人像摄影中人物美姿的基本原则Word格式文档下载.docx

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当有了一种动态趋势以后才会产生节奏感。

节奏感就是人体的三个体块处于运动平衡的状态时，人体必需有一种一侧消极压缩、另一侧积极伸展的必然对比状态。

四原则：

一条脊柱：

尽量让脊柱倾斜、弯曲。

二条线（肩横线和跨横线）：

尽量不要处于平行状态，可以旋转、倾斜，让其有一定的美感。

三大人体板块：

让人体以一种黄金的姿态出现，不要让三大板块朝向同一方向。

四肢：

尽量不要让四肢处于平行那个状态，如立正。

肢体语言的规律性：

人任何的肢体语言都是有一定的含义的，性别的不同肢体语言也有所不同。

下面演示了一些动作表示了不同的意思。

当摆出这样的姿势时，表示此刻不太接受别人的意见，比较封闭的状态。

当拳头握紧时，表示怀有敌意的。

当这样时，表示一种不安的状态。

这些细微的变化传达了完全不同的意思，所以我们在摆姿势的时候，并不是随意的去摆，而是需要从规律中找到不同的表达方式。

下面结合图片讲解片中人体姿态的优缺点：

这组图片是不久前由几十个世界顶级模特拍摄的大秀的场面，通过这些模特我们去发现每个模特姿态的优缺点所在。

第一张：

三大板块没有得到运用。

第二张：

手部已经有了一定的调整，腿部的缠绕扭曲、肩横线和跨横线都有一定的扭曲都呈现了一种动感。

第三张：

腿部的姿势很相似、手臂呈现了一种僵硬的对称呆板的感觉，很失败。

第五张：

几乎可以打满分，首先，她的脚是受过训练的结果，刻意地去延展脚尖，加强了小腿的长度。

再看她的腰部和臀部都充分地展现了女性的曲线美。

比较不同姿态找出各自的优缺点：

比较这两张图片，图片中要表现的都是羞涩、防御的状态。

右边的姿态差在腿部的感觉。

左边表现了真正防御而右边却表现了一种假防御状态。

通过以上模特姿态的分析，我们可以了解一些模特摆姿势的知识。

其实我们拍摄的时候要做的就是去发现模特在摆姿势的时候有哪些不足，然后帮她们稍作调整以达到良好的视觉效果。

【编者按】8月16日，由色影无忌主办的“无忌讲堂”第二期于北京方家胡同46号（北京市城市创意港）北京现代舞团排练厅（北京聚敞艺术中心）举行，本期“无忌讲堂”由色影无忌论坛版主、著名商业摄影师元素（芮昆仑）为无忌网友做了关于“人像摄影的思维方式及调整美姿”的专题讲座。

一种姿态如果没有真正去理解它，通常可能得到的是一种形似而神不似的状态。

下面是通过一些肢体的调整达到不同的视觉感受。

手的调整：

首先模特采用一种自然的状态拍摄。

这里做一个大腿的交叉，这时候模特的胯部会得到一种良好的葫芦状曲线美

非提示下模特自己做的一个姿势，胳膊的角度太锐，破坏了曲线美。

经过调整，只要将胳膊稍向下放一点就可以得到好的曲线。

尽量不要把手正对镜头，多放在侧面会有更好的效果。

对比这两张，右边的手型更能体现出一种形态感在里面，不会像左边那样呆板。

手臂的调整：

此图中两手臂都朝向镜头，使手臂看上去粗且短。

打开双臂，表现女人的一种魅力，而且能摆脱手臂对肢体曲线的干扰。

与此同时，调整腿型，也产生了十分明显的效果。

但总体来看，这个姿势还是太一般，太对称了，看上去比较呆板。

稍稍倾斜、扭曲后，节奏感就显然可见了。

通过上面可见，一般不是刻意表现一种男性化、酷等时候，尽量用非对称化的方式去表现女性的柔美与曲线韵律。

手型的改变：

作为肖像在表现性格的时候，手型的改变甚至比脸还重要。

人像标准照

对比这两张发现，左边的手太正对镜头了，稍稍侧一点就能改变画面的效果。

脸型：

很多时候让模特笑并不是为了笑起来有多好看，而是为了使脸拉长。

坐姿：

第一张为自然状态下的坐姿，一般不被采用的，旋转后第二张的姿态还是不够积极、阳光。

据调查：

腿部相叠、合二为一为女性最美的坐姿。

腿部调整后虽然腿部姿态得到了美的体现但挺直的上身让腿部的比例显得很短，所以我们得让上身压缩，让腿部比例显得更长。

机位：

视角的不同会带来不同的视觉变化。

同样一个姿势，从不同角度拍摄会有不同的视觉效果。

看看这两幅照片，右边这张中模特的腿得到了强化和突出。

左边图片中模特的腿明显比右边的腿显短，为什么呢？

因为观察物体时，物体最长的方向就是平行于我们胶平面的方向，当物体倾斜的时候，就会给我们缩短的感觉。

8月16日，由色影无忌主办的“无忌讲堂”第二期于北京方家胡同46号（北京市城市创意港）北京现代舞团排练厅（北京聚敞艺术中心）举行，本期“无忌讲堂”由色影无忌论坛版主、著名商业摄影师元素（芮昆仑）为无忌网友做了关于“人像摄影的思维方式及调整美姿”的专题讲座。

“摄影和照相的区别在于，照相只要去记录就可以，而摄影是一个人的思维方式的表现。

”——芮昆仑

在我们平时人像的拍摄中我们会有一个问题，那就是如何提高我们人像的拍摄水平，突破自己原有的习惯，是这次讲座要探讨和阐述的问题。

摄影和照相的却别在于拍摄中的思维方式不同，例如在拍摄时注重背景而不是主题，用区别于常态的机位和角度去观察，克服第一视觉的感受，注重光线产生的阴影，而不是看重被照亮的地方，敏锐地发现人体肢体语言的特征，了解色彩给人的心理感受，知道如何应用化妆、发型等手段，清楚什么是对比、什么是平衡、什么是节奏、什么是韵律等等。

虽然这些很多都是学过便会的技术，但你的照相中却融入了你自己的个性的主观的思维方式，这就是很多人难以做到的。

下面讲述如何通过学习突破我们的思维方式：

“拍照时，并不光用相机，而是要用我们的心灵和意念”——纽曼

人像摄影中的必然性和偶然性：

前期创意就是我们的必然性，而灵感则是我们的偶然性。

“环境肖像”大师纽曼的成名作《钢琴前的作曲家史特拉汶斯基》摄于1946年，当时纽曼28岁。

过程：

前四张和大多数人拍的没有什么区别，人物的调动没有互动关系、画面的构图干没有任何新颖之处，很普通。

从五张开始人物张主题的神态有了一定的变化，第六张人物和钢琴处于脱离状态。

第七张神态不行，第八张，灵光一闪，人物的姿态和钢琴的位置恰到好处，但整个画面的构图很散乱，也没有个性在里面，之后通过大幅度的裁剪达到了一种质变。

我们通过这组图片的过程我们了解到我们需要的是一种灵感，去突破和创造。

这是哈勃·

瑞兹给麦当娜拍摄的唱片封面，他通常喜欢使用一些自然光，拍摄这张照片让人们认识了，他让麦当娜闭着眼睛仰头向上的动作将现场的顶光变成顺光，麦当娜憋着眼睛、仰着下颚的一种忧郁、个性的表情与她唱片的主题“真正的忧郁”颇为合拍，所以这张照片是比较成功的。

《摄影师和梦露》美-伯特.斯特恩

伯特.斯特恩和梦露有着很好的合作关系，一直想把他和梦露拍在一起，他不能接受平庸的合影做法，于是利用反光玻璃，及反光又透光的特性，拍出了这幅照片。

灵感的积累需要偶然性:

通常摄影师需要克服的是第一视觉，如何克服呢？

首先要尽量主观的角度去观察物体，在主观观察的基础上融入我们自己的个性的东西。

克服第一视觉：

第一视觉就是通常情况下自然人无修饰意识地观察视觉，例如我们拿着标头，将相机设置在P档拍摄远处景物时的视觉。

人眼的视角是100-120度左右相当于17mm的镜头视角，标头角度其实不是我们的视角角度。

如何克服第一视觉呢？

首先我们要有一个截取的概念，拍摄时我们需要在头脑中有一个框，通过不同的截取方式去记录别人我们所需要的东西，而不是一味地去拍，这样才能让作品充满个性。

角度和机位：

通常我们区别于正常视觉的时候画面的视觉感就产生了，这就要求我们多换角度去观察一些别人看不到的东西。

低角度拍摄

减曝光：

通常人看到的不会只是人物的剪影，这就需要我们通过有意识地减少曝光去达到这种线条感，让画面简洁漂亮。

当我们发现有轮廓光和高光点的时候，我可以尝试去减曝光，这样可以突出线条感和突出高光部的主题。

夸张对比：

利用透视关系，夸大前景缩小人物。

元素的重复：

一般情况下为相同形状的连续性的不断的重复，也可以是一种散点式的。

我们可以尝试拍摄一些相似的角度或人物轮廓等，例如将两个相似轮廓的人相叠在一起，或者如果某个面不像，但换个面某个角度可能就相似了。