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中世纪音乐:
声乐为主。
按社会现状分为宗教音乐和世俗音乐,按音乐形态分为单声音乐和复调音乐。
宗教音乐:
(一)单声部音乐——格里高利圣咏(8、9世纪):
又称“素歌”,欧洲封建社会初期的主体音乐,它的发展与整个西方音乐史都有着密切的关系。
格里高利圣咏的基本特征:
1.服务于教会;
2.以无伴奏纯人声(男声)演唱的形式;
3.歌词内容取自拉丁文的圣经和诗篇;
4.单声部旋律,音调平缓,以级进、三度为主,无变化音与装饰音;
5.无明显节拍,乐谱中无标记节奏,音乐服从唱词;
6.建立在单纯的自然音阶基础上。
(代表作:
《四旬节弥撒曲》之“慈悲经”)
(二)多声部复调音乐横向变化(10-12世纪):
原圣咏+新材料(旋律或歌词)/“哈利路亚”花唱旋律+歌词形成独立“继叙咏”;
纵向变化(9世纪之后):
在原圣咏主旋律上下方形成变化,即复调音乐。
——奥尔加农与经文歌
1.奥尔加农:
最早的复调音乐形态,一种演唱方式,即在歌唱圣咏的同时演唱另一个声部。
约9世纪开始最早平行奥尔加农—》约11世纪反向(逆行)奥尔加农—》约12世纪华丽奥尔加农(代表人物:
[法国]莱奥南)
2.迪斯康特(约11、12世纪):
演唱规律的逐渐定型出现的六种节奏模式,被运用于复调音乐创作,创作出来的音乐有比较明显的分句,被称为迪斯康特。
(代表人物:
[法国]佩罗坦—“最佳迪斯康特”)
3.克劳拉苏:
段落的概念。
指音乐作品中的一部分或一段,采用迪斯康特手法写成,用于华丽奥尔加农中。
两声部形成对比,前后段落各有特色。
——在独立出来的克劳拉苏的基础上形成13世纪最流行的复调音乐形式:
经文歌
4.经文歌(13世纪中叶前):
两声部都有歌词的克拉拉苏被称为“经文歌”,后来增加到三个声部。
三声部的经文歌在13世纪最为典型,歌词加入世俗歌词,内容多涉及爱情或逗乐取笑:
说明中世纪宗教音乐已经渗入了世俗因素。
(三)中世纪音乐理论成果:
1.六声音阶(11世纪[意大利]圭多·
达莱佐)辅助教学工具:
圭多手
2.教会调式(公元7-9世纪,公元11世纪确定):
八中调式——多里亚调式(副多里亚调式)、弗里几亚调式(副~)、利蒂亚调式(副~)、混合利第亚调式(副~)
3.记谱法:
纽姆谱(9世纪)
世俗音乐:
在新艺术时期(约14世纪)之前,基本为单声部音乐。
按语言分为拉丁语歌曲(单声部的孔杜克图斯与戈利亚德歌曲)和方言歌曲(法国、德国、意大利等地世俗歌曲)。
1.法国游吟诗人(12-13世纪单声部歌曲代表)南部游吟诗人:
特罗巴多北部游吟诗人:
特罗威尔——歌曲题材以“宫廷式爱情”为主(不太可能成功的爱恋)
2.德国恋诗歌手:
德国中世纪的方言歌曲被称为“恋歌”,歌唱者被称为“恋诗歌手”。
创作的爱情歌曲更为严谨抽象,宗教色彩和逻辑性很强,体裁与法国基本相同。
14世纪后,“恋诗歌手”更名为“工匠歌手”。
14世纪法国、意大利的“新艺术”时期:
法国意大利出现的与12世纪前后的复调音乐有所不同的新风格复调音乐创作思潮时期。
“新”——采用以往不同的复调音乐语言与音乐手法(主要是节奏),对位音响也有较大不同。
宗教地位降低。
1.法国“新艺术”:
重视两拍的地位,旋律常出现不规则的切分节奏,歌曲中的持续声部多是自由创作的旋律,注重表现歌词的内在感情等。
马肖(1300-1377)西方音乐史上第一位音乐作品完整保存的音乐家代表作:
《圣母弥撒曲》之“慈悲经”——他确立了当时法国诗歌和音乐的三种固定形式:
叙事歌、回旋歌、维勒莱。
2.意大利音乐:
相较于法国音乐更富有世俗生活的情趣。
主要世俗复调歌曲体裁:
牧歌(田园诗、爱情诗或讽刺诗而谱写的二声部歌曲)、猎歌(标题性的体裁,描绘狩猎生活或其他富于动感的场面)、巴拉塔(民间单声舞蹈伴唱歌曲演变而来的二声部或三声部的声乐曲)。
主要人物:
14世纪意大利最著名作曲家——兰迪尼(兰迪尼终止式:
乐句结束前导音下行到6音再进入主音。
这并非他首创,因他广泛运用而为人所知)
—》将音乐文化的历史过渡至文艺复兴阶段
文艺复兴时期(人本主义):
法文原意“复活”“再生”,实质是“新生”。
当时艺术家、思想家们崇尚并复兴古希腊罗马文化的进步文艺思潮。
最重要的思潮之一是提倡“人文主义”,即反对一切以神为本的旧观念,肯定人的尊严、追求个性自由和人性的全面发展(反宗教)。
(一)文艺复兴时期的音乐创作
文艺复兴时期最重要的音乐体裁:
弥撒曲、经文歌、尚松。
1.15世纪上半文艺复兴早期欧洲北方的第一代作曲家——勃艮第乐派:
特点是定旋律弥撒四声部织体。
[法国]迪费代表作:
《脸色苍白》之“荣耀经”
2.15世纪中叶之后的法——佛兰德作曲家:
代表人物有奥克冈(1410-1497代表作:
《越来越》之“慈悲经”)、若斯坎(1440-1521“音符的主人”“音乐家之父”代表作:
经文歌《圣母颂》)、罗勒(1516-1565牧歌中期的代表性作曲家之一)、拉索(1532-1594代表作:
《回声》)。
文艺复兴音乐——歌曲与音乐:
与中世纪一样,声乐比器乐重要,音乐家通过音乐来强化歌词的意义与情感;
织体:
主要是多声部,注重声部间的模仿,音响比中世纪更饱满,不多时候合唱不需要器乐伴奏;
节奏与旋律:
节奏旋律清晰、温和,很少有大跳音程出现。
(二)16世纪宗教改革音乐:
1517年由马丁·
路德引领
1.德国新教音乐:
核心音乐体裁——众赞歌(德国宗教音乐创作的源泉),即新教圣咏。
代表作:
《上帝是我坚固堡垒》
新圣咏与天主教的不同:
德语演唱,采用新创作的德文诗歌;
曲调多选民众熟知的德国古老圣歌和民歌;
通俗易唱,便于填词传唱。
—》体裁上是法国巴黎公社和20世纪苏维埃政权下革命群众歌曲前身
2.反宗教改革:
罗马教会1545年在意大利北部的特兰托专门召开对应宗教改革运动的会议。
在音乐方面:
认为应回归中世纪最初的圣咏原则,排除其中的世俗倾向以及无节制花唱的旋律,认为复杂的宗教复调音乐影响教义的清晰传达等。
[罗马]帕勒斯特里那(1525-1594)代表作:
《圣母悼歌》
(三)16世纪意大利威尼斯乐派:
由“法——佛兰德”第三代作曲家维拉尔特(1485-1562)创立
威尼斯乐派的主要贡献:
16世纪下半叶产生的威尼斯乐派开创了“复合唱”风格的经文歌,并将这种风格延伸到了器乐领域,促进了协奏曲风格的发展,将世俗音乐的发展推向了高潮,并引领了歌剧的发展。
威尼斯乐派的作品中充分体现了人文主义精神,把文艺复兴时期音乐艺术推向高峰,使威尼斯成为文艺复兴后期音乐文化的中心。
(四)16世纪的世俗声乐与器乐:
出现的具有民族风格、世俗化的音乐体裁有意大利牧歌、法国尚松、德国利德、英国康索尔特歌、西班牙维良西科等。
1.16世纪的牧歌(文艺复兴时期的重要复调世俗音乐体裁):
以一首短诗配以几个独唱声部的乐曲,通常与爱情有关。
马伦齐奥(1553-1599“牧歌的舒伯特”代表作(牧歌):
《我独自沉思》)、杰苏阿尔多(1560-1613代表作:
《我离去,不再说话》)、蒙特威尔第(1567-1643牧歌创作技巧极高的大师级的作曲家代表作《残酷的阿玛里亚》)
2.16世纪的乐器与器乐体裁:
器乐得到独立发展,逐渐摆脱以声乐伴奏的从属地位,更多进行独立演奏。
常用的乐器大致可分为:
管乐器、弦乐器(古希腊以来的“琉特琴”的“黄金时代”)、键盘乐器(管风琴形制更为完善,音色有所改进;
与古钢琴类的羽管键琴与楔槌键琴在巴洛克时期成为非常重要和普及的乐器)
器乐体裁主要有:
坎佐纳(受法国尚松影响形成,是奏鸣曲的前身)、利切卡尔(初具有即兴性质,后发展为复调性的器乐音乐体裁,与幻想曲一起被认为是赋格曲的前身)、前奏曲与托卡塔(具有即兴性质)以及各种风格的舞曲。
巴洛克时期:
源于葡萄牙语,意指“形状不规则的珍珠”,首用于造型艺术。
巴洛克时期欧洲的音乐生活主要在宫廷、教会(天主教、新教)、新兴中产阶级三个社会集团中展开。
巴洛克时期的音乐与以往的音乐的不同:
1.调式音乐向调性音乐转变;
2.声乐地位与器乐相等;
3.作曲家在音乐中力图更多的表现情感,逐渐打破了原有的音乐形式的限制,从音乐的各种要素入手进行积极探索,系统地发展了音乐理论和技术,以适应新时期审美趣味的需求;
4.带有很浓的宗教色彩,极尽奢华,加入大量装饰性的音符。
节奏强烈、短促而律动,旋律精致。
(一)巴洛克歌剧:
16世纪末,(正)歌剧在意大利佛罗伦萨诞生,这是巴洛克时期最重要的音乐事件之一。
歌剧最早追溯到古希腊的悲剧,直接的前身则是15世纪在意大利宫廷出现的幕间剧。
歌剧:
结合音乐、诗歌、戏剧、舞蹈和舞台美术等艺术要素,以故事情节为基础,以歌唱形式为主体的一种大型综合艺术形式。
1.意大利正歌剧:
通常采用希腊神话故事和历史英雄传说为题材进行创作,主要包括声乐(独唱:
咏叹调和宣叙调、重唱、对唱、合唱等形式)与器乐两大部分。
最早的歌剧产生于意大利佛罗伦萨的一个由文学家组成的社会团体“卡梅拉塔”;
第一部歌剧1597年《达芙妮》,里努契尼编剧、佩里作曲,乐谱失传;
第一部保存完整的歌剧《优丽迪茜》,佩里和卡契尼作曲、里努契尼作脚本;
早期歌剧的最高成就1607年《奥菲欧》,克劳迪奥·
蒙特威尔第(1567-1643)创作;
第一座歌剧院是威尼斯圣卡西亚诺歌剧院。
至17世纪中叶,意大利歌剧的主要特点:
音乐成为歌剧的首要因素,戏剧需配合音乐而发展;
注重独唱;
宣叙调与咏叹调明显分开;
器乐部分包括序曲、前奏曲和间奏。
2.那不勒斯歌剧(17世纪80年代)——“阉伶歌手”盛行(美声唱法的黄金时期):
巴洛克时期歌剧在意大利的传播与发展的最后一个阶段。
那不勒斯歌剧:
题材大多曲子生活喜剧或历史传说;
极少用合唱与重唱,不加入舞蹈;
采用两种不同的宣叙调(干念式:
用于较长段的对白、带伴奏:
表达复杂情感)与返始咏叹调交替。
[意大利]阿·
斯卡拉蒂(1660-1725)代表作:
《格力塞尔达》
3.法国、英国和德国的早期歌剧
①法国成为继意大利之后,发展并形成有典型民族特色的歌剧艺术的国家(芭蕾舞+法国古典悲剧=法国歌剧)
早期法国歌剧特点:
强调宣叙调,极力发挥法语的音色变化和抑扬顿挫的特点。
[意大利]让·
巴普蒂斯特·
吕利(1632-1687)代表作:
《阿尔米德》序曲
②英国歌剧:
受意大利和法国的双重影响。
真正翻开英国歌剧史上第一页的是普塞尔(1659-1695)代表作:
1689年《迪多与埃尼阿斯》——真正意义上的歌剧
③德国歌剧:
德国人称为“歌唱剧”,作品一般不用宣叙调,咏叹调自带德国特点,基本都是取自土生土长的德国歌曲。
现存最早的德国歌剧:
《希勒维希》代表人物:
凯泽尔(1674-1739)
(二)其他大型声乐体型:
17世纪,清唱剧、康塔塔和受难乐等较大型的声乐体裁得以产生与发展,并且在形式结构上受到歌剧影响。
1.清唱剧:
类似歌剧的大型声乐体裁,是天主教反改革时期的产物,由带音乐的宗教戏剧演变而来,是为宗教歌词(包括戏剧、叙事、忏悔祈祷因素)所作的长篇配乐。
清唱剧的特征:
歌词为意大利文或拉丁文;
不在舞台演出,情节由一个叙述者进行描述;
分为两大部分,最初是用一段布道将其分开;
风格与歌剧接近,不过合唱地位相较于格局中更为重要;
在清唱剧中可以对情节进行叙述、评价及道德上的反思。
清唱剧与歌剧的区别:
清唱剧多采用宗教主题,且很少有舞台动作。
17世纪清唱剧代表人物:
[意大利]卡里西米(1605-1674)代表作:
《所罗门的审判》、《耶夫他》
—》巴洛克晚期,清唱剧在亨德尔的笔下进入最辉煌的时期
2.康塔塔:
原意“歌唱”,最初只是为了区别于器乐曲而泛指声乐作品。
康塔塔的特征:
为独唱和通奏低音而作,乐队中有时增加一两件助奏乐器;
歌词内容描写田园或爱情;
叙述和独白结合,宣叙调和咏叹调之间交替;
到17世纪下半叶宣叙调和咏叹调数目一般是一首或两首。
[德国]约翰·
塞巴斯蒂安·
巴赫代表作:
《咖啡康塔塔》
3.受难乐:
巴洛克时期重要的声乐品种,用音乐表现《圣经·
福音书》中关于耶稣受难故事的一种古老体裁。
17世纪中期后,发展为新的受难乐,近似清唱剧,被称为“清唱剧受难乐”。
将受难乐创作推向历史顶点的代表人物:
[德国]约翰·
巴赫
巴洛克时期器乐艺术(声乐与器乐地位相等)
(一)巴洛克时期的协奏曲
巴洛克中晚期诞生的纯器乐的协奏曲形式主要有大协奏曲、独奏协奏曲。
1.大协奏曲:
巴洛克时期最大型的器乐合奏音乐,器乐协奏曲中最早的一种形式,出现于17世纪下叶。
以一个小独奏组与整个乐队合作进行演奏,体现了巴洛克音乐对比的原则和统一的原则。
体裁于1680年由意大利作曲家斯特拉戴拉首创。
[意大利]科雷利代表作:
《大协奏曲》
2.独奏协奏曲:
由一件独奏乐器与乐队互相抗衡,出现于18世纪初。
这时期常见的独奏协奏曲多为小提琴而作。
[意大利]安东尼奥·
维瓦尔第代表作:
《春》
(二)巴洛克时期的键盘音乐及其体裁
巴洛克时期的键盘乐器基本沿用文艺复兴时期的两大类:
管风琴、古钢琴
1.管风琴:
古罗马时期出现,后成为教堂乐器。
常见体裁:
托卡塔、赋格、众赞歌为基础的各种体裁。
《g小调管风琴赋格曲》
2.古钢琴(包括拨弦类的羽管键琴、击弦类的楔槌键琴):
分为击弦与拨弦,其中击弦古钢琴是钢琴的前身。
托卡塔、赋格、变奏曲、奏鸣曲、组曲等。
F·
库普兰(1668-1733人称“大库普兰”)代表作:
《风流雅士》
巴洛克时期重要人物
巴赫(1685-1750):
德国作曲家,一生创作了上千部作品,被公认为有史以来最伟大的作曲家之一,他创作的因为被认为是巴洛克时期音乐创作的顶峰。
他的创作涉及除歌剧以外的其他形式,包括各种器乐和声乐作品。
他创作的《十二平均律钢琴曲集》被后世誉为“钢琴家的《旧约全书》”。
巴赫的音乐作品有着宗教性、民族性和世界性的特征,蕴含着深刻的人道主义精神。
器乐作品:
《g小调管风琴赋格曲》声乐作品:
[英国]乔治·
弗里德里克·
亨德尔(1685-1759):
是巴洛克晚期音乐大师中最具有国际性的一位,被英国人视为伟大的民族音乐家。
他的一生的音乐创作包括歌剧、清唱剧和器乐曲三大类。
他创作的歌剧和清唱剧达到巴洛克时期音乐的巅峰,歌剧中的咏叹调显示了前所未有的技巧。
1742年首演于柏林的清唱剧《弥赛亚》成为音乐史上的经典之作。
合奏器乐作品:
《水上音乐》、《皇家烟火音乐》
古典主义时期:
“古典的”原指古希腊和罗马的艺术和建筑中的经典,“古典主义”则是18世纪前后风靡欧洲的一种文艺思潮或文艺流派。
古典主义时期包含前古典时期和维也纳古典时期,狭义上可专指以海顿与莫扎特的(中晚期)以及贝多芬的(早中期)创作为代表的维也纳古典乐派音乐。
这一时期的音乐受到法国“启蒙运动”(自由、平等、博爱)与德国戏剧界的“狂飙运动”(解放人性和本能)的影响。
古典主义时期音乐的整体风格特征:
1.音乐从教堂步入宫廷,逐步走向社会,走向民众;
2.主调风格为导,加深并深化音乐中的矛盾;
3.创作手法以主调音乐形式为主,加强了旋律与和声的对应;
4.确立曲式分段式结构原则,以短小对称的2、4小节为基本单位形成方整型乐句结构,音乐特征优美、简单和均衡;
5.主题动机式发展,以主题间的对比为主;
6.“通奏低音”被明确的乐器记谱取代,使作曲家对乐器音色的体验更明晰;
7.追求客观的美,描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋,拓宽了音乐的表现范围和表现力;
8.音乐的重心移到新型音乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。
前古典主义时期
前古典时期音乐风格:
洛可可(代表人物:
[法国]F·
库普兰)、华丽风格([德国]J.C.巴赫,又称“伦敦巴赫”)、激情风格(与德国文学“狂飙突进”主张相连,代表人物:
[德国]C.P.E.巴赫、柏林乐派)
(一)前古典主义时期的歌剧
意大利歌剧(18世纪上半叶后)演变为一种夸张造作的形式,成了贵族宫廷节庆社交的装饰品(“外行人看热闹”)—》喜歌剧诞生(集中体现18世纪音乐世俗化的特点:
诙谐有趣的新艺术,挑战传统审美意识,呼应“启蒙运动”,预示百年后欧洲各国音乐强调的民族性内涵和人类关怀)—》正歌剧改革(格鲁克的歌剧改革)
1.前古典主义时期的喜歌剧(18世纪20-30年代):
诞生于意大利,带有轻松戏剧风格的新型歌剧,具有鲜明的地域特色;
内容以日常生活场景和普通人的小故事为主;
唱词使用各国的民族语言;
人物不多,短小精炼;
音乐以人们熟悉的民间曲调为主。
意大利喜歌剧:
原是正歌剧中幕间剧,后独立出来成为的一种新体裁。
[意大利]佩尔格莱西代表作:
《女仆作夫人》——标志着喜歌剧的兴起
法国喜歌剧:
集说、演、唱于一体的小型音乐喜剧——集市剧发展而成,受到意大利喜歌剧影响。
著名的事件:
喜歌剧之争(资产阶级美学观点与封建阶级美学观点间的争斗)
2.格鲁克歌剧改革
[德国]克里斯托弗·
维利巴尔德·
冯·
格鲁克(1714-1787)代表作:
《阿尔米德》
格鲁克力图使音乐为诗歌服务,帮助加强诗歌的表情并促使剧情发展,他的音乐追求一种质朴的美,努力避免因为炫技而牺牲音乐的清晰,做如下改革:
剧本:
仍以神话传说和历史英雄为题材,但体现出对艺术和人的新理解——即个人不可以脱离社会存在,人需要具有道德和责任感,艺术需要表现崇高的理性和高度的价值。
序曲:
使观众预先知晓歌剧的剧情性质,调性的布局也预示了古典乐派的调性逻辑思维。
咏叹调:
去除了作品中过多的咏叹调唱段,注重以质朴的音乐语言表达真挚的情感,节奏整齐均衡,体现一种简洁自然的古典风格特征。
宣叙调:
使用“带伴奏的宣叙调”,并加强了宣叙调的歌唱性和戏剧性。
乐队:
以乐队各声部明确的记谱代替“通奏低音”记法,乐队加强序曲表现,增添对自然景象的描绘以及人物内心情感的烘托。
合唱:
恢复了古希腊悲剧中合唱的优良传统,即起到交代背景、渲染气氛、加强情感表现等作用。
舞蹈与舞台:
芭蕾舞及舞台布景要符合戏剧的整体效果,反对一味追求复杂和豪华。
(二)前古典主义时期的器乐体裁(奏鸣曲、交响曲)
进入18世纪,钢琴彰显优越。
1.奏鸣曲:
名词原意“鸣响的乐曲”。
16世纪起源于意大利,一种器乐的室内乐。
典型的奏鸣曲是一种三个乐章(快-慢-快)的器乐套曲体裁(代表人物:
D·
斯卡拉蒂、C.P.E.巴赫)由于受到启蒙时代的理性思考的影响,导致奏鸣曲曲式的结构在古典主义时期有了固定的创作形式。
典型的古典奏鸣曲(18世纪后半叶成熟奏鸣曲标准范式)大多是由三或四个乐章组成:
快板(奏鸣曲式)-慢板(与第一乐章形成对照)-中速/快速(小步舞曲/谐谑曲-三段式)-快速的终曲(收束气势,与第一乐章相呼应)
2.交响曲:
源于希腊文,原意“声音——鸣响”,主要来源于“快-慢-快”三个段落构成的意大利歌剧序曲。
前古典主义时期,德国音乐家对交响曲体裁做出巨大贡献。
40年代之后,出现两个重要的中心“柏林乐派”和“曼海姆乐派”。
柏林乐派(北德乐派):
情感主义;
运用意大利交响曲确立三乐章结构;
采用奏鸣曲式乐章引入对比主题,使呈示部两个主题得以真正分开;
用动力性的方式发展主题,扩大展开部;
探索新和声,增加织体间的对位因素和动机的连贯处理。
曼海姆乐派:
18世纪在德国南部曼海姆形成的一个音乐流派,由约翰·
斯塔米茨(1717-1757)创立。
曼海姆乐派的作品轻松明快,对古典交响曲形成的主要贡献在形式结构和演奏风格等方面:
在三段式序曲的基础上增加了快板终曲,形成四乐章的交响曲套曲雏形;
废除通奏低音的简略记谱方式,写作包括所有管弦乐声部的宗谱;
主调音乐风格完全确立;
首席小提琴担任指挥;
乐队编制趋于完整;
挖掘管弦乐的丰富表现形式,仔细安排音响的渐强渐弱。
从音响风格而言,其更接近于法国的华丽风格,也体现出意大利的清新与活力。
维也纳古典乐派:
18世纪下半叶海顿、莫扎特和贝多芬三位音乐大师,先后以维也纳为生活、创作的中心而形成了一个群体,即“维也纳古典乐派”。
这一乐派的主要特征是反映人类普遍的思想要求,他们追求美的观念、强调风格的高雅,给予人们乐观向上的进取精神。
这三位作曲家既存在共同的艺术理想和艺术风格,同时又保持着传承关系。
[奥地利]弗朗茨·
约瑟夫·
海顿(1732-1809):
“交响曲之父”,他通过自己的创作逐渐完善了交响曲的基本模式。
从第三交响曲开始,海顿采用四乐章的格式,并最终确立交响曲的四乐章格局;
开创了主调音乐风格;
发展了奏鸣曲快板的结构;
确立了以短小动机加以动力性展开的奏鸣性发展原则;
确立了乐队的双管编制和近代配器法原则;
奠定了近代交响乐队的基础。
G大调第94“惊愕”交响曲)
“弦乐四重奏之父”古典时期典型的弦乐四重奏通常由三到五个乐章组成,18世纪60年代左右,海顿作品中常用的四乐章模式成为了标准形式。
D大调弦乐四重奏“云雀”)
海顿在声乐作品的创作中包括大量的弥撒曲、康塔塔和清唱剧。
重要的清唱剧作品《创世纪》和《四季》。
海顿的音乐明快、乐观、幽默,充满了生气,体现了启蒙主义的信念,他常采用民间舞曲性的旋律。
他在把交响曲从贵族客厅中解放出来的道路上迈出了重要的一步,他是18世纪完美的古典主义音乐风格的最重要的代表人物。
[奥地利]沃尔夫冈·
阿玛迪乌斯·
莫扎特(1756-179
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