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客观上音高大小主要取决于声波基频的高低,频率高则音调高,反之则低,单位用赫兹(Hz)表示。
主观感觉的音高单位是“美”,通常定义响度为40方的1kHz纯音的音高为1000美。
赫兹与“美”同样是表示音高的两个不同概念而又有联系的单位。
人耳对响度的感觉有一个从闻阈到痛阈的范围。
人耳对频率的感觉同样有一个从最低可听频率20Hz到最高可听频率别20kHz的范围。
响度的测量是以1kHz纯音为基准,同样,音高的测量是以40dB声强的纯音为基准。
实验证明,音高与频率之间的变化并非线性关系,除了频率之外,音高还与声音的响度及波形有关。
音高的变化与两个频率相对变化的对数成正比。
不管原来频率多少,只要两个40dB的纯音频率都增加1个倍频程(即1倍),人耳感受到的音高变化则相同。
在音乐声学中,音高的连续变化称为滑音,1个倍频程相当于乐音提高了一个八度音阶。
根据人耳对音高的实际感受,人的语音频率范围可放宽到80Hz--12kHz,乐音较宽,效果音则更宽。
3.音色
音色又称音品,由声音波形的谐波频谱和包络决定。
声音波形的基频所产生的听得最清楚的音称为基音,各次谐波的微小振动所产生的声音称泛音。
单一频率的音称为纯音,具有谐波的音称为复音。
每个基音都有固有的频率和不同响度的泛音,借此可以区别其它具有相同响度和音调的声音。
声音波形各次谐波的比例和随时间的衰减大小决定了各种声源的音色特征,其包络是每个周期波峰间的连线,包络的陡缓影响声音强度的瞬态特性。
声音的音色色彩纷呈,变化万千,高保真(Hi—Fi)音响的目标就是要尽可能准确地传输、还原重建原始声场的一切特征,使人们其实地感受到诸如声源定位感、空间包围感、层次厚度感等各种临场听感的立体环绕声效果。
另外,表征声音的其它物理特性还有:
音值,又称音长,是由振动持续时间的长短决定的。
持续的时间长,音则长;
反之则短。
从以上主观描述声音的三个主要特征看,人耳的听觉特性并非完全线性。
声音传到人的耳内经处理后,除了基音外,还会产生各种谐音及它们的和音和差音,并不是所有这些成分都能被感觉。
人耳对声音具有接收、选择、分析、判断响度、音高和音品的功能,例如,人耳对高频声音信号只能感受到对声音定位有决定性影响的时域波形的包络(特别是变化快的包络在内耳的延时),而感觉不出单个周期的波形和判断不出频率非常接近的高频信号的方向;
以及对声音幅度分辨率低,对相位失真不敏感等。
这些涉及心理声学和生理声学方面的复杂问题。
二、什么是音乐
应该是通过有组织的音所塑造的听觉形象来表达创作者的思想感情,反映社会现实生活,使欣赏者在得到美的享受的同时也潜移默化地受到熏陶的一种艺术。
音乐通常表述为:
1、音乐是听觉艺术。
音乐是听,这是音乐的本质。
2、认识音乐和音乐美的起点,是音乐的感性材料。
3、音乐的音响标志着它的存在。
4、对音乐的本体研究,是有关音乐感性材料、形式构成规律以及如何表达内容等问题的研究。
对“音乐”的不同表达方式有——
“乐本体”的表达方式:
“音乐文化”、“音乐就是一种文化”、“音乐作为人类文化行为方式”。
音乐存在三要素是行为、观念、形态;
“音本体”的表达方式:
“纯音乐”、“音乐本身”、“绝对音乐”。
音乐构成三要素:
节奏、旋律、和声。
“音本体”观念就是视音乐为“音响及其运动形式”。
将音乐感性材料上的特殊性视为音乐的本质。
进而认为音乐是自律的。
将音乐的存在视为音响形态上旋律、节奏、和声这“三要素”的存在。
“音本体”观念在音乐经验和音乐教育中的局限表现在:
忽视音乐在人类各类文化事项中具有多种功能;
强调审美欣赏中的聆听(“以审美为核心”),立美训练不足;
民族音乐文化传承与多元文化价值观的建立。
“音本体”观念在理论研究中的局限表现在:
忽视在多元文化环境中、在人的社会实践活动中存在有大量性质各异的音乐事例;
强调重视音乐形态分析,轻视对音乐整体文化现象的把握;
缺乏对音乐学在音乐学科建设整体构成中具引领价值、提升学科和教育品格的认识。
“乐本体”观念是在音乐哲学美学的本体论研究中,对音乐的存在方式以哲学思考而产生一个理论范型。
与“音本体”构成一对理论范型。
这是中国传统音乐美学思想背景下产生的、特有的理论范型。
“乐本体”理论范型视音乐为人类文化行为方式之一种,而非音响形态,这是与西方传统音乐学最明显的区别——故曰“分水岭”。
“乐本体”的理论框架:
1、行为的存在。
音乐行为的存在,大致分为操作行为与参与行为两类。
2、形态的存在。
音乐形态的存在,可分为音响形态与物化形态这两类不同的存在。
3、意识(观念)的存在。
其存在即是内化的、也是外化的存在。
由于音乐是艺术的一种,所以它作为艺术在其所起的作用和所得到的效果等方面应该和其它艺术形式是一样的。
这一方面的内容,由音乐欣赏、音乐美学和音乐评论等学科去研究。
音乐艺术和其它艺术形式所不同的只是使用的材料和构成艺术作品的种类。
在这里,用什么来组织音和如何塑造听觉形象就是音乐理论所研究的两个重要方面。
其中,后者由和声、复调、曲式、乐器法和作曲法等学科所考虑。
而前者由于所包含的内容是其它一切音乐理论的基础,所以有人就直接把它叫做《音乐理论基础》;
也有人称之为《音乐基本理论》;
还有人简称为《基本乐理》。
而公认把《乐理》作为这一门学科的专用名词。
不同的国家和民族有不同的社会环境和不同的文化背景,因而也就应该有不同的音乐实践和不同的音乐理论。
从表面上看,中国音乐也有五声七音十二律,也有类似西方节拍中2/4和4/4的一板一眼和一板三眼等,但在中华民族传统哲学思想的氛围中形成的中国音乐则和西方音乐有着本质的不同。
中国音乐理论遵循的是“音无定高,拍无定值,谱无定法;
演奏(或演唱——下同)者应根据自己对音乐的理解去塑造音乐形象”,简而言之,是一个开放的音乐体系;
而西方音乐理论——尤其是乐理——则讲究的是“音高和音值是构成旋律的基本要素,必须按谱演奏。
任何改变音高或音值的做法必将改变音乐形象”,是一个封闭的音乐体系。
二者是截然不同的两回事,因此也就各有其特点:
中国音乐尊重演奏者的第二次创作,因为他促进了音乐的发展;
而西方音乐则强调原创作者的劳动,因为他是文化遗产的一个重要组成部分。
但是中国的“三无”并不是可以毫无章法地随心所欲,演奏者必须遵循一定的规律,并对其所演奏的音乐有充分的理解,这样才能保证所塑造的音乐形象大同小异,在继承中有所发展。
而“按谱演奏”则由于记谱法的不完善并不能保证所塑造的音乐形象完全不走样。
不同的演奏家对同一首乐曲演奏出不同的风格就充分说明了这一点。
开放的音乐体系对发展和繁荣中华民族的音乐文化起到了不可估量的巨大作用,但却使初学者无所适从:
学习民族音乐的人,必须置身于他所学习的音乐环境中经过长期的熏陶才能逐渐掌握,这就限制了音乐艺术的普及和提高。
在这种情况下,封闭的音乐体系就表现出她独特的优越性:
世界各地的音乐院校几乎毫无例外的采用西方的音乐体系,就说明了这一点。
我们这本书因为是以实用为主,所以也采用这一体系。
不过我们应该记得,乐理只是音乐理论的基础。
采用封闭的音乐体系,只是为了使初学者能够尽快入门。
作为中华民族的一员,不应该让一个封闭的音乐体系来指导我们一生的音乐生活乃至整个音乐理论。
遗憾的是,一部分音乐工作者似乎已经忘记了这一点。
面对博大精深的民族音乐无所适从;
更有甚者,认为外国音乐高雅,中国音乐低俗;
外国音乐先进,中国音乐落后。
希望这些人想一想,民族器乐曲《春江花月夜》低俗吗?
小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》落后吗?
古琴曲《流水》被录入美国“航天者”号太空船上携带的一张镀金唱片上,于1977年8月22日发射到太空,向宇宙星球的高级生物传播中华民族的智慧和文明信息;
联合国科教文组织首次宣布的“人类口头遗产和非物质遗产代表作”中昆曲被评审委员会一致通过,在首批19个项目中荣登榜首等事实,充分说明了“只有民族的才是世界的”。
要想置身于世界音乐之林,只能靠我们自己的民族音乐!
…………
作为音乐基础理论知识的《乐理》和音乐基本技能训练的《视唱练耳》是学习音乐专业学生的两门必修课,合称为《基本乐科》。
它们之间有着不可分割的密切联系∶视唱练耳的音乐实践需要乐理知识的理论指导;
乐理知识的概念和技巧又必须通过视唱练耳的技能训练才能得到理解和巩固。
只学乐理不学视唱练耳是纸上谈兵,不可能学深学透;
而只学视唱练耳不学乐理则是就事论事,只能成为新一代的“艺人”而不可能成为一个合格的音乐工作者。
由于不了解,有的人就认为《基本乐科》的重点是识谱和记谱而忽视了其它方面的内容。
前些年轰动全国音乐界的赵季平《好汉歌》事件就充分说明我们的一部分音乐工作者忘记了一个最基本的音乐常识:
音乐形象的异同是借鉴与改编的根本区别。
其实仅就乐理而言,通过前面的分析我们已经知道,举凡音乐理论各方面的基础知识都应属于乐理的范畴,所以,学习乐理的目的,是为了明确音是由哪些方面组织起来以构成音乐形象的,以及组织音的各个方面的具体内容。
要求掌握音乐理论诸方面的基础知识和基本技能。
通过学习乐理,应该在乐音体系、记谱法等方面有一个系统的、全面的概念,同时对节奏节拍、音程和弦、调及调式等方面要作深入的掌握,还要对调式变音、转调移调、旋律等方面有一定程度的了解,以期对其它学科的学习奠定一个良好的、坚实的基础。
音乐艺术和其它艺术形式一样,都是通过具体的、典型化的形象来反映社会现实生活的,所以有很强的实践性;
同时,音乐理论本身又具有严密的科学性和系统性,许多概念之间都有密切的内在联系。
因此,在学习乐理时不仅要弄清每一个概念的具体内容,还应该多做练习,在具体的音乐作品中去理解理论的含义。
对一些相近的概念,一定要弄清它们之间的具体区别和相互关系。
如象初学时,一定要先把音名和唱名所对应的音高及在键盘上和谱面上的具体位置这五个方面弄清楚并牢牢记住;
在学到八度、调和导音等名词时,必需把同一名称的两个不同概念搞清楚并明确它们各自的适用范围等。
否则,以后的学习将会事倍功半,甚至劳而无功。
音乐、美术和文学是三大基本艺术形式。
其它所有的艺术形式均是这三种形式的组合和发展。
而且,绝大多数综合艺术均离不开音乐艺术的参与。
在一些艺术形式中——如戏曲、歌剧、舞剧及影视等——音乐甚至成为其中不可分割的重要组成部分之一。
为此,音乐应是绝大多数综合艺术的必修课之一,而乐理则是其基础,我们应该给予足够的重视
二、什么是音乐的基本要素?
音乐的基本要素是什么意思?
音乐基本要素:
音乐的基本要素是指构成音乐的各种元素,包括音的高低,音的长短,音的强弱和音色。
由这些基本要素相互结合,形成音乐的常用的“形式要素”,例如:
节奏,曲调,和声,以及力度,速度,调式,曲式,织体等。
构成音乐家的形式要素,就是音乐的表现手段。
音乐的最基本要素是节奏和旋律。
1、节奏:
音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。
音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。
节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。
我国传统音乐称节拍为“板眼”,“板”相当于强拍;
“眼”相当于次强拍(中眼)或弱拍。
2、曲调:
曲调也称旋律。
高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来,就形成曲调。
曲调是完整的音乐形式中最重要的表现手段之一。
曲调的进行方向是变幻无穷的,基本的进行方向有三种:
“水平进行”、“上行”和“下行”。
相同音的进行方向称水平进行;
由低音向高音方向进行称上行;
由高音向低音方向进行称下行。
曲调的常见进行方式有:
“同音反复”、“级进”和“跳进”。
依音阶的相邻音进行称
为级进,三度的跳进称小跳,四度和四度以上的跳进称大跳。
3、和声:
和声包括“和弦”及“和声进行”。
和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向(同时)重叠而形成的音响组合。
和弦的横向组织就是和声进行。
和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用;
还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。
4、力度:
音乐中音的强弱程度。
5、速度:
音乐进行的快慢。
6、调式:
音乐中使用的音按一定的关系连接起来,这些音以一个音为中心(主音)构成一个体系,就叫调式。
如大调式、小调式、我国的五声调式等。
调式中的各音,从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。
7、曲式:
音乐的横向组织结构。
8、织体:
多声音乐作品中各声部的组合形态(包括纵向结合和横向结合关系)。
9、旋律:
声音经过艺术构思而形成的有组织、有节奏的和谐运动。
旋律是乐曲的基础,乐曲的思想感情都是通过它表现出来的。
节奏和节拍是音乐构成中的重要因素,在音乐表现中具有重大意义。
节奏与节拍在音乐中永远是同时并存的,不可分离的。
它们以音的长短、强弱及其相互关系的固定性和准确性来组织音乐。
带重音和不带重音的同样时间片断按照一定的次序循环重复叫做节拍。
譬如列队行进中整齐的步伐,就充分体现了这点。
假定左脚带重音,右脚不带重音,左-右-左-右就是轻-重-轻-重,这就是节拍。
节奏的含意有两种:
广义地说,一切协调、平衡、律动都可称为节奏。
狭义地说,节奏是音的长短关系。
列队行进中变化着的鼓点,体现了音的长短关系,如嘣-嘣-嘣嘣嘣,这就是节奏。
在音乐作品中,具有典型意义的节奏,叫节奏型。
例如交谊舞中的快三步(相当于古典音乐中的维也纳圆舞曲)其节奏型是“蓬、拆、拆、蓬、拆、拆”,用音乐术语说是属于6/8拍子(读作八六拍)。
在乐曲中运用某些具有明显特点的节奏型的重复,使人易于感受,便于记忆,也有助于乐曲结构上的统一和音乐形象的确立,所以它在音乐表现上意义重大。
节奏还有一种功能,就是激发听众的情绪,使之不由自主地在身体动作上与音乐共鸣,现代摇滚乐(rockandroll)是一种以极其强烈和粗野的节奏为特点的音乐。
它非常迎合青年人喜欢刺激的特性,因而风行全世界。
下面谈拍子问题。
用来构成节拍的每一时间片断,叫做一个单位拍。
为了构成节拍而使用的重音,叫做节拍重音。
有重音的单位拍叫做强拍,无重音的单位拍叫做弱拍。
在乐曲中,节拍的单位用固定的音符来代表,叫做拍子。
拍子是用分数来标记的。
分子表示每小节中单位拍的数目,分母表示单位拍的音符时值。
拍号的读法是先读分母后读分子,如3/4拍子读作四三拍。
在乐曲中,由上一个强拍到下一个强拍之间的部分叫做小节。
把小节彼此分开的垂直线叫做小节线。
由于单位拍的数目和重音的位置的不同,拍子分为几类。
每小节有两拍或三拍的拍子叫单拍子。
单拍子的特点是只有强拍和弱拍。
如2/2、2/4、3/4、3/8等都是单拍子。
用同样的单拍子,即两拍子或三拍子,合成序列,因而不只有一个重拍的拍子,叫复拍子,在复拍子中,有几个单拍子就有几个重拍,每个单拍子的第一拍都是重拍。
在复拍子中,第一个重拍叫强拍,其它重拍叫次强拍。
常用复拍子有4/4、6/8、9/8、12/8等。
在音乐中,各种拍子都有它所特有的表现作用,是别种拍子所不能代替的,如进行曲总是用两拍子,圆舞曲总是用三拍子,两者绝对不能互换。
此外,复杂的拍子往往会给音乐赋予特殊的活力,像爵士乐、摇滚乐就是这样的例子。
旋律是音乐的灵魂,是音乐的基础,它体现音乐的全部思想或主要思想。
文学家写一本小说,用文字叙述了小说的情节,这个情节比较容易记住,这一方面是由它叙述了现实生活中的事情,另一方面是由于人们可以回过头来重新回忆这个情节。
音乐所描述的内容从本质说来总是比较抽象的(某些标题音乐例外),音乐的“情节”只能依靠旋律表达出来,因此,旋律在音乐中似乎相当于情节在小说中的地位。
旋律是听众的向导。
因此听众在接触一支旋律时,必须能够把它辨认出来,而且以后还要自始至终追随它的行踪。
这是对于有理解力的听众的起码要求。
如果你听音乐时既不能辨认旋律,又不能追踪旋律,那么你就没有必要听下去了,因为你只不过是模糊地感到音乐的存在而已。
旋律是什么?
简单地说,不同的音高和不同时值的单音的连续进行就构成旋律,严格地说,旋律是用调式关系和节奏节拍关系组合起来的,具有独立性的许多音的单声部进行。
旋律将所有的音乐基本要素(这里指的是调式、音高、节奏节拍、强弱等)有机地结合在一起,成为完整的不要分的统一体。
旋律离开了其它各种音乐要素是不可想象的,因为旋律的表现为和感人力正是通过音乐的各种要素作用和相互作用来实现的。
旋律可分为声乐器乐旋律两种,声乐旋律是供人声演唱的,一般说音域比较狭窄,富于歌唱性是它的最大特点。
器乐旋律是供乐器演奏的,它和声乐旋律相比,音域较宽,速度和力度的变化比较大,富于节奏性和技巧性,但歌唱性对器乐旋律的表现来说,也同样具有重要的意义。
旋律进行的方式,大致可以分为下列四种:
1、级进。
即旋律按照音阶式进行,可以是上行(12345),也可以是下行(54321)。
2、跳进。
旋律进行时作三度以上的跳跃称为跳进(135或531)。
3、同音反复。
相同音连续出现(1155665,4433221)。
4、模进,即不同高度的重复(123,456,654,321)。
此外,旋律还可以通过某些手段,使之变化发展,从而扩大了旋律的范围,丰富了旋律的内容。
什么是一个优美的旋律?
这是一个不容易回答的问题。
作曲技法书会提出一些优美旋律的条件,如在整个乐句或乐段中须保持各音间一定的关系;
在结构上有明显的分段;
在进行方向与节奏上要有平衡与对比;
在结构上要有特征,以便表现清楚的音乐形象。
等等。
但即使你完全掌握这些法则,也未必写得出一个优美的旋律。
有人说,写旋律的才能是天赋的,这话不无道理。
一首乐曲的旋律,比之其它音乐因素(节奏、和声等),是最能体现作曲家的风格特点的。
音乐听得多的人,往往能从没有听过的旋律大致猜出它是属哪个时期哪个流派的作品,一般听音乐的人,辨认一首乐曲,主要要是依靠辨认旋律。
旋律是连续不断地引导听者自始至终听完一首乐曲的一根线索,听音乐时必须紧紧捉住这根线索,大多数旋律或多或少都是由精心设计的一些次要素材所伴随。
不要让旋律被伴随它的其它素材所淹没,要在头脑中把旋律从环绕的一切素材中分出来,必须能够听到旋律。
音的性质
音有高低、强弱、长短、音色四种性质。
音的高低是由物体在一定时间内的振动次数(频率)决定的。
振动次数多音就高,振动次数少音就低。
一般人耳能够听到的音频范围约为30-17000赫兹。
音的长短是由于振动的延续时间决定的,振动延续时间长音就长,振动延续时间短音就短。
音的强弱是由于振幅(amplitude)即物体振动范围的幅度大小决定的。
振幅大音就强,振幅小音就弱。
音色(timbre或tonecolor)是由发音物体所产生的谐波(harmonicwave)决定的,发音物体的性质、形状不同,所产生的谐波也不同,因而音色也不同。
音的这四种性质,在音乐表现中都是非常重要的。
但音的高低和长短更为重要。
以《生日快乐》这首歌的旋律为例,不管用人声演唱或用乐器演奏,小声演唱(奏)还是大声演唱(奏),虽然音的强弱和音色都有了变化,但是仍然很容易辨认出这支旋律就是《生日快乐》。
但是,假如将这首歌的音高或音值(长短)加以改变,则音乐形象即受到破坏,人们再也认不出这是原来的旋律了。
音的振动状态有规则的,也有不规则的。
据此,音被分为乐音与噪音两类,音乐中所使用的主要是乐音,也就是振动状态规则的音;
但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。
三、什么是音乐欣赏?
音乐欣赏是什么意思?
音乐欣赏与音乐批评是听众对音乐作品的具体掌握和评价的审美活动。
音乐欣赏,是一种再创造。
在欣赏过程中,人们对音乐的本身得到一种认识,发生一定程度的共鸣,产生审美愉悦,从而满足自己的审美要求。
音乐批评,则是在欣赏的基础上进一步对作品科学的分析和评价。
两者之间有着密切的联系,但又各有其特点。
和其他的艺术欣赏活动一样,音乐欣赏也是一种感觉与理解、感性认识与理性认识的统一活动,也有一个由浅入深的反复过程。
但音乐欣赏又有自己的特点,这就是它比其它艺术更需要听众主观方面的配合。
音乐是具有多种层次的复杂艺术。
从其具体形态来看,它表现为用感官可直接接受的音响及形式,与形式凝合在一起的内容首先以情感与情绪表现出来,在这种情感及情绪的后面又包含了作曲家对现实的选择、认识以及态度,使其成为一个和谐的艺术品,作曲家使用了一系列比拟、暗示、象征、联想的方法,并保持其结构的有机完整性。
这样在欣赏音乐时,听众不能不经历一个与作曲家相反的过程,即要通过已存在的客观音响,由表及里来理解、认识作品的内涵和艺术家的心灵(可参阅第三章中的两个图)。
显而易见,没有良好的乐感和相应的知识结构以及对音乐所具有的再创造能力,是不可能很好地完成这一过程的。
音乐欣赏很重要的一个特点就是它的主观色彩。
由于音乐首先诉之于情感,而情感的激发必然有强烈的主观性。
这样,就产生两种后果:
①作品中所表现出来的感情被听众接受并作为自己的感情体验,而却又难以用具体的概念来表达清楚,往往就"
只可意会,不可言传"
。
②由于同样类型的情感可以有不同来源,这样每个听众可以根据自己当时的心境、生活经验、知识水平作出各不相同的联想,产生相当不一致的感受和认识,即使对标题音乐的理解也可出现相当大的分歧。
对音乐的欣赏不能停留于对感情的体验,还必须立足于探索作曲家之何以会产生这种情感的心理基础与其客观原因。
于是,就有必要进一步理解作曲家的生活、立场、态度、以及其具体的创作背景、创作动机,亦即要从感性认识阶段进入理性认
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