了恢复和发展,商业、手工业出现了前所未有的繁荣,并由此带来美术的发展和绘画的兴盛。
2、北宋都城汴梁,画家云集,名手如云,是继唐代长安、洛阳之后的又一古代绘画中心。
中原一带绘画成就突出,与辽金地区形成艺术交流,且江南一些地方的绘画亦显示出一定实力。
1127年宋室南迁,绘画的重心又随之转移到南宋都城临安(现杭州)。
宋代绘画与社会各阶层都有密切联系,宫廷贵族、文人士大夫、商人市民等对绘画都有自己的要求,这使得绘画题材广泛,风格多样,并形成宋代画家注意观察生活形象,造型准确精微,画风严谨不苟的表现特征。
3、宋代民间绘画、宫廷绘画、士大夫绘画各自形成体系,彼此间又相互影响、吸收、渗透,构成宋代绘画丰富多彩的面貌,反映出宋代绘画的兴盛与繁荣
宋代绘画与文人之间的联系:
南宋时期有米友人、杨补之,赵孟坚等。
宋代文人士大夫绘画潮流影响到金代绘画,在实践上和理论上都为元明清文人画的发展奠定了基础。
中国绘画发展到宋、元之际,发生了一次明显变化,这就是出现了较之唐代以来流行的精谨风格的绘画显得逸笔草草、不求形似的新画风,并且很快在士大夫文人中流行开来。
这种画风出现以前,绘画一技主要由专业画工掌握,因此较有社会地位的文人大都对之持看不起的态度;而这种新兴画风出现以后,最初掌握这种新画风的人则大都是一些著名文士,后来的文人们也就竞起仿效,反而无不以能绘画为文人的风雅。
因此,后人称这种由文人鼓吹、提倡并身体力行的画风为文人画.文人画出现以后,对它有不同的称呼。
宋人康与之所谓“隐士之画”,刘学箕所谓“画士”之画,苏轼所谓“士人画”等。
从其作为与传统的“画工之画”相对应的概念来看,都是指文人画。
文人画与传统绘画比较起来,最重要的特点之一,便是强调作者个人内心情感的抒发,这是以绘画的形式来进行的一种抒情活动。
因而,将文人画与传统绘画比较,从描写的“物象”来讲,前者多是山水花鸟,后者多是人物故事;从创作手段来讲,前者多是简括的即兴式的书法式的,而后者多是精细的再现式的工艺式的。
文人画之所以会采取上述的手段,描写上述的内容,主要便是文人画的作者希望通过绘画来寄托自己内心的情思,其目的并不止于绘画本身而是超乎其上,所以才使用了这些对创作约束力较小的艺术手段和对思想约束力较小的绘画内容。
北宋以前的绘画主要还是画师的专业,而画师的社会地位是不高的。
因此,绘画这种传统上被视为当然应由工匠掌握技巧的艺术,在北宋初期仍受到士大夫的鄙视。
直到苏轼出现以后,这种现象才发生改变。
中国传统文人画的发展和普及,与苏轼的极力推崇和亲身体验和成就是不可分的。
苏轼认为,绘画作为艺术,应当是与作为艺术的诗有着相似的创作规律、相似的欣赏原则,当然也就应当有相同的地位。
“诗画本一律,天工与清新”苏轼:
《书鄢陵王主簿所画折枝二首》其一。
这样,便使唐代阎立本为之叹息的“以画见名,与厮役等”(《旧唐书》卷100)。
宋人认为“文未尽经纬而书不能形容,然后继之以画”郭若虚:
《书画见闻志》卷2。
的这种工匠的技艺一跃而与在士大夫的传统艺术中占有最高地位的诗歌创作平起平坐了。
认为“古来画师非俗士,妙想实与诗同出”苏轼:
《次韵吴传正枯木歌》。
这位非同一般(俗)、绘画的“妙想”与诗相同的画师,指的便是唐代著名诗人王维。
苏轼认为,诗人王维也可以看作画家王维:
“诗人与画手,兰菊芳春秋。
又恐两皆是,分身来入流。
”《次韵黄鲁直书伯时画王摩诘》。
在北宋初年兴起的这种新画风很快在士大夫中流行开来。
北宋中叶以后,绘画史上出现了一大批文人画家,而他们几乎都与苏轼有一定的关系,这或许并非是历史的偶然。
苏轼在《书摩诘蓝田烟雨诗》中说:
“味摩诘之诗,诗中有画;观摩诘之画,画中有诗。
”在这段最为有名的论述中,对于文人画理论有重要意义的就是“画中有诗”这四个字。
所谓“画中有诗”,实际上就是明确提出文人画应当具有超乎于绘画之上、在所描绘的有形之物内蕴涵有更为丰富的无形的内容;就是明确提出绘画与诗歌一样,不仅要“状难写之景如在目前”,而且还要“含不尽之意见于言外”。
这也就是后世文人画重意境、重格调、重作者学养的发端。
由于文人画强调“画中有诗”,就带来了一系列的技巧上的变革,使文人画具有一套与传统绘画很不相同的技法,最后甚至影响到文人画使用的工具材料如纸、笔等也渐与传统绘画产生了区别。
因而,理解苏轼“画中有诗”这一理论的内容,就成了了解文人画这种艺术形式的前提。
严格地讲,绘画艺术不可能同时就是诗的艺术。
苏轼大约有两层意思:
一是画家在进行绘画创作时注入了诗的情感:
二是绘画作品启发了欣赏者的情感。
这两层意思,苏轼在其他地方都有明确的表示,而且都对文人画理论与实践的发展产生过很大的影响。
苏轼说:
“古来画师非俗士,摹写物象略与诗人同。
”《欧阳少师令赋所蓄石屏》。
绘画使用笔墨的技巧当然与诗歌使用语言的技巧是完全不相干的两回事,那么,在“摹写物象”这一点上,何以画家“略与诗人同”呢?
问题在于画家在对自然界的观察与体验上,是否注入了自己作为诗人的情感。
在苏轼看来,“瘦竹如幽人,幽花如处女”《书鄢陵王主簿所画折枝二首》其二,自然界的一切物象在诗人眼中无不具有独特的情调,以这种满怀诗意的心境来进行绘画创作,便会“旧游心自省,信手笔都忘”《宋复古画〈潇湘晚景图〉三首》其一。
自然而然地流露出作者的诗意了。
这样一来,绘画艺术便成为一种表达个人情感的方式,与“诗言志”的传统结合在一起,所以苏轼才提出“诗画本一律,天工与清新”,才会提出“画中有诗”。
画中是否有诗意应当在于画家是否有诗情,是否有非以绘画形式表达不可的情感的波澜:
“空肠得酒芒角出,肝肺槎丫生竹石,森然欲作不可回,吐向君家雪色壁。
”《郭祥正家醉画竹石壁上作诗为谢且遗古铜剑二》。
“高情不尽落缣素,连山绝涧开重帷”《题王维画》。
使用绘画这种形式来表达情感,在苏轼看来与使用文字的诗具有同等价值:
“但当与作少陵诗,或自与君拈秃笔。
”《次韵吴传正枯木歌》。
于是,这种“森然欲作不可回”的绘画,与“好诗冲口谁能择”《重寄孙侔》。
的诗文一样,都成为诗人寄托情思的方式了。
“高人岂学画,用笔乃其天。
譬如善游人,一一能操船。
”《次韵水官诗》。
既然绘画是文人心中“风流文采”与“诗”的外发,“风流文采磨不尽,水墨自与诗争妍”,从这种立场出发,这种看法的要义在于:
诗、画等艺术创造的规律与其所描摹、反映的对象之间没有直接的、绝对必然的关系,这种以创造者为中介的创造活动,其结果完全以创造者对对象的折射方式为转移。
由此,“论画以形似,见与儿童邻。
赋诗必此诗,定知非诗人”《书鄢陵王主簿所画折枝二首》其一。
的著名文人画理论。
这并不是说绘画形象不需要自然对应物,而只是“不求”,不要让自然形象来限制绘画形象。
文人画理论与实践中所提倡的“不求形似”与引书法入画,都对后来文人画的发展产生了深远影响,以至成了文人画的基本原则。
绘画类型:
宋代绘画类型主要包括宫廷画、花鸟画、山水画、人物画等。
宫廷画:
北宋徽宗时期画院是我国古代宫廷画院绘画最兴盛的时期。
它的主要表现风格为:
造型准确,格法严谨,精微细腻;赋色浓艳,华贵富丽;既有精密不苟之长,某些作品又有萎靡柔媚的倾向,形成院体画的独特风格。
此类画家专门为宫廷及皇室贵族服务,绘制帝后肖像等。
花鸟画:
宋代是中国花鸟画成熟和极盛时期,在应物象形、营造意境、笔墨技巧等方面都臻于完美。
宋代初期的花鸟画,主要是继承了五代传统,并在此基础上,有所创新,黄筌“钩勒填彩、旨趣浓艳”的富贵风格,统治着画坛近百年。
到了北宋中期,随着崔白、赵昌、易元吉等在花鸟画坛的崭露头角,以他们生动活泼的画风,打破
了黄家蚕贵体系的垄断,为宫廷花鸟画注入了新的生机。
北宋后期,由于宋徽宗赵佶列绘画的特殊爱好,在他的大力倡导和身体力行下,画院得到空前发展,宫廷花鸟画达到颠峰,此风锦延至南宋宫廷,花鸟画的创作长盛不衰。
当时著名的花鸟画家有李迪、林椿、法常等,还有一些人物、山水画家亦兼擅花鸟,如:
李嵩、马远、马麟、梁楷等人,还有一些佚名的花鸟画作品,虽多为圆形、方形的小幅,但构图简洁、主题突出、描绘精密,是南宋花鸟画中较富特色的部分。
同时以拟人化手法写梅兰竹菊,表现其高洁、坚忍、卓然不群的“君子”品格,由于深受文人喜爱而成为流行的花鸟画题材。
代表人物有文同、苏轼,主张绘画和文学结合,借笔下的墨竹抒发个人情感。
画墨梅的扬补之、画墨兰的郑思肖、画兰竹的赵孟坚诗、书、画结合,成为文人画的中坚,对元明清时期花鸟画的发展
产生了深刻的影响,对中国绘画的发展与绘画理论的丰富作出了巨大的贡献。
山水画:
宋代是我国传统山水画的高峰时期。
山水画造景重造化、重理性,院体格法法度赅备,审美特色由政教、宗教精神逐渐转向人文精神,这一时期美学著述独到、艺术思潮活跃、绘画作品精湛,是中国传统审美文化的发展源头。
宋代院体山水画重理法、重质趣、重写实。
早期山水画“水不容泛”“人大于山”,北宋山水画坛的“三家山水”是以李、范、董为代表,其中以李成居首,范宽次之,董源对后世影响更大,在当时李成的山水是“当朝第一,”“百代标程。
”所以,真正全面影响宋代及后世山水的宋代画家是---北方的李成、范宽和南方的董源。
人物画:
人物画是以人物活动为主要描写对象的中国画传统画科.宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰.宋代的人物画题材多样,如佛教画、肖像画、工笔重着色人物画、经史题材画、风俗画、减笔人物画等等.它所反映的现实生活内容之广泛,在古代绘画史上是极为突出的.它运用多彩优美的艺术形式,创造了很多的艺术表现手法.宋代人物画的成熟和完备,进一步说明了宋代绘画是中国古代绘画的鼎盛时期.
清明上河图
作者:
张择端,字正道,又字文友,东武(今山东诸城)人,北宋末年画家。
他自幼好学,早年游学汴京(今河南开封),后习绘画。
宋徽宗时供职翰林图画院,专工界画宫室,尤擅绘舟车、市肆、桥梁、街道、城郭。
后“以失位家居,卖画为生,写有《西湖争标图》、《清明上河图》。
”是北宋末年杰出的现实主义画家。
其作品大都失传,存世《清明上河图》、《金明池争标图》,为我国古代的艺术珍品。
这两件作品现存北京故宫博物院。
另外,天津艺术博物馆藏有署名“张择端”的小幅《西湖争标图》,系伪托之作。
该作品现在已经转到天津博物馆。
《清明上河图》尚存,是《东京梦华录》、《圣畿赋》、《汴都赋》等著作的最佳图解,具有极大的考史价值。
不只继承发展了久己失传的中国古代风俗画,尤其继承了北宋前期历史风俗画的优良传统。
内容:
1、《清明上河图》是张择端的代表作,曾经为北宋宣和内府所收藏。
绢本、淡设色,高24.8厘米,长528.7厘米,原作现藏北京故宫博物院。
2、《清明上河图》以精致的工笔记录了北宋末叶、徽宗时代首都汴京(今开封)郊区和城内汴河两岸的建筑和民生。
该图描绘了清明时节,北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。
作品以长卷形式,采用散点透视的构图法,将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中,画中人物684个,衣着不同,神情各异,其间穿插各种活动,牲畜96头,房舍122座,轿子8顶,舟船25只,树木124棵注重戏剧性,构图疏密有致,注重节奏感和韵律的变化,笔墨章法都很巧妙。
全图分为三个段落。
(汴京郊野的春光、繁忙的汴河码头、热闹的市区街道。
)
首段,汴京郊野的春光:
在疏林薄雾中,掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。
两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴,向城市走来。
一片柳林,枝头刚刚泛出嫩绿,使人感到虽是春寒料峭,却已大地回春。
路上一顶轿子,内坐一位妇人。
轿顶装饰着杨柳杂花,轿后跟随着骑马的、挑担的,从京郊踏青扫墓归来。
环境和人物的描写,点出了清明时节的特定时间和风俗,为全画展开了序幕。
中段,繁忙的汴河码头:
汴河是北宋国家漕运枢纽,商业交通要道,从画面上可以看到人烟稠密,粮船云集,人们有在茶馆休息的,有在看相算命的,有在饭铺进餐的。
还有"王家纸马店",是扫墓卖祭品的,河里船只往来,首尾相接,或纤夫牵拉,或船夫摇橹,有的满载货物,逆流而上,有的靠岸停泊,正紧张地卸货。
横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥,它结构精巧,形式优美。
宛如飞虹,故名虹桥。
有一只大船正待过桥。
船夫们有用竹竿撑的;有用长竿钩住桥梁的;有用麻绳挽住船的;还有几人忙着放下桅杆,以便船只通过。
邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。
船里船外都在为此船过桥而忙碌着。
桥上的人,也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。
这里是名闻遐迩的虹桥码头区,车水马龙,熙熙攘攘,名副其实地是一个水陆交通的会合点。
后段,热闹的市区街道:
以高大的城楼为中心,两边的屋宇鳞次栉比,有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。
商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营,此外尚有医药门诊,大车修理、看相算命、修面整容,各行各业,应有尽有,大的商店门首还扎“彩楼欢门”,悬挂市招旗帜,招揽生意,街市行人,摩肩接踵,川流不息,有做生意的商贾,有看街景的士绅,有骑马的官吏,有叫卖的小贩,有乘座轿子的大家眷属,有身负背篓的行脚僧人,有问路的外乡游客,有听说书的街巷小儿,有酒楼中狂饮的豪门子弟,有城边行乞的残疾老人,男女老幼,士农工商,三教九流,无所不备。
交通运载工具:
有轿子、骆驼、牛马车、人力车,有太平车、平头车,形形色色,样样俱全。
绘色绘形地展现在人们的眼前。
清明上河图的历史意义:
这幅画描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象,是汴京当年繁荣的见证,也是北宋城市经济情况的写照,栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。
通过这幅画,可以了解北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活。
生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌。
清明上河图对后世有深远影响:
《清明上河图》的效应其实是一种现实社会的照应,画本身是绝唱,但是围绕在画的故事更加令人神往,有关该画的民间传说太多,而且多都脍炙人口,我想少数专业观众关注的是画工和画的艺术价值以及神韵,部分历史学者关注画中生活百态,而多数普通观众更多是被“画外话”所旋绕。
这样的照应我觉得今天的我们更应该借鉴,犹抱琵琶半遮面,千呼万唤始出来。
至今,《清明上河图》时常以各种方式出现在我们的身边。
比如说:
刺绣、邮票、壁纸等,还有去年我们上海世博中国馆那复活般的《清明上河图》。
《清明上河图》恐怕算得上中国传统绘画中最脍炙人口的一幅名作,但它对于中国普通老百姓影响之深以前是不曾有所体会的。
结语:
当代对宋代绘画的相关论述已是不胜枚举,历史为我们遗留下来的绘画作品及相关文字资料,都为我们清楚的认识和了解这一时期绘画发展的历史脚步提供了丰富的佐证。
每一种艺术作为社会精神文化层面的组成部分,它的产生于发展都是与一定得社会历史条件密切相关的。
而《清明上河图》可以更好地把宋代生活场景直观地展现给我们。
《清明上河图》是我国古代绘画宝库中的一部伟大的现实主义的风俗画,堪称中国艺术史上的不朽之作。
由于《清明上河图》本身具有重大的艺术价值和史料价值,还有相关文献和考古资料的多寡不同,引起了各界对《清明上河图》的研究、探讨和争议。
从古自今,无论是物质生活还是精神生活都有飞跃性的进步。
当我们在感叹前给我们带来伟大创举的同时,应该注意到我们现代科技神话般的进步。
正是有了现在科技的发达,才会有现在复活的清明上河图。
这一切都是在警示我们要吸取前人的精华,来不断地展自己、提升自己。
参考文献:
1、王林旭《中国美术史纲》文化艺术出版社2003年
2、龚云表《中国绘画这棵树》上海书店出版社2004年
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