苏少版八年级下册美术教案 全册Word文档格式.docx
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教师准备:
教材,教学多媒体课件。
学生准备:
教材,通过美术馆、博物馆、网络、书刊等多种渠道收集相关信息。
教学过程
个性思考
中国传统工艺品大多是历代工匠艺人的手工制作。
我们欣赏时,要结合实用功能领略其造型美、装饰纹样的韵律美、材料质地的肌理美和制作工艺的精致美,并通过这些美的感受去理解中华民族的文化精神和审美意蕴。
今天我们主要从陶器、瓷器和青铜器来进行欣赏和了解
一、
1、不论中国还是外国,都是先有陶器,后有瓷器。
人类制造陶器始于新石器时代,约有八九千年的历史。
它是人类进化过程中具有划时代意义的伟大创造。
这是因为,这是人类第一次利用水和火,改变了黏土的形状,改变了黏土的性质,创造了一种新的物质产品,揭开了科学技术史上的第一页。
人类从实践中认识到黏土掺水后具有可塑性,从而可能塑造一定的形状。
同时,人类在长期用火的实践中,必然得到成型的黏土经火烧之后可变成硬块的认识,这些都是产生陶器的先决条件。
至于陶器是怎样发明的,目前还缺乏确凿的证据。
一般的说法,可能是由于沾有黏土的篮子经过火烧之后,形成不易透水的容器,从而得到了进一步的启发。
不久之后,便开始出现了塑造成型并经烧制的陶器。
特别是随着人类农业经济和定居生活的发展,饮水的搬运和谷物的储藏,都需要这种新兴的容器——陶器,于是它们就大量出现,成为新石器时代的重要特征,在人类生活史上开辟了新的纪元。
制陶技术有捏塑法、贴敷法和泥条盘筑法等。
后来又发明了轮制成形的制陶技术,借助称为陶车的简单机械对陶胚进行修整,制造出造型优美的陶胚。
另外,陶器的烧制温度也有要求,早期陶器的烧制温度较低,一般在600—800C左右。
2.陶器的造型:
陶器的造型可分为以下几大类。
汲水器:
如《漩涡纹尖底瓶》;
炊器:
有罐、鼎、鬲等;
饮器:
杯、角、觚(gu)、(gui)等;
食器:
有碗、钵盘等;
盛贮器:
有壶、罐、瓮、瓶、尊、盆、缸等。
工艺美术的实用与审美相统一的本质特征,在陶器中已得到了生动的体现。
例如,当时的陶器中最常见的陶罐与陶钵,它们作为一种盛器,为了使其具有尽量大的容积,它们在造型上都具有鼓腹的特点。
但是,陶罐与陶钵的用途不完全相同,陶罐一般用于储水和运水,陶钵主要用于炊煮。
为了适应这种不同的使用要求,陶罐都是小口、有肩,有的还有较长的颈,目的是便于运水、储水、倒水;
而陶钵则无肩、无颈、大口,这样便于炊煮和饮食。
3.彩陶艺术:
中国古代的陶器,以彩陶最为著名。
这些彩陶或是以造型优美见长,或是以纹饰丰富引人喜爱,或者是造型和纹饰都很优美。
这些陶器,可以使我们清楚地看到,人类在制作这些最早的生活用器时,就已经根据美的法则在创造。
在使用各种装饰纹样时,当时的人们已经能够熟练地运用重复与多样、虚与实、节奏与韵律等形式美法则。
中国的彩陶图案由最简单的点、线、面组成几何形纹样,来代表某种被描绘的对象,也就是说用最简洁的平面图案来造型或示意。
例如有的鱼形只用一个圆点和两条方向相反的弧线来示意。
这种具有简明的标志性的特点,反映出中国先民善于从复杂的事物现象中抓住本质作高度的概括,并用最简单而明确的艺术语言来表现出事物的特征及与周围事物的联系,从而提炼出标志性很强的纹样。
中国的彩陶艺术不是单纯地模拟自然形象,而是充分发挥创造者的想象力,以意写形,使图案灵活多变。
譬如先民们可以将天上的飞鸟、水中的游鱼和人面以意融合成象,表达出鲜明的意境,展现出气象万千的艺术风格。
(介绍《人面鱼纹盆》)
彩陶的制造者很注意图案与器形、视角的关系,力求图案的造型和构成与器形相协调。
也注意彩陶图案在不同视角所产生的不同视觉,从而设计出图案在器物上的部位。
十分得体地显示出民族文化的风采。
(介绍《舞蹈纹盆》)
二、
2.瓷器的发展
商代出现原始瓷,东汉至三国是我国瓷器发展史上极为重要的时期,三国以后到南北朝,瓷器进入了一个辉煌的发展时期,南方有青釉瓷,北方有青瓷。
隋唐时期是我国瓷器的一个重要的成长时期,这时瓷器普遍用较高的火候烧成,胎质较硬。
瓷器在社会生活中日渐受到重视。
唐代开始有了“窑”的专称,它象征着瓷器产量的增长。
宋代瓷器产量高且质量好,为明清瓷业的发展奠定了基础。
元代,我国瓷器大批量行销海外。
明清是我国制瓷业的鼎盛时期,造瓷技术有了很大的进步,胎釉细腻,色泽鲜明移植珐琅彩和创造粉彩是当时杰出的成就。
3.我国瓷器在造型和装饰艺术上的特色
从东汉到南北朝,我国青瓷逐步成熟起来,但这一时期的瓷器无论是造型还是纹饰都与青铜器有联系,这时瓷器的造型特征是清秀挺拔,与当时人们的审美爱好相一致。
隋代瓷器造型有以下特征:
(1)胎体的可塑性和耐火性能加强,显得秀气。
(2)罐类器形一般为短颈、直口、圆腹。
(3)器物为小平底,底下有圆饼状实足。
隋代瓷器的纹饰常见的有几何纹、花卉纹、动物纹、人物纹,色彩也比较丰富。
(重点介绍《白釉象首龙柄壶》)
唐代烧制瓷器的地域扩大,产品增多,青瓷、白瓷、三彩陶代表了唐代陶器工艺的最高水平。
唐代瓷器作为商品广泛流传的海外,瓷器“自唐代始而有窑名”,这种传统习惯一直沿用的现代。
唐代瓷器造型繁多,装饰更加丰富,采用手法有绘画、刻花、印花、捏塑等,内容包括日月、花草、树木、动物、人物、建筑等。
五代时期继承了唐代的制瓷风格并有所发展,其中密色瓷为当时瓷器的最上品。
五代时期一些重要的瓷窑体系基本形成,如定窑、耀州窑、磁州窑等。
宋代制瓷业比唐代规模更大,名窑众多,工艺水平超越前代,达到繁荣的新阶段。
这是本课的重点内容。
它的主要标志是全国已形成了有代表性的瓷窑体系。
影响最大的是被后世称为五大名窑的“汝窑”、“官窑”、“哥窑”、“钧窑”和“定窑”。
“汝窑”的窑址在今河南省临汝,宋代属汝州,故称汝窑。
“官窑”一般指官方办的窑厂。
“哥窑”是因相传南宋时有兄弟二人均在今浙江省龙泉烧制瓷器,各有特色,兄所烧制的瓷器称“哥窑”弟所烧制的瓷器则称“弟窑”。
“钧窑”的窑址在今河南省禹县,古代属钧州,因而得名。
“定窑”的窑址在今河北省曲阳,古代属定州,故称“定窑”。
宋代的瓷器不仅创造了许多优美的造型,而且在釉色的运用上,为陶瓷美学开辟了一种新的境界。
元、明、清三代,中国的瓷器仍不断有所发展。
白地蓝花的青花瓷器,始于元代,成熟于明代,并成为明、清两代瓷器生产的主流。
三、在中国古代早期的工艺美术中,如果说陶器是原始社会新石器时期的象征,那么青铜工艺便可成为奴隶社会工艺美术的典型代表。
人类经历了原始公社时代的漫长跋涉之后,进入了奴隶制社会。
在中国,作为奴隶社会文明标志的,是青铜工艺。
史家把奴隶制时代称为“青铜时代”。
青铜器的发达的铸造工艺充分体现了中国奴隶制社会时期高度发展的生产力水平,它的丰富多彩的造型和纹饰,集中反映了中国劳动人民杰出的艺术创造。
1.什么是青铜器
青铜是铜和锡铅的合金,因为红铜(纯铜)的熔点很高(1083C),而硬度较低,加入锡,可以降低熔点(700—900C),而且增加硬度,在应用上具有广泛的适用性。
人类在使用铁器以前,广泛地使用青铜铸造各种器具。
2.青铜器的分类
青铜器的范围非常广泛,从功能上大体可分为四类:
(1)礼器:
商周时期,一些日用青铜器由于用作祭祀和典礼时的陈设而被赋于特殊意义,成为青铜礼器。
如鼎、鬲、尊等。
(2)乐器:
到春秋时期,乐器在祭祀和典礼中更是不可缺少,所谓“钟鸣鼎食”即反映了当时的情况,如饶、钟、铃、鼓等。
(3)兵器:
现出土的兵器以春秋战国时最多。
有戈、钺(yue)、矛、剑、镞(zu)等。
(4)工具及车马具:
如犁、锄、镰、铲、斧等。
此外,青铜日用器从用途上的主要分类有:
食器、酒器、水器、日用杂器四种。
其中以食器、酒器为主。
3.青铜工艺在造型和纹饰的主要特征:
从艺术欣赏的角度来看,中国古代青铜工艺的突出成就,是丰富多样的造型和纹饰,以及不同历史时期不同的艺术风格。
中国的青铜工艺,以商、周两代的青铜器为代表,如最重要的是所谓青铜礼器——鼎。
鼎是古代的煮食器,其造型特征为由腹、足、耳三部分组成。
腹可以盛物,足可以扬火,耳可以穿杠搬运。
鼎是青铜礼器中最为重要的一个品种,它的实用意义是盛放或烹煮食物,但它的价值却体现在对礼治的维护上。
一般多用于奴隶主阶级的祭祀和宴饮,具有区别尊卑贵贱的功能,是奴隶主统治权力的象征。
文献记载:
“天子九鼎,诸侯七鼎,大夫五鼎,元士三鼎或一鼎”。
(又有成语“一言九鼎、问鼎中原、三足鼎立”)
如《司母戊方鼎》,形式厚重华丽,充满了神秘、威慑的色彩。
司母戊方鼎是迄今出土的所有鼎中最大最重的,它还有一段传奇的经历。
1939年3月,这只鼎出土于河南安阳侯家庄武官村吴玉瑶家的农田中,因鼎太重太大,移动困难,人们便想锯断大鼎,然后运出,但仅锯一足,便锯不断,于是悄悄地把鼎埋起来。
后来消息走漏,日本人来搜索未成,便出价70万圆伪币收购,当地人们巧妙地送出另外一鼎,算将此鼎留下。
抗战胜利后,1946年6月,大鼎重新掘出,但已失去一耳(后来补上),先存放于安阳县政府。
同年十月底,当时国民政府主席蒋介石60寿辰,当地驻军将大鼎作为寿礼,用专车运抵南京,保存在中央博物院筹备处。
后来,国民党政府曾想将此鼎运往台湾,终因过于困难,才打消了这一念头,建国后,此鼎存于南京博物院,1959年拨交中国历史博物馆,现已成为镇馆之宝。
西周中期以后,青铜器的神秘色彩逐渐淡化,风格趋向简朴,追求朴素、典雅之美。
如《孟鼎》,造型雄伟凝重,纹饰简朴。
春秋中期以后,青铜器逐渐变成供统治阶级享用的生活用品。
青铜器的造型趋向轻灵、奇巧,装饰手法写实,纹饰也易于理解。
如,莲鹤方壶》,便是这方面的代表作。
另外《曾侯乙编钟》是最重要的出土文物,编钟共56件,分上、中、下三层。
经检测每件编钟不仅都能发音,而且能发两个不同的音,可以演奏各种现代乐曲,而且音质纯正,音色优美。
这是目前世界上仅有的保留着原有音响的一套特大型定音古乐器,也是世界上保留下来的最古老的12个半音的乐器。
(录象:
曾侯乙编钟)
秦、汉时期,由于铁器和漆器比青铜器更方便,从而逐步取代了青铜器,青铜器便向轻便、精巧、实用的生活用器和观赏器方向发展,它们往往以实用和美观的高度统一而引人注目
教学反思
第二课《
轻描重彩总相宜》教学设计
轻描重彩总相宜
造型·
表现
美术课程标准提出美术是人类文化最早和最重要的载体之一,凝聚着浓郁的人文精神,作为中国传统的花鸟画,洋溢着特有的审美,可以增强学生对自然和生活的热爱及责任感。
工笔花鸟画有其独特的艺术绘制程式,讲究用笔用墨,笔墨不仅是视觉形式,更是气韵、精神的载体。
教材选材灵活,宋人花鸟,给教师提供了很好的教学视角。
引导学生感受宋人花鸟画“以技进乎道”的高妙,感受画面空灵、至美的视觉遐想。
了解宋人花鸟画的表现语言、构图形式、造型特征、色彩运用及画面情趣的表达。
临摹一幅宋代花鸟画小品,体验工笔花鸟画的表现技法,感受画面的书卷气息。
感受宋代花鸟画崇尚诗意的情趣,品味画面“笔工而意写”的意境、气韵。
工笔花鸟画的绘画步骤及其艺术特征。
工笔花鸟画诗意画面的构建。
教学课件、熟宣、勾线笔、染色笔、颜料。
一、观察探讨
通过对比宋人花鸟作品与摄影花鸟作品,引导学生探究工笔花鸟画如何表现对生命的追寻与动植物的特质的,分析花鸟画如何借助想象、联想的手法表达充满诗意的画面的。
二、赏析体验
赏析层层渲染的宋人花鸟代表作品,探讨画家对生命的关注,分析作品的布局、用笔、用色及画面意境的构建,了解工笔画的四种表现方法。
观察教师演示步骤,领悟渲染的技法要求,临摹一幅宋人花鸟,体验描绘技法,感受画面的情意表达。
三、展示评价
在班级展示临摹作品,要求同学之间相互交流临摹宋人小品的体会、用狼毫笔勾线时的提按变化、羊毫笔渲染色彩时的接染效果、画面构图的留白空间、细致精微的描摹技法、画面蕴含的生机与情意传递„„同学互评及教师点评作品。
这节课围绕临摹练习这一手段,培养学生在宋人画册中探究传统花鸟画在造型、设色、布局方面的装饰美,在借鉴、继承的学习气氛中提高审美品位。
教学中采用学生自主探究、教师现场演示相结合的教学方法,以学生为主体,引导学生探究临摹步骤,紧贴宋画的精髓,体会古人的花鸟画立意与情感表达。
技法的演示不宜太复杂,注意渲染时用水、用笔、过渡自然等技法的传授。
学生根据能力分层完成或局部或完整小品的临摹任务。
教学评价建议
一、注重学生过程性评价,注意培养教师的即时性评价意识。
在起稿、勾线、晕染、调整的不同步骤中及时点评学生作业,并邀请学生谈一谈不同步骤中的感受。
二、珍惜学生的作品,以班级形式展示作品,在学校网站开辟版面举办学生作品展示。
展示作品评价可以是评语,可以是等第,让学生在学校讨论版中参与互评,交流对宋人小品临摹的感受。
注重培养学生发现同伴优点的能力,培养同学之间的互评能力,提高学生的合作意识及交流能力。
新课导入
摄影《夏荷》与宋人花鸟《出水芙蓉图》哪幅作品印象更深刻?
导入课题“轻描重彩总相宜”。
三、新授课程
1.
探讨交流
仔细品味《出水芙蓉图》,你看见了什么?
发现了什么?
在团形的画面中,画家截取一花一叶,并巧妙地组合,构图简洁而富有张力,自然生态下的荷花形象被画家赋予了一种超自然的美。
看见:
荷花、莲蓬、花蕊、荷叶、花茎。
发现:
作品的布局稳定、空灵,用笔精妙,用色沉着,精湛细密。
荷花精微的晕染勾勒,夸张的莲蓬、花蕊的造型,借助立粉表现技法,舞动的荷叶,使小小的画面传达出一种空灵清虚的境界,揭示出自然界生生不息之情境。
一花一叶,凝聚了画家对生命的关注,融入了画家的生命整体。
感受:
画家在荷花中捕捉着一种感觉、一种情绪、一种境界,蕴含着宁静、平淡、和谐的诗意和超出具体细节刻画之上的一种“禅境”。
2.
分析讨论
分组分析《鸡雏待饲图》《碧桃图》,从画面细节处谈一谈各自的感受。
《鸡雏待饲图》画面只画了两只小鸡,画家对鸡雏动态捕捉、神形的毕现,让我们想起儿时饲养的鸡雏,如闻啾啾的鸡叫,儿时的幸福温湿眼眶,整个画面在工整细腻中充满了浓浓的诗意。
《碧桃图》透露出画家观察的睿智,画面洋溢着春天的生活气息,花朵的用心刻画,与画家观察体验生活并反复笔墨修炼紧密相联。
3.
欣赏感悟
《百花图卷》(纵31.5
厘米、横1679.5厘米)。
观察:
画卷在用笔、用墨和表现技法上的特征。
欣赏:
故宫博物院馆藏,宋代佚名,是以白描为主,浓淡墨烘染为辅的巨幅长卷。
图中绘有梅花、山茶、罂粟、牡丹、荷花等五十余种花卉,花间穿插、点缀禽鸟、草虫、蛱蝶、小鱼等,极富自然情趣。
其间在枝杆、花叶正反翻转的形态及纹理、蜻蜓、鸟类、草虫的用笔都有微妙而精致的变化。
配以墨色的烘染,生动传神。
譬如荷叶的用线,是重线勾花头,极精致的淡细勾花脉,鸡冠花用点、蜻蜓翅上勾脉线,都一丝不苟而各有变化,故气韵别致。
感悟:
宋代画家力倡画面的“诗境”,使得画家由追求再现自然美升华到把花鸟与人、自然与人联系在一起。
可以这样说,宋人的“写生”再现,起源于自然,又高于自然,花鸟鱼虫皆被赋予人格,展现人生的体验,生命的感悟。
宋人册页花鸟画,尽管画幅不大,但表达得气势宏大、意境悠远,在意境上追求自然和生命的气韵,流露出人与自然的和谐统一。
4.
探究分析
思考:
宋人花鸟作品,画家在苦心“经营位置”时,背景为什么要留白?
宋人花鸟小品,无一例外地都没有背景,布白的经营在整个构图中起到了至关重要的作用。
可以看到宫庭画院的画家们在构图上强化“独幅画感”,即画面的完整性。
将画面留白处理极尽精妙,“计白当黑”,使画面遐想的空间更大。
空白在画面中不但构建了空间问题,同时还把空白构建的空间关系纳入另一境界之中,也就是说,空白构建的空间不是虚无的空间,是虚与实的相互依存。
5.
教师演示
如何临摹宋人花鸟画?
需要做哪些准备?
工具介绍:
熟宣、绢、墨、砚、染色用的羊毫笔、勾线用狼毫笔、水盂、颜料、调色盘等。
临摹经典工笔花卉步骤:
勾线、渲染、罩色、刻画。
教师演示《出水芙蓉图》步骤,将步骤图一一展示。
勾线——先用铅笔在白纸上起稿,勾勒造型后,拷贝至熟宣或绢上,选择勾线笔勾线。
根据画面需要,描绘花卉的线条淡些,叶、茎深些,使线稿有浓淡变化。
渲染——工笔画绘制中最重要的染色技巧。
可以用两支毛笔,分多次进行,一支笔蘸墨或色,另一支笔蘸水,将墨色拖染开去,形成墨色由浓到淡的渐变效果。
宋人花鸟画都经过层层渲染,色彩透明、厚重,质感和立体感强。
罩色——根据画面平涂一层淡色,使画面统一丰富,可以多次进行,要求用色透明,露出底色。
细分为统染、罩染、提染等。
统染——在绘制工笔的过程中,根据画面明暗处理的需要,往往需要几片叶子、几片花瓣统一渲染,强调整体的明暗与色彩关系,称为统染。
罩染——在已经着色的画面上重新罩上一层色彩并局部渲染。
烘染——在所描绘的物体周围淡淡地渲染底色,用来衬托或掩映物体。
刻画——勾勒花瓣的花丝,堆出花蕊的厚度,点染花茎的小刺。
细致描绘,丰富画面细节。
6.
学生作业
作业内容:
临摹一幅宋人花鸟画册页,体会工笔花鸟画技法。
基本要求:
了解工笔花鸟画的工具、材质,完成一幅花鸟画小品。
个性要求:
完成一幅工笔花鸟画小品,并用其美化居室。
7.
展示评价
学生在班级展示自己的临摹作品,同学之间交流临摹宋人小品的学习体会,互评及教师点评作品。
评价结果以简练的语言记录,并给予学生恰当反馈,以提高学生学习传统绘画的兴趣。
相关链接
中国花鸟画与西方静物画的区别。
(摘录)
在一个宽泛的基础上,就花鸟画与静物画相比较。
无论花鸟画还是静物画,画家都不是为描绘对象而描绘对象的,而是借助对客观对象的描绘表达人的精神、情感,表现人的审美理想和审美趣味,是真、善、美的寓托。
在这方面中西是没有区别的。
但由于不同的民族文化精神和社会历史不同,审美需要、艺术观点等原因,就有了艺术认识、审美趣味、表现形式、表现技法等方面的区别。
比较中西古代关于花鸟画和静物画的创作观念,我们可以看到一个明显的不同之处,那就是中国花鸟画把所描绘的自然植物和动物,看作是自然界中与人一样的生命体,是与人相互关联、互为一体的生命对象。
而西方静物画的创作中,描绘对象往往被认作是人自身之外的客观存在物,因此,在中国画家笔下,花鸟画反映了中国人与审美客体的联通关系,即从关乎人事出发,抓住自然生物与人的思想感情的某种联系加以强化的表现,所谓缘物寄情、托物言志。
静物画则反映了西方人与审美客体的对视研究关系,即从主体出发,将人的认识与分析客观对象的能力通过绘画表现出来。
在探究客观世界的美的过程和成果中,寄寓了人
的精神,即西方的静物画更偏重于强调其美和善皆为真服务。
上述在创作观念、审美认识、趣味表达和对待描绘对象方面的差异,表现在绘画的技法中,则是中国花鸟画既以“写生”为基础,又不拘泥于单纯视觉的形似,甚至追求“不似之似”和“似与不似之间”的审美韵味,着重于通过表现对象的基本形象特征来传达一种主观化的审美神韵。
所以,中国画在构图方面突出强调主要形象,善于通过留白和虚实等手法处理,来把作者的意图情趣寄寓形象之中。
而西方的静物画,则以视觉真实为前提,强调在鲜明的视觉真实基础上揭示客观对象的美感。
因而西画着重发展了描绘对象形体、量感、质感、色彩感、光影变化等方面的技巧。
在构图方面,西画注重画面的完整性和对象的前后空间主次关系、层次关系。
总之,西画着重表现客观对象自身及组合关系的美感,以此展示作者的审美认识和高超技艺。
第三课《笔情墨意抒胸臆》教学设计
笔情墨意抒胸臆
本课是在上一课写意水墨画的基础上安排的又一节“造型.表现”课,大写意水墨画更加摒除谨细的物象描绘,以简练概括。
通过淋漓的水墨使人产生一种“心灵的震撼”,它能让人感到一种大气磅礴的美。
水墨画是中国千年文化传统的浓缩,其审美价值、表现方法均体现了中国人的特殊情怀,妙在似与不似之间,所以本课主要是使学生能品位大写意水墨画的特殊韵味,并能用大写意画法来抒发自己的感情。
从而使学生更进一步了解中国博大精深的文化传统。
1.让学生对中国大写意水墨画的传统背景、历史源流有所了解。
2.通过学习,使学生能品位大写意水墨画的特殊韵味,并能用大写意画法来抒发自己的感情。
3.引导学生欣赏,提高审美能力,发展独特的个性,培养学生热爱生活的美好情感。
1.欣赏各种风格的大写意作品,了解淋漓水墨的韵味和画家的饱满激情。
2.如何运用大写意画法来抒发你的感情。
(本课应突出它的趣味性与尝试性,让学生在玩中学,逐步地体验淋漓痛快的笔墨情趣。
)
教学课件、多媒体课件,生宣、毛笔、颜料、墨汁等国画配套工具
首先通过欣赏画家笔下的水墨画,使学生了解大写意水墨的风格与激情,
提高对水墨画的欣赏水平,为水墨画的创作做铺垫。
如徐渭的《芭蕉》、
林凤眠的《双鹜》闵贞的《八子观灯图》等
讨论:
欣赏后让学生自由讨论:
a.大写意水墨画给你怎样的一种感觉?
b.大写意水墨画与工笔画的区别是什么?
c.你能从作品中感受到画家的激情吗?
d.你能比较一下大写意水墨画和西方表现主义绘画作品的异同吗?
e.你喜欢用大写意来抒发自己的感情吗?
讲解:
根据讨论情况,教师及时发现和表扬学生的独特见解,突出写意画强调作者的个性发挥,用大笔泼墨直抒胸臆,注重大的节奏变化,大开大合的气势,不要拘泥于一笔一画的小变化,达到一种“大美”。
示范:
教师简要地演示一下泼墨的各种笔墨效果和皴法的不同表现,(墨的干湿浓淡,只有趁湿的時候,在生宣纸上才会产生墨韵变化。
只要学生学会正确的运笔蘸墨方法,把精力集中到所描绘的內容里,一些奇妙的笔墨效果,往往会是不思而遇的。
不妨让学生试一试,感受一下笔墨給他们帶來的乐趣。
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- 特殊限制:
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