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经过低谷之后,1819年的贝多芬显示出晚期的创作特征,自省而神秘,作品规模进一步被扩大。
[编辑]交响曲
贝多芬的交响曲大大扩展了音乐艺术的表现力。
他的交响曲,除了《第六交响曲》分为五乐章,其余的八部都是四乐章,基本遵照海顿、莫扎特确立的交响曲结构,即第一乐章快板、第二乐章慢板、第三乐章小步舞曲或谐谑曲和第四乐章急板或快板写成的(但在《第九交响曲》中慢板与谐谑曲交换了位置)。
而在第三交响曲开始,形式和内容开始统一,一个分明的线索主题或思想贯穿整部交响曲,这在第五和第九交响曲里特别鲜明,而这,是贝多芬之前的的作曲家没有做到的。
这样的结果是,贝多芬的交响曲有更多的现实表现力和情感刻画。
听众不再是单一地去享受美丽的旋律,而且需要去思考揣摩,作曲家的意图和动机。
这大大丰富了音乐的内涵。
可以说,这也正是浪漫主义音乐的基础。
他赋予了交响曲“神”,使之形神兼备。
第六交响曲用标题对内容进行描述和在第九交响曲里面加入了人声,都是一大创举,后世纷纷效仿。
有人认为,贝多芬的交响曲有“奇数”和“偶数”之分,奇数的交响曲是革命性的,节奏强
烈;
而偶数的则是柔美和典雅的[66]。
[编辑]神秘的《第十交响曲》
贝多芬在创作《第九交响曲》后,就开始在1824年构思创作《第十交响曲》。
他在笔记中以及给别人的书信对话中提到过这部作品,他说,第一乐章以“古代调式的宗教歌曲”开始,以“酒神的盛宴”结束。
1844年,贝多芬的助手的安东·
辛德勒发表了一篇关于该交响曲的文章,这篇文章引起了当时广泛的关注和猜测。
从那时起,有关这部交响曲的新发现的线索和推测就层出不穷,但其实并没有什么突破性的进展。
甚至还有人说自己听过《第十交响曲》的第一乐章,但并无证据支持这一说法。
现在存有很多关于其中第一乐章的草稿和笔记。
而第三乐章则是“急板”谐谑曲,其草稿在1825年被发现。
巴里·
库珀博士(BarryCooper)根据各种搜集得到的稿件,重构了第十交响曲的第一乐章。
但该作品并没有得到音乐界的普遍认可。
[编辑]贝多芬在交响曲方面的创新
1.节奏:
节奏有时不按小节节拍,出现切分音,弱起,强弱对比强烈,这些都是贝多芬在节奏上的创新,不再严格遵守严整的节奏,而是随音乐的要求而相对自由。
2.歌唱性的管弦乐:
贝多芬有着出色的旋律天分和技巧,善于创作如歌般的旋律。
他丰富的配器也大大提高了管弦乐队的表现力。
3.和声技巧的革新:
贝多芬的交响曲中使用了不协和和弦,和非常规的和弦进行,强烈的戏剧性对比也是古典主义的规范中不可想象的。
4.配器的变化:
新的乐器的使用以及交响乐队的规模变大。
5.乐曲曲式的变化:
第6交响曲有5个乐章,不同于以往的4乐章结构。
谐谑曲的使用替代了原来的小步舞曲。
慢乐章的位置变化(No.9)、消失(No.5、7)。
第9交响曲2、3乐章位置倒置,慢乐章变成了第3乐章;
第5、7交响曲没有原来严格意义的慢乐章,只有小快板速度的第2乐章,旋律线延长而类似于慢乐章。
突破了奏鸣曲式的限制。
主部副部的对比鲜明;
发展部规模变大,可以占到整个乐章的1/3以上,在发展部当中出现了呈示部中没有的因素;
引子介入乐章,出现在发展部和再现部当中,甚至参与发展部的发展;
尾声很长。
[编辑]键盘类作品
贝多芬五岁就开始学钢琴。
虽然日后他还会演奏小提琴、中提琴和管风琴,但是钢琴却始终伴随着他。
而早期的贝多芬也是以钢琴演奏家的身份确立起音乐家的地位的。
他为键盘乐器写了大量作品,包括钢琴奏鸣曲、钢琴变奏曲、小作品、舞曲、钢琴二重奏、四手联弹、舞曲和管风琴作品。
[编辑]钢琴奏鸣曲
《贝多芬的手》,1827年3月28日,贝多芬逝世后两天,由画家J.单豪瑟(Danhauser)所绘之油画。
画中可见贝多芬手握十字架。
贝多芬的32首钢琴奏鸣曲印证着贝多芬自身的发展历程。
它们体现了他一生所经历的漫长的音乐和精神之旅,也是钢琴作为一种独奏乐器拥有日趋增强的力量的佐证。
他一方面遵循奏鸣曲的基本结构,另一方面将这种体裁扩展到近交响曲的规模和内涵。
其中的三首没有Op号,只有WoO号,传统上与其它32首分开。
而对32首钢琴奏鸣曲的分期没有绝对的界线。
按照D.Matthews所著的《贝多芬钢琴奏鸣曲》一书,它们被分为四期:
早期的作品以Op.22为止,概括了1800年之前的作品,中期自Op.26到Op.57“热情”。
然后是Op.78、79和81“告别”组成的插曲。
之后是包括Op.90的晚期六首奏鸣曲[69]。
第一首发表于1783年,WoO号47,由三首奏鸣曲共同组成,每首都由“快慢快”三乐章组成,一起被命名为“选帝侯奏鸣曲”,是献给科隆选帝侯马克西米利安·
腓特烈(MaximilianFriedrichvonK?
nigsegg-Rothenfels)的。
在题献序文上贝多芬写出了自己的创作动机:
缪斯不管他当时是何等年幼,“坚持”要他写下自己的乐思。
其中第二号f小调情感激烈,可隐约窥见日后贝多芬小调作品,如“悲怆”和“月光”的表现手法。
另外的WoO.50和51则是18世纪90年代的作品,都只有两个乐章。
而他32首奏鸣曲中的早期作品包括“悲怆”。
这首奏鸣曲已经带有贝多芬中期的创作特征:
抒情、流畅而又自然,充满浪漫主义的色彩,因此它兀然有别于前后风格相当的第七、九、十和十一号[70]。
它们已开始显露出贝多芬自己的独创性,而且非常受欢迎。
正如俄国的安东·
鲁宾斯坦对贝多芬Op.2号中的第一首曲子所下的评论:
在快板中没有一个音符是海顿、莫扎特式的。
它充满了激情和戏剧性,有着一张愁眉不展的贝多芬面容。
柔板按当时的时代精神写成,但它毕竟还是少了一点柔媚。
第三乐章颇具戏剧性的小步舞曲带来的又是新的风味。
第四乐章也是一样。
贝多芬写于18世纪末的几首奏鸣曲,就其精神而言,完全是19世纪的作品。
Op.26被视作贝多芬的钢琴奏鸣曲中期的开始,其四乐章的编排并不寻常。
第一乐章的变奏曲颇有冥想气息,然后是快板、葬礼进行曲,最后以回旋曲结束了整部作品。
接下来则是Op.27两部奏鸣曲,其中第二就是“月光”。
根据车尔尼的回忆,1802年贝多芬曾对好友克鲁普赫尔兹说:
“我对自己过去的作品不满意,从现在起我想开始新的旅程。
”Op.31号奏鸣曲标志着这“新的旅程”开始。
而且贝多芬也拒绝继续写Op.22那样的作品,认为那只适合于大革命时代。
1803年贝多芬的朋友塞巴斯蒂安·
埃拉尔(Sé
bastienErard)从巴黎送来一台大钢琴。
贝多芬用它来演奏了《华伦斯坦奏鸣曲》,几乎用上了所有琴键(这台钢琴现摆放在维也纳艺术历史博物馆中)。
这是贝多芬创作旺期的作品,作品显得辉煌大气,和随后的“热情”、“告别”等奏鸣曲一样富于表情,第二乐章的回旋曲有着灿烂的效果,却需要演奏者有着高度的演奏技巧。
第23号奏鸣曲是出版商因为此作充满激情,前后两个乐章有着雷霆万钧的“热情”而命名的[71]。
“告别”奏鸣曲是贝多芬用音乐描述当1809年法军进入维也纳时,鲁道夫大公出逃事件的。
三个乐章分别名为“告别”、“睽离”和“再见”,分别述说着大公的离去,两人分隔两地和大公再次回到维也纳。
恰巧这首奏鸣曲的标题一语双关,它是贝多芬“告别”中期进入晚期奏鸣曲创作的标志[72]。
“槌子键钢琴”让现代钢琴表现出自己已经具备在表现力上超过拨弦古钢琴和击弦古钢琴的可能。
它是贝多芬浪漫主义创作风格达到顶峰之作。
贝多芬也意识到这部作品独特创新的特点。
虽然这首作品在情绪和曲式上让人怀疑它是否应被归入晚期奏
鸣曲,但毋庸置疑的是,它是贝多芬度过创作衰竭期,整体作品渡入晚期的标志。
从Op.101起的后期五首奏鸣曲通常被归纳在一起,此时激情已过,取而代之的是深沉的思考。
其特点是自由、即兴式的形式,心理哲理方面的思考占据了作品的主要篇幅,注重复调和对位,这些特性预示着浪漫主义的兴起。
还有,贝多芬重新发展了“赋格”技巧,将一个主题反复加以利用,这种技巧也可见于其晚期弦乐四重奏中。
真正的晚期奏鸣曲是其最末三部,技巧上炉火纯青与感情上的出于宁静,超脱的灵秀之气让这三首作品显得深邃难懂。
其最后一部第32号,有认为是贝多芬艺术最最高深的一部。
作品也是献给鲁道夫大公的,两个乐章。
第二乐章极为朴素而且如歌似的慢板,有着一步步净化升华之感,情绪平静但内涵又极具深度[73]。
[编辑]钢琴变奏曲
贝多芬在自己藏下的“选帝侯奏鸣曲”曲谱上写道:
“一部c小调变奏曲和一些歌曲比这些作品(选帝侯奏鸣曲)出现得还早。
”这里所说的变奏曲指的是WoO.63《以戴斯勒先生一首进行曲为主题的羽管键琴变奏曲》,气氛严肃甚至是肃穆。
暗示11岁的贝多芬已立下自己的人生观:
生命是严肃的,而音乐则是高贵值得尊敬的。
而且他认为小调比大调能表达更多的情感。
在去维也纳之前,贝多芬还写了4套变奏曲WoO.64至67,其中WoO.66是用了奥地利作曲家卡尔·
底特斯多夫(CarlDittersdorf)小红帽中的“从前有一位老人”为主题。
但是它们之中要数WoO.65最出名,是以维琴左·
李基尼(VincenzoRighini)的小抒情曲“Venniamore”为主题进行的变奏曲集,对演奏者有着高深的技巧要求。
从中也可想象到1791年贝多芬的钢琴技巧已到了何等的地步。
有趣的是,很长一段时间内,人们只找到了该作品的1802年版,1791年原版久未见其踪影。
因此有人怀疑该作品不是贝多芬的早期作品,而是1802年经作曲家再次修改后的作品。
但是后来原版被重新发现,证明第二版比起第一版没有一点被修改过的迹象。
该事件更深层次的意义是:
贝多芬的音乐风格比人们初期预料的发展得更快更早。
到了维也纳后,贝多芬又写了几部变奏曲,大都是以当时流行的歌剧和歌唱剧里面的曲调为主题,例如格雷蒂的狮心王理查和萨列里的法斯塔夫里面的曲调都被贝多芬拓展过。
它们可能是贝多芬受人委托而创作的。
其中的WoO.70显示了贝多芬的创作速度可以有多快:
一位非常受贝多芬崇拜的女士对贝多芬说,自己曾有过一套以“Nelcorpiù
nonmisento”为主题的变奏曲,可惜遗失了。
贝多芬立刻为她创作了自己的变奏曲并赶在第二天早上给她送了过去。
而到了18世纪末,贝多芬开始使用原创主题写变奏曲。
第一个作品是以他自己为布伦丝维克姊妹所写的歌曲“我想你”(IchdenkedeinWoO.74)为主题的变奏曲。
而到了1802年,他写出了两部很重要的变奏曲:
F大调六首变奏曲Op.34和降E大调15首变奏曲和赋格Op.35(即《英雄主题变奏曲》)。
贝多芬自己也认为它们很重要,所以给了它们两个Op号,这也是他的大变奏曲中第一次。
两部作品使用到新的手法,而且两者本身就已存在很大的差别。
在Op.34中他为每首变奏用上一个调,情绪随之而改变,一时田园牧歌,一时则是葬礼哀歌。
这种手法后来在李斯特处得到很大发展。
但人们不得不感叹,贝多芬早在1802年就已经非常系统地使用该手法了。
Op.35比Op.34在一些方面显得更新颖。
主题是《普罗米修斯的生民》中的曲调。
安东·
迪亚贝利,他先是一位钢琴教师,后投身出版业。
接着贝多芬再写了两首以英国曲调“Godsavetheking”和“RuleBritannia”为主题的变奏曲。
接着他的创作重点便转入大型作品(如交响曲)中。
他自1803年打后只创作了3部变奏曲,分别是1806年的WoO.80,D大调6首变奏曲Op.76和贝多芬一生的钢琴总结—《迪亚贝利变奏曲》。
而在完成Op.76后贝多芬有超过10年没再写变奏曲。
这时,一位出版商安东·
迪亚贝利(AntonDiabelli)突发奇想,要为当时云集维也纳的众多音乐家来一张精神快照。
于是他先给维也纳不下50位作曲家送去一首自己写下的圆舞曲,请他们为之写出大变奏曲集。
而贝多芬就是其中一位。
他为这圆舞曲主题创作了33首变奏曲集。
虽然当时的维也纳不乏名家高手,但是贝多芬无疑在这一次胜出,他写出的版本无疑是最出众的。
除了倒数第二首降E大调变奏外,其余变奏皆是c小调或C大调。
每首变奏速度不一,而且前后色彩也不一样。
这些变奏远超其从中衍生的单调主题,显得千变万化[74]。
作品由迪亚贝利1824年在《祖国艺术家联合会》标题下出版,作为其第一部分。
而第二部分则是其他作曲家的变奏曲,其中有舒伯特和当时年仅11岁的弗兰兹·
李斯特的作品。
[编辑]钢琴小品
贝多芬早在《迪亚贝利变奏曲》之前,就已经在其钢琴小品中大量使用那些短小但是对比强烈的乐句。
当时这种被称为Bagatelle的作品体裁还是非常新的一个概念,对于演奏者的技术要求也不是太高。
贝多芬可以在这些小作品中给自己一些新奇的想法做实验。
1802年他将自己早先写下的一些钢琴小作品荟萃成为Op.33,一共有7首,平均100小节长,并且全部用大调写成。
这一套曲集抒情为主。
而下一套小品曲集编号已到Op.119。
而且研究表明,这其实是两套曲集的合集。
而且后面五首在时间上比前六首要早。
后面的五首7到11号,是1820年贝多芬为朋友腓特烈·
斯塔克(FriedrichStarke)而写的,当时后者要筹建的一所钢琴学校。
在接下来的一年,出版商C.F.彼得斯向贝多芬要稿。
贝多芬为前者写了很多的钢琴小品,而且很多根本就没有被发表。
贝多芬从中提取了12首,并打算结集出版,但是后生变故,他最终只是出版了六首,是为Op.119的前六首。
而遴选后剩下的有四首未完成,但是五首WoO.52、56、59(即《致爱丽丝》)、81和Hess.69号却是已经杀青了的。
《致爱丽丝》曲调优美,技术的要求并不高,或者可以说是非常低,因此非常受钢琴入门的小朋友的喜爱。
贝多芬最后一套钢琴小品是Op.126。
他在这里应用了全新的材料,而且六首作品浑然成为一体,并且与Op.119的前六首有相似之处。
其中的第四首b小调小品,强健有力,中段的B大调奇峰突出,并且在结尾处再次出现,让人难忘[75]。
[编辑]弦乐四重奏
贝多芬对弦乐四重奏所做出的贡献很大。
他的弦乐四重奏表现了作曲者强大的创作力。
他的16首弦乐四重奏可被分为早中晚三期,各有其特色。
世界各种国际弦乐四重奏比赛,如英国伦敦比赛、意大利波契亚尼大赛、加拿大的“班夫”比赛、澳大利亚墨尔本比赛都是将贝多芬的中后期作品列为决赛曲目,而日本大阪和德国慕尼黑的室内乐比赛更是规定,三轮比赛每轮必须演奏一首不同时期的贝多芬作品[76][77]。
[编辑]早期弦乐四重奏
主条目:
贝多芬早期弦乐四重奏
贝多芬的早期弦乐四重奏包括Op.18,以及Hess编号的30到34号作品,包括两首F大调
四重奏、两首前奏曲与赋格,小步舞曲还有改编自亨德尔《所罗门》序曲的一首小作品。
最初的6首Op.18发表于1800到1801年,可以看作是贝多芬对海顿、莫扎特在该体裁音乐方面的总结。
它们占据了贝多芬1798年秋到1800年夏这一段时间,而且是他从波恩来到维也纳之后最重要的写作项目。
这也是贝多芬第一次接手已经由海顿、莫扎特发扬光大的音乐样式,而此前的贝多芬只是一名钢琴家。
贝多芬可能受到莫扎特那六首献给海顿的弦乐四重奏的启发,将自己这六首也结集在一起。
六首四重奏的编号顺序与创作时间并不一致。
贝多芬将其中最有力的F大调四重奏放在第一。
第一首的开篇费了贝多芬很多心思,他打算F大调之后来一次转调。
从他的草稿上可见,他尝试了9次,才改到目前这种形式。
而且为了增强戏剧性,贝多芬还有意识在乐句中制造沉寂。
因此这首四重奏有着强烈的动态,被后人认为是六首中最成功的。
而第三首其实才是贝多芬创作的第一首四重奏,也是该集子里面最柔和,最抒情的一首。
第四首c小调则是贝多芬早期对该种调性的一次尝试,但它可能是这位作曲家手下该调性里面气氛最宽松的作品[78][79]。
[编辑]中期弦乐四重奏
贝多芬中期弦乐四重奏
而中期的弦乐四重奏则是非常受欢迎的三首《拉祖莫夫斯基四重奏》和两首带标题的10和11号:
“竖琴”和“严肃”[80]。
《拉祖莫夫斯基四重奏》是贝多芬在创作Op.18约五年之后的再次回归。
它们是献给驻维也纳的俄国大使拉祖莫夫斯基的。
这三首作品对弦乐四重奏的意义可比《英雄交响曲》对交响曲的意义。
它们既显示了贝多芬开阔的视野,又让人看到了贝多芬娴熟钢琴技巧的影子。
它们拓展了弦乐四重奏的音乐形式,将情感与戏剧性结合到一个新的高度。
《综合音乐报》写道:
(它们)吸引了所有音乐爱好者的注意力,……很长很难懂,是经过深思熟虑写出的作品,但并非所有人能领会。
《综合音乐报》之所以说“长”,大概是源于第一首和第二首四重奏,它们在长度上的确只被后期的同类作品所超过。
而第一首的所有乐章都是奏鸣曲式。
而且这对比起贝多芬原先打算的,已经是缩短了的。
开始先是大提琴流畅的曲调,再是小提琴加入,给人一种空旷的感觉。
第二乐章8分多钟的谐谑曲长度实在空前。
第三乐章柔板是非常慢而且悲伤的。
第四乐章则是一粗暴的主题,被贝多芬命名为“俄罗斯主题”。
而第二首e小调则显示了贝多芬对短小简洁的表达方式的兴趣。
第二乐章犹如颂歌,而“俄罗斯主题”这次则以谐谑曲的形式出现,此曲调往后也为穆索尔斯基所用。
第三首C大调的开章与海顿的创世纪开头“混沌”意境相通,开头即是一下强奏。
第二乐章忧郁压抑,最是动人心弦。
而在这第三首弦乐四重奏里面,并没有“俄罗斯主题”的出现。
接下的两首独立的四重奏本身就成了鲜明的对比。
前一首“竖琴”,其名可能源于作品中多处拨奏音列。
Op.95作于1810年(-1811年?
)“严肃”有着最强烈的主题对比。
第一小提琴的炫技音行带来更多的是心理方面的暗示,而非观赏方面的刺激[81]。
[编辑]晚期弦乐四重奏
贝多芬晚期弦乐四重奏
一座贝多芬的半身塑像
《第九交响曲》之后,离上一首四重奏时过12年后,贝多芬写了最后五首弦乐四重奏,特别是最后一首,被人认为是贝多芬的“音乐遗嘱”。
和Op.18的创作有些相似,这五首作品占用了贝多芬一整段时间,因为他对这些作品反复揣摩,力尽完美,Op.131的草稿费纸三倍于其终稿。
它们的创作顺序为12、15、13、14、16。
其中又将它们可以分为三组:
Op.127开序、Op.130和132为中篇、Op.131和135结束。
其中最前和最末的两首Op.127和135有四乐章,但是中间的几部有5甚至7个乐章,结构复杂,更像组曲。
第13号的原终乐章被贝多芬在1826年单独写成一首大赋格和四手联弹的钢琴作品,它被斯特拉文斯基称作“永远的现代音乐”。
与他的小提琴奏鸣曲所展现的柔美气氛相较,晚期的弦乐四重奏显得力量雄浑,气魄强健[82]。
它们显得非常艰深,出现了早期作品中不曾多见强烈的半音、不谐和的经过句。
Op.130号降B大调弦乐四重奏是贝多芬要突破四乐章样式所做的最大胆尝试之一,有六个乐章。
Op.131升c小调四重奏更有七个乐章,并以慢乐章开头,这在25年前《月光奏鸣曲》里出现过一次,而且又是贝多芬晚期热爱赋格这种形式的一例。
作品中的7个乐章轻重不一,长的达17分钟,短的则只有54秒,起一个过渡段的作用。
贝多芬说过这是他最伟大的四重奏。
而Op.132的第三乐章则被贝多芬称作“一位康复者对神明的感恩圣歌”,是他晚年最神圣庄严的篇章之一。
而最后一首Op.135,音乐在略带好奇表情的开头之后,时而心情放开时而收紧。
在慢板乐章,他再次,也是最后一次用到他喜爱的变奏曲式[83]。
值得一提的是,伦纳德·
伯恩斯坦曾经用大乐队的形式演奏过Op.131和135。
[编辑]影响
德国联邦邮局发行的“著名德国人”系列中的贝多芬70芬尼邮票
很多人都认为贝多芬是古往今来最伟大的作曲家。
无可否认,他的确是非常出名和受爱戴的。
在ZDF主办的“100位最伟大的德国人评选”中,德国观众通过手机短信、电话、互联网和邮寄等形式投票,贝多芬排名12,在音乐家中只有巴赫比他靠前(排名第6)[84]。
有人
认为,贝多芬改变了作曲家的地位,作曲家从前只是一种接受委托进行创作的职业。
而贝多芬则是以一位艺术家的身份出现,借音乐表达自己的情感理智,并且通过演出和出版使得自己的生活独立起来,不需仰人鼻息。
他在这方面的开拓作用,可与拜伦在诗歌方面和威廉·
透纳在绘画方面相比[85]。
《贝多芬》(Beethoven)一书的作者康拉德·
居斯特(KonradKü
ster)在该书的序言中写道:
人们以不同的方式去了解贝多芬。
在贝多芬的时代,他既有崇拜者、也有批评家,甚至还有不能理解他的音乐的人。
对于年轻的一代人来说他是一个榜样,虽然这个榜样有时会起到震慑的作用,因为很难想象有人能在作曲方面与贝多芬比肩。
……这种榜样,不但影响了音乐家,还影响了音乐爱好者。
罗曼·
罗兰无疑是属于这里提到的音乐爱好者。
他为贝多芬的作品作评论,1903年又投入到《贝多芬的一生》(《LaviedeBeethoven》)的写作中。
贝多芬身受耳聋和各种病痛困扰,却依旧坚持写作的人格无疑也吸引着罗兰。
在后者1915年获得诺贝尔文学奖的《约翰·
克利斯朵夫》就闪烁着贝多芬的影子。
他的《贝多芬的一生》不但被视为一部音乐历史书,还是一部文学性极好的著作,被译成多国文字。
而同时代的歌德,不但为贝多芬的创作提供了素材,还和贝多芬有过直接的私人交往。
他在一封寄给时年25岁的贝蒂娜·
布伦塔诺的信中写道:
说心底话,去结识贝多芬,即使是稍稍交换一下观点和感受也是获益良多的,为此我愿意牺牲一切。
贝多芬的音乐可谓是西方浪漫主义音乐的典范及开源之作。
经过舒伯特、门德尔松、瓦格纳、罗伯特·
舒曼、马勒、理查·
施特劳斯和威尔第等等作曲家的努力下,浪漫主义音乐得以开花结果,繁盛了整个19世纪。
法国作曲家柏辽兹为贝多芬的九首交响曲都作过评论。
而在19世纪的德奥音乐界,出现了两种趋向,一派是布拉姆斯为代表的古典主义者,被人称作“冷灶余薪”[86],另一是以瓦格纳为首的浪漫主义作曲家群。
两派分歧甚多,互成帮派甚至互相责难,但是他们都非常尊重贝多芬的前
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