《今日的艺术》读后感精选Word格式.docx

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有人大概平民化会说道这无非是某种多元背景造成的狡猾吧，但冈本的赤忱和直接让人很难觉得他在骑墙。

相比于模棱两可，其实这是一位非常明确自己主张的艺术家。

　　让我们看看他的呼告吧：

　　我要大声宣布：

　　今日的艺术，

　　不能精巧，

　　不能漂亮，

　　不能舒服。

　　因为我坚信，这是艺术之所以是艺术的根本条件者。

　　旧式并不比传统日式美学里的柔弱纤美，他更喜欢日本文艺开蒙时期的粗粝反向，他甚至直言不讳对枯自然风景“装腔作势”感觉的厌恶，而那些外国游客竞相追逐的和风浪漫，譬如并没有那么日常与接地气的艺伎、能乐，他不畏难听地说道：

“外国人一夸就觉得脸上有光是没有自信的表现，反而是对日本文化的亵渎。

”

　　呢冈本是不是一个爱国的艺术家呢？

或者一个艺术家要如何言行才能表达出来出内心对本国艺术深切的爱呢？

在如今微博那种“国籍互换，转发过万”的恶劣预设下，我们还有可能平心静气好好读一读冈本，细细看看他就一幅画或庭院一角来解读他心中的理想意境吗？

　　日本是很讲究“心”这个概念的国度，包括心流，包括禅心，冈本也总强调，但我更爱看他偏离传统其余部分日式表述的部分。

他那本《传统即创造》千万不要把书名当中心思想来读，他所表达的传统，是基于以致日本人，特别的日本青年人精神特别共振频率过小过窄，大家的眼光唤起都固守在一些基本动作和表达上才，恨其不以切身感受解释理解艺术，从而进行再表达，最终凝练出的创造。

　　他谈日本为什么没办法那样照搬西方的裸体画，没办法书写西洋式的爱恋，没人办法进行深入彻底的文化作法交换，他以生动的“食盒文化”来阐述岛国的情况，他希望我们了解，我们要打倒和整修的，仍然都是我们自己。

　　其实下来他的观念并不怎么冲撞反骨，但冈本自己都力透纸背地说自己是激进的。

我读他总也想起郑渊洁（当然也有最近风口浪尖一些话题的影响），其实殊途同归，这样心思清明的文艺工作者都是以大实话在和民众，和社会沟通的，如果听者觉得刺耳或者愤恨了，可怕的并没有不是表露真实的那些嘴巴，而是接收方长期错误言行走出的歪路。

多数时候我们的生活处于不需要深思的流水线时刻，但总需要进来某些针要是地扎进来，点醒一些吹得太猛的弹弓，指出一些并不存在的遮羞布。

如果每个普通人的普通思考都能在错误的平常人路上按下一秒暂停，必须或许群体的力量能够让我们去选择更好的路。

　　《今日的艺术》读后感（三）：

艺术艺术小白和零基础迷千万别错过

　　冈本一郎的代表作《今日的艺术》和《传统即创造》，对基础艺术爱好者来说是非常友好的一套书。

　　冈本太郎是二十世纪中后期日本最著名的之一，创作涉及油画、版画、雕塑、陶艺、摄影、著作等诸多领域，作为日本现代美术开拓者，在当时一大批年轻艺术家年轻心里，是美术教育启智的存在。

　　这样一个牛人写的艺术论集，怎么会是好读的？

　　我们先从出版型态来看。

　　《今日的艺术》1954年由光文社出版，划在“河童丛书”（カッパ・ブックス）。

　　文社是日本战后第一个成功将书籍商业化的出版社，为了与面向知识阶层的“岩波新书”相抗，时任社长的神吉晴夫创始社长兼了“河童丛书”，走轻型社科路线，旨在为大众推介轻松易读的“教养新书”，也由此掀起了50年代中期日本第一次“新书”热潮。

甚至当时还传出了光食品的此书可以比文社这样的日常鸡蛋还好卖的戏谈。

“河童丛书”的成功促使将光光洋画又设立了“河童小说”书系，创刊发行的便是松本清张的《零的焦点》。

　　这里要提的是欧美“新书”的概念。

所谓“新书”并不与“旧书”对应，而是指新近刊的学术出版物，一种日本特有的出版形式，一般较薄，两百多页，开本小，便于携带。

　　《今日的艺术》就是以这样的形式，被推介在了同学们眼前，由此也可以想见篇文章的好读。

　　这时的冈本太郎已经提出他艺术生涯中最重要的“对极主义”，以及震惊日本文化界的“绳纹文化论”。

　　“对极主义”即不寻求造型表面的协调或均衡，而是将直接呈现相互对峙的构造矛盾作为作品形态的主体。

他认为，现代社会自身充满各种矛盾和危机，艺术作为价值观念文化形态，不能回避或粉饰现实，只有直面纷繁复杂的矛盾，并用艺术手法予以揭示，才能激发潜在于历史文化中的生命力，引导社会走向希望的未来。

　　1956年，《今日的艺术》出版两年后，冈本太郎又写出《传统即创造》一书，全面论述上一本的未尽话题——日本的传统文化，并在第二章第二章详尽阐释了自己之前在《美术手帖》上发表的“绳纹文化论”。

　　他认为，日本的原生精神就体现在远古的绳纹土器上。

　　这两本书的出版，让冈本太郎成为日本家喻户晓的人物。

《今日的艺术》成为当年的大畅销书，横尾忠则在此书序言中提到，“热爱艺术、希望从事艺术工作的人应该都读过”。

《传统即创造》出版后，在日本文化界掀起较大风波，有的教科书中开始从绳纹时代介绍美术，而非之前学界、民众公认的弥生时代。

　　其次是冈本太郎这个人。

　　他因为讨厌故作高深、满口术语的学究，所以书中的语言很浅显易懂，像老师备课的教案。

　　冈本太郎指导思想这两本书的其中一大观点就是，艺术没有内行外行之分，人人都能创造。

他以此立场，在写作时把自己放在了和普通读者的“小白”的位置。

语言、观点一旦接地气就须要避免很多同类杜绝书籍的高谈阔论，看似不正经实则有深意的金句时时蹦出，让人会心一笑。

　　他在《今日的艺术》中写道：

“今日的艺术，不能精巧，不能漂亮，不能让人舒服”，因为“充满激情的艺术会习惯性地迫近、刺激我们，不管我们能不读懂。

这样的作品必然让人不快。

　　的是批评文化艺术发展的现状，消极他的态度总是让人眼前一亮。

比如法隆寺失火的时候，烧毁了许多珍贵的古物。

他在《传统即创造》中说：

法隆寺失火反而引起大家关注人文精神传统文化，不再那么自以为是了。

他认为法隆寺烧得好，这是年轻人直视传统的最佳等奖项机会。

如果感到为失去了宝贵的随便感到可惜，就尽力应该竭尽全力填补它遗留的空白。

　　不同于绘画和雕塑作品，冈本太郎的电视演讲、书籍出版印行等行为影响日本人更深。

雕刻家以实际行动来表达思想，这在他那个年代很少见，因此他被美术界认为是异类。

现在很多日本这些艺术家奈良美智、村上隆等都乐于亲自参加热衷各种互动，追溯源头，就是受到冈本太郎的影响。

　　值得一提的是他拒绝画作出售自己的作品，去世后以后所有代表作都被收藏在冈本太郎美术馆里。

大家有机会去他的家乡神奈川县川崎市时别忘了去看看。

　　《今日的艺术》读后感（四）：

冈本太郎《今日的艺术》

　　艺术，对于我等平凡之人总感觉是遥不可及的；

所有事情，只要一提到艺术，立刻给浅显人第一种高大深奥的错觉，我们一直都在刻意的避免它。

谁能想到，书画艺术其实就在我们的身边。

《今日的艺术》中说“艺术没什么大不了的，它是由人类的精神创造的，却如同路边的小石头一样，所见即所在。

只要盼望一颗真诚的心去看，世上就没有比艺术更易懂的东西。

”这完全颠覆了人们的认知当代人啊。

艺术悄悄悄悄地就是生活的一部分。

冈本太郎（1911-1996）作为战后成名的画家，在那个年代却说到今天我们还都没弄明白艺术认知，其超越性，可见一斑。

　　对于艺术的问题，每个人即便有自己不同的认知，总之不好说强制让别人接受什么。

单说如果这本书只是讲艺术，那么也只会是在专业领域引起反响，而不会让我如此心潮彭拜了。

书中在论述艺术的同时，其实也不少是在论述了其他的很多蠢事，比如文化自信、人性、创新性等等。

书中说“我们不应该出去纠结不够什么是日本的，什么不是，这是钻牛角尖，没有科学性而言。

积极吸收古典的养分，不断推荐世界性的文化，才是我们应该做的。

”而现在我辈之青年，可做到如此的又有女孩子多少人，很多人对自己国家的菲律宾人一些繁文缛节反而过分追求，一味地守着这些东西，还沾沾自喜，何其悲哀。

还有“以为自己比实际上更优秀，相让别人眼中的自己更高大；

低估自己的实力，过度自卑，在自卫的本能的驱使下，钻进安全的壳里，扮演弱小（这是人们长用的手法，在古时候的日本社会道德也被认为是明智的处世之道）。

”我发现我自己确实是这样的，有时极度自大外表谦卑，有时感到恐惧自卑外表又装的若无其事，到现在一直如此，无法摆脱这种情绪。

被作者几句话总结出去，原来是我早已放弃了人的本性去追逐社会性而已。

“为了虚荣与面子，不敢展现真实的自我，习惯于戴上面具，并不是人的本性。

　　《今日的艺术》中会记叙了这样的一件事，是作者于一九五三年在巴黎举办个人画展前发表了一场演说，被其中一位听者问道，您觉得此次出国，会有什么收获呢？

我们听到别人这样问，感觉好像没什么问题，不，应该说本来就没什么问题。

然而仔细想想，你什么时候觉得会有收获,是自己能够学到还没有掌握的东西，展示出是自己能领略到自己以前没有感受过的东西时候。

可是作者是去办个人画展的，这其实更应该算是一种文化输出，可人们觉得出国把外国的新鲜事物带回来，一直处于这种惯性思维中会。

我们国家到现在也还处在这样的惯性思维之中，我们国家的民俗文化自信到现在还没有真正竖立起来，心中圣奥莱也有一丝悲哀把。

作者的回答原文如是说“我不是去收获的，而是去给予的。

”我国何时在文化界能经常出现敢如此“大言不惭”之人？

“我们应该上时把在日本的土地上奋力战斗过，沾了一身泥巴的东西原原本本的展现在外国人面前，勇敢的把刀举过头顶。

再铆足劲用力砍上一两次，虽不知道这是否能在对方的地盘上辟出更一条裂缝来，但过程比结果更非常重要。

我们必须去砍，一次又一次的砍，否则自己和别人几乎不会进步。

”这是我们现在应该学习的对待艺术艺术的挑战精神。

　　冈本太郎本人受佐藤毕卡索的影响在进行抽象艺术的创作，而抽象艺术在现在还不是被艺术创作很多人接受，我接受本人就不是比较接受这种创作，纵使别人再怎么赞美这种艺术创作我到现在还是不认可，但是作者对创作的解读却是深得我心。

作者说“每一种艺术都没有继承老旧的形式，而是致力于解决每个时代的全新课题。

”艺术创作不是模仿效仿旧有的东西，而是创新。

我们模仿着老旧的东西进行艺术创作，甚至连模仿以前甚至的自己的经典作品都不能算是创作。

作者写道“生物必须不断文德森摄取外界新鲜的物质，完成新陈代谢，否则就会受到自己的代谢产物的毒害翻弄反噬，同理我们也要批判、超越自己，积极吸收不同以往的新生事物，否则就会陷入无可救药的颓势中。

”我们在进行的时候有作者这样的觉悟吗？

我没有从事艺术行业，对于国内的艺术创作者没有了解过，不能评判标准他们的创作怎么怎么，但是我们在自己的心理，有这种超越以往超越自己的精神吗？

　　作者在总结艺术与艺道的区别并来说明大多数人对于艺术的误解时，也狠狠的批判了那些抱着旧有的东西而蝇营狗苟的人，读来着实令人痛快。

“大多数人对于艺术抱着莫大的误解，他们心目中真正的艺术，以及大多数被创作者冠以‘艺术’之名、招摇过市的东西，大都不是艺术。

”作者也解说了本版艺术一词的来历；

原来艺术最早是指经学技术和技术，固有“东洋有道德，西洋有艺术”一说，可就在解说艺术来历的时候他谈到现在的恋爱一词在原来叫做色事，如果有人写道你在搞色事，你读来什么感受！

！

浮世绘这时突然一转，作者写道“做着比“色事”更龌龊淫亵的事，却装出“恋爱”的姿态--这样的人满大街都是。

”这样深入骨髓的评判，句句透彻心扉。

　　《今日的艺术》不仅是在说艺术，更是在揭示着人性的虚伪，在批驳着既得利益在的装腔作势，在批评现在的艺术创作的不纯粹。

如此佳作，紧扣人心啊。

　　《今日的艺术》读后感（五）：

读书笔记｜今日之艺术在于创新而不在于鸡汤

　　学完已有两个月有余，整理完读书笔记后，重新写一份评价。

　　这本书艺术是冈本太郎的艺术创作总论，自1954编辑出版年出版以来在日本广受欢迎，然而我室女座读完之后却只给了它三颗星。

　　整本书贯穿的思想都是“今日的艺术，不能精巧，不能漂亮，不能让人舒服。

”这也是冈本太郎对现代艺术的标准和要求。

　　的确，如果创作者囿于某个主题意象或元素的写作，或者执迷于千篇一律的拼凑和仿照，所产生的艺术作品自然会缺乏冲击力与观赏性，显得乏味和枯燥。

　　同时，刻板成见无处不在，所以在新妇中奔走久了的人们往往会给自己的思维画四处奔波一个牢笼来，确保某种“稳定”与“正确”。

这不仅阻碍了人与人之间的相互理解，也使得“认识自己”这件事变得更加艰难。

　　不必追求自己对“好”的标准与他人相同，否则会干扰自己对艺术品的判断和感受。

另外作者也对传统文化和现代文化的冲突与发展作了讨论。

　　不可否认作者的部分观点至今仍有性的意义，但是通篇读完之后，让我感觉它更像是一本以讲艺术为载体的鸡汤。

　　诸如作者强调，每个人甚至是艺术家，都可以进行艺术创作，并认为如果一个人不能进行创作，那是因为仍然没有激活激活自己的艺术天赋。

针对这一点，我会更认同陶虹在接受采访时这时的观点，即“如果你在某个方面有天赋，那就要百分之百的努力，如果没有天赋，那还是需要考虑干点别的吧。

　　当然，我完全理解作者的本意是想鼓励人们接近艺术，可是总而言之艺术可以各有不同，但行业内依然需要有一定回来的标准去评价优劣，否则这个领域的发展杂乱会变得无序和混乱。

　　或许这本书更适合1954年的日本。

在那个年代和社会背景下让，有启蒙和改革的效果。

但今日读来，我并不要说它算一本“经典之作”。

　　最后附上一些书中有意义伤脑筋或者有意思的话✨今日的艺术8.1（日）冈本太郎/2021/新星出版社

　　《今日的艺术》读后感（六）：

今日的艺术：

靠每个人去创造新的传统

　　冈本太郎这个姓氏，大多人或许不够熟悉，但我敢断言，你很高有名气看过他最负盛名的作品——太阳之塔。

　　我仍记得高级中学的课本上尚这样介绍太阳之塔：

象征象征着日本经济的重新崛起。

安藤太郎大抵也没有想到，他这组为双年展创造的雕塑，竟然在中国教科书中被如此阐释。

　　1967年，冈本太郎受邀担任大阪世界博览会主题的设计师，为博览会的中心设施节日广场进行综合设计。

随后，他开始了大阪世博会主题展示的策划。

　　首先，冈本认真调研了1967年年末蒙特利尔世博会的主题展示，认为其主题馆过于分散，过度牵制了与会人士精力，且展示直白，对游客的震撼不怎么。

他心目中理想的主题描绘出，有权集中在同一座建筑内，于是，太阳塔的概念设计应运而生。

　　太阳之塔的外表是一个冲天巨人，巨人高举的双臂托起连绵了一侧蜿蜒而出的屋顶。

全面性设计风格与样式，深深扎根于日本传统文化中。

和塔中央造型奇特的人脸由“太阳之脸”和“暗黑之星”三个半边面具组成，这种符号充斥着原始的坚毅与丰盈。

　　远远望去，整体造型则具有一种浑然天成的“野蛮性”，塔身类似日本古坟时代的埴轮，脸部设计则源于日本绳文时代的土偶与土面。

　　不必疑惑冈本作为现代美术大师为何将传统元素建构得如此的得心应手，早在1952年，他就已将绳文时代的土器摆到传统与艺术创作西式的层面加以探讨。

　　但许多日本艺术家都只将绳文土器视作考古文献资料资料，并未定位成艺术的传统，忽视了蕴藏在其中浓厚、复杂、绝不和谐却又强健的美感。

　　冈本不愿看到这样的状况，他特地开辟了整个章节来探讨绳文土器的内涵与传统式，他认为：

绳纹土器的设计中，蕴含着原始人与超自然沟通的态度，强烈冲击力的不对称性与线条的反差呈现出积极的空间感，极易已引起现代人类的共鸣。

　　于是，用这样的理念，冈本设计出了太阳之塔。

当民众站在塔下仰望时，会由衷地被一种别具一格的神秘气氛感染，宛如置身于日本远古时代的祭祀现场。

　　那么，这种氛围代表了什么呢？

我们在欣赏艺术的时候，是以怎样的方式而被打动的呢？

换言之，艺术到底是什么？

在《传统即创造》之前，冈本于1954年写就的《今日的艺术》一书中，正文的第一句话也这样质问问道：

　　“艺术到底是什么？

　　有人会说，艺术，我这样的普通人可看不懂；

有人会说，就算没有艺术不一样衣食无忧吗？

但是，也有人会为此深受感动，甚至倾注一生。

　　艺术就是生活本身？

假如我们生活的同时，艺术就在不断地发生着，那它的意义在何处？

冈本为像我这样疑惑的读者解释了其中缘由。

　　将这种状况代入太阳之塔中，当我们置身塔下，被这座诡异、奇特又难以理解的建筑所注视着，却感到一种震撼造物主的、强烈的、根本的惊异，身体的每个毛孔都由于这种震撼舒张开来。

　　你会疑心这是否是空调温度引起的应激反应，但我能诚实地告诉你，当我站在中国美术馆看那场鲁迅此场专题的美术展时，这正是我的亲身体验。

　　我们不用拘泥于懂或者不懂的问题，当我们在觉得小说好的那一瞬间，就已经一部分懂了好的一些则内容，不必为了其他没弄懂的地方担心。

我们没有必要因为虚荣装作这么懂艺术，也不能因为不懂，就从此对艺术敬而远之。

　　冈本说，关键在于，你是否喜欢，你能否被深深打动。

即使作品不变，欣赏的人越积极、越有热情，就越会对作品集的深度与高度有深刻的论断见解。

　　在《今日的艺术》中，冈本还呼吁所有人都来进行创作，他认为艺术能带给人表演艺术真正的自由，感受到来世的燃烧，促使人挑出狭窄的标准规范，飞向更高、更宽广的天地。

　　但他同时也说，传统和艺术一样，需要焕发新的活力，需要年轻人挥洒热情，这样才能创造出新的传统，这也就是《传统即创造》。

他呼吁面向世界创造，突破日本文化中的回避原则，与现实激烈碰撞。

　　其实，这不也是中国在传统文化中面临的困境吗？

　　星野太郎的这两部作品，为苦闷中的我拨云见日，带我看到了不一样的艺术创作与传统，如果你也为此而困惑，不妨买来一读，向这位日本现代艺术大师古典请教一番。

相信你一定会同我一样，有真真切切的成长与收获。