水粉罐子Word格式.docx
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而且远出的桌布要画的简单点
近处的桌布画的尽量细节化
这样虚实关系就出来了
这些都是我画画总结出来的一下方法
希望给你带来帮助
罐子要有立体感
首先要强调明暗交界线
也就是管子的表面通常有个由中间那圈交界线和竖着的那圈交界线组成的十字交界线
画的时候颜色稍微深一点
尤其那个十字的交点,也是两条明暗交界线的交汇处
其次
一个很简单的道理
面是由线构成的
体是由面构成的
你一笔一笔的虽然很细心的画
就相当于在罐子上画出了一道道的线
所以越画越没立体感,怎么画显得太平面了
我刚学色彩时也是犯这毛病
老是想画好画细致
一笔笔很小心却怎么画都很平
建议你话罐子不要太拘束
大胆的用块面去表达罐子
把罐子的面分为好多块
每一块和每一块的颜色不一样但却有过渡
用笔时不要像毛笔那样一笔一笔的竖着横着或斜着的直直拉上一笔
要将笔触像蜻蜓点水那样一下下的去触碰画面
这样画出来一笔,就是一个面
用不同的色块去表达一个面
给你个范画
离远看那个罐子非常有体积感和重量感
近看
你会发现其实表面都是有一块一块的小色块组成
这也就是色彩中为什么大多数人愿意用色块的原因
很容易出效果
只要对比好,衬布的颜色会跳出来...没对比,在亮的布都出不来
画罐子时,要注重罐子的立体感,暗部到受光面要过渡自然过度时可以适当加点白。
还有瓶口要换小笔画仔细点。
衬布要注重褶的明暗,把突出来的褶画立体背光的一边要画暗。
还有就是不要加太多的白和水,以免整体变粉。
针对考试吧要看你考试时的气候小窍门通常要跟气候相反如:
天冷就用暖色调热天当然用冷色调了不过得小心把物体弱化了忠告
头发首先在起稿的时候就应该确定好整个的形状,但是不能画死。
(不然缺乏动态)尽量用松松的感觉去画(推荐用碳条先画下,再用纸巾擦,再用铅笔进行塑造)高光可以在最后用橡皮擦出来。
嘴巴的话也是该在起稿是找好比例。
仔细观察鼻翼,嘴角,眼角的关系。
这点在写生时更重要。
(因为模特还是人·
·
不可能不动吧)上嘴唇要和鼻子下的产生关系,边缘线不能抠死。
注意中间高两边低,中间可以亮点。
其实画画不能局部,要整体的画。
起码画的要在一个调子上。
如果模特那些局部比较能体现出他的特征,你可以进行稍微夸张一些的刻画,这样会比较像。
教你怎样画好素描
素描的人物画技法
A:
头像写生的步骤:
a:
构图用最简洁的基本形轻轻确定头像置于画于纸中部略高于中心的位置,画侧面的头像时的视线前方要适当多留空白。
b:
用辅助线测定形体的比例,透视和倾斜度,确定大的形体特征。
c:
从五官画起,用线条具体刻画形体细节,同时用色调表现主要的转折处,色调要尽可能简练。
d:
整理完成,从整体效果出发,通过加强减弱等方法处理,使画面详略得当,主要形象特点鲜明突出。
B:
全身人物速写的作画步骤:
a:
用用轻淡的直线画出人体的大轮廓,处理好构图。
b:
借助于形体结构关系,透视关系,动作关系,使轮廓更准确和具体化。
c:
用准确的有力的线条从局部画起,逐步画出各部位形体,施以简洁的色调加强体积的表现。
d:
整理完成,从整体效果出发,通过加强减弱等方法处理,使画面详略得当,主要形象特点
素描的关键!
素描之_线面融合
我们面对的形体,本来是没有“线条”和“点”的,就是我们所感觉到“面”的存在,也是在起伏的千变万化中附着在结构与形体上的。
正对着我们的“面”,侧过去就成为了一道压缩的线条,纵深过去,线条就是成为一个点。
这些素描的构成元素,使得我们捕捉对象形体有了得力的手段。
但是,在写生过程中,我们又非常容易过于潇洒的使用线条,而导致流畅的浮躁。
在找准形体结构的耐心与枯燥的练习中,我们很难逃避划线的乏味;
同时也很难抵挡挥洒的诱惑。
可以说,在素描中我们所划出的任何线条都应该具备形体结构的属性,才具有真正意义。
不然,就成为了一根或一组废线;
而由这些线条所组成的面当然也成了无意义的脏灰色。
可能在写生中也会感到一些灰色的“面”,由于我们的感觉其实还处在错觉时,就误以为是一块“面”而画出来,结果仍然是脏灰色而非形体的一部分。
如何避免这种错误的产生,就需要我们始终以对象的结构为中心,不能被动地照抄对象,而要主动、主观的分析与判断对象给我们提供的绘画元素,透过整体的结构去完整的驾驭被画形体。
我们使用的无论是“点”、“线条”还是“面”,都是一种手段,它们本身没有任何的意义,把它们用在我们所刻划的形体上,就成为了人体结构的元素,最终成为所画人体的一部分,而不再是什么点线面了。
中国人物画用线条对衣褶的描画方法,总结归纳出游丝描、琴弦描、铁线描、竹叶描等“十八描”法。
西方绘画空间的运用,使得线条的运用融入了面的成分,变得更加丰富多彩。
在对形体与结构的观察中,相信每个人的感悟都是不同的。
如何运用点线面的融合,将你对形体的理解刻划出来,将是你创造的一个过程。
在此之前,不妨也可采用中国传统的训练方法——临摹的学习,来体验一下前辈大师的用笔,再融入自己的体验,相信你的写生将更加的有趣。
素描——结构是真
在素描绘画当中,最关键的当然是结构。
现实中很多画家,由于对人物或物体结构缺乏了解,最后只能走形式的路子,在创作中很难拿出具有深度的力作。
虽然我们已经有了方便的照相机(现在都使用数码相机)和扫描仪,可以在电脑中处理图形,能够省却很多造型的麻烦,但是,形是形,结构是结构,并不是一个概念。
对绘画的过程而言,形是附着在结构之上的表象,而结构才是对象的支撑;
外在形的轮廓无法真正表现对象的内在美。
我们所观察到的对象的外形,那是一种表象,一种轮廓。
当对象一旦变换位置,而我们又缺乏对结构的了解,就很难着手。
在初学阶段,几乎每个人都经历了利用稳定的三角形来确定形体的大体位置和构图,然后再用小的虚拟的三角形、方形等分解被画对象局部的位置,这样的方法最后只能是比葫芦画瓢,照相般描绘对象。
就像我们已经走过了充饥的年代一样,我们已经走过了缺图的年代,正跨入一个读图的时代。
各种图形、图像、图库层出不穷,再用照相的方法——抄照片去再现对象,倒不如干脆去搞摄影算了,那我们还不如照相机来得客观。
对画家来说,最难以接受的便是被人夸奖为:
看画得多好,像照片一样。
也就是说,那些个作品没有强烈、强调和更深层次的东西,缺少画家对形体结构的理解和对对象的内涵表现的创意,这又怎么能算得上绘画的艺术作品呢?
艺术的真实,并不是纯客观的真实,而是画家通过自己的感官和手,表现画家内心的感受的一种艺术的真实——去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的刻画与刻划。
素描静物的学习方法
素描静物写生是石膏几何形体写生的延伸和发展,它描绘的范围很广,瓜果、蔬菜、花卉、瓶罐、文具等都可作写生的内容。
素描静物写生主要是训练我们的构图能力和造型能力。
对初学者来说,一方面通过由简到繁的静物组合写生,掌握构图规律,做到画面对象大小比例安排得当,视点高低适宜;
另一方面,也可以自己布置静物作画,从中学习构图的基本知识(如统一和变化;
对比和调和;
对称和均衡:
比例和节奏;
静感和动感等等),逐步掌握构图能力,静物的形体结构实际上仍是不同的几何形体的组合,但它比石膏几何形体更不观则、更复杂。
这样我们在静物写生中,更应该强调对形体组合关系和结构关系的理解。
在静物写生中,各种物体都是由不同质材构成的,硬软、粗细、轻重、厚薄等等的“质”感是不一样的,质感的表现主要通过对比的手法,当然也有赖于物体色调准确的描绘。
在素描静物写生中,物体的透视规律还是应该继续予以重视的,以求不断加深对透视规律的理解。
素描静物写生的工具可用铅笔、木炭、炭精条等。
素描静物写生的观察方法和作画步骤大致上和素描石膏写生相,只要我们树立整体的观察方法,通过不断的写生实践,就一定能逐步掌握素描静物写生的能力和技巧。
一、写生步骤:
科学、严格的方法步骤不仅能够保证作业顺利进行,更可以培养我们的整体观察能力和描绘能力。
1.确立构图
推敲构图的安排,使画面上物体主次得当,构图均衡而又有变,避免散、乱、空、塞等弊病。
2.画出大的形体结构
用长直线画出物体的形体结构(物体看不见部分也要轻轻画出),要求物体的形状、比例、结构关系准确。
再画出各个明暗层次(高光、亮部、中间色、暗部,投影以及明暗交接线)的形状位置。
3.逐步深入塑造
通过对形体明暗的描绘(从整体到局部,从大到小)逐步深入塑造对象的体积感。
对文要的、关键性的细节要精心刻划。
4.调整完成
深入刻划时难免忽视整体及局部间相互关系。
这时要全面予以调整(主要指形体结构还包括色调、质感、空间、主次等等),做到有所取舍、突出主体。
素描——描与刻划
对于习惯于使用明暗调子的人来说,总是觉着只有这样画才是扎实的素描。
其实,经过后来的习作,我还是感到不过强烈,描的东西太多,而刻的地方太少。
应该说利用素描明暗来刻画对象的体积还是有用的。
但是如何从明暗调子中走出来,却不是一件很容易的事情。
脑子里的固有观念和习惯的势力,加之悟性提高缓慢,使本来想丢弃的画法还会不时的有所反复。
明暗调子就像钢琴的键盘,越是多越能表现得丰富。
我们使用的铅笔还能出产7B、8B的吗?
即便是有了9B、10B的,也无法表现出现实模特儿空间的黑,黑与白的对比只是相对的。
在舞台美术的布景暗调子处理上,使用纯黑+普兰在灯光的照射下也泛白,就改用黑丝绒,可我们的绘图纸如何表现出这样的黑洞?
其实黑与白只是一种感觉。
强烈的感受需要我们改变以往的写生的办法,摒弃故有的脑子里的死的概念,用全新的思维,在结构意志的控制下,充分发挥我们自己的感触而凝注在笔端的力度,画出对象感受的神似。
不停地改变自己固有的观念,不断尝试新的绘画方法,千万不能为完成一幅作品小心翼翼的作业,完成作业不能成为我们目的的负担。
不然,你将丢弃更多尝试的机会,千篇一律的重复自己的已知而禁锢自己思维的想象空间。
第一步,构思、构图。
在作画前要养成观察对象的特征、酝酿自己情绪的习惯。
根据对象的职业、年龄、气质、爱好等考虑该如何表现,最后欲达到怎样的效果。
成竹在胸,下笔就大胆潇洒。
不要仓促作画,构图时注意人物位置是否合适以及人物前方的空间要大些。
虽然这是老生常谈,却是决定整幅画是否完整舒服的关键。
第二步,狠抓轮廓。
这点非常重要。
万丈高楼平地起,没有坚实的墙基不堪设想。
轮廓即墙基,要抓准,就要抓住头部基本形、五官位置、明暗交界线的位置、头与肩的关系。
要画准轮廓,就必须整体观察,整体比较,多运用辅助线帮助确定位置。
在抓外形时要狠抓特征,要画得像。
外形初见端倪,形象呼之欲出。
就如公园门口的艺人用剪子剪影,轻而易举地将人物形象显现出来,尽管看不清过细的内部结构,我们照样能够认出他来。
有些不注意这一步,形还非常含糊,便匆匆忙忙去画五官了。
这样画出来的画怎么能逼近对象呢!
在画准外形的基础上,五官位置也需狠下功夫。
在画五官时要注意中轴线的运用,除绝对正面外,中轴线根据头的动态呈孤线,很多同学不理解这一点,画稍侧的角度,头总是转不过去,当然感觉就很差。
五官位置可以根据三停五眼的基本规律,在共性中找出人与人的形象特征,画出人与人的千差万别。
在打轮廓时要注意眉、眼、鼻、耳的长和宽以及厚度的位置。
如果这一步画不准千万不要深入,更不能上明暗。
画眉毛要注意眼窝上下凹处的骨点和通过颞骨处凸的转折所呈现的眉深眉淡。
画眼则要将四个眼角处于一条平行线上,否则眼睛就有高低,感觉不舒服。
画眼很重要,上眼皮和下眼睑有区别,一般上眼皮较重,原因是有厚度,且眼睫毛较深,阴影投射在眼球上,往往这里是整幅画的最深处,很有神,也易将眼球包在眼皮之中。
下眼睑受光,要亮,不然就如戏妆了。
嘴的刻划也关系到人的表情。
首先要确定上下嘴唇的厚薄,还要注意嘴唇不能用线勾得过死,嘴的上翘下垂,非常微妙。
画耳要与眼鼻嘴联系起来看,有些考生不愿多画耳朵,甚至将耳朵当作负担。
要么虚不过去,影响空间,要么跳得厉害,破坏整体。
明暗交界线是决定头部深度、体积的关键,颧骨处在交界线最突出部位,有高有低,有突出也有柔和,可视特征而定。
尽管受光处颧骨不那么明显,但必须与暗部对称地画。
顺便说一下,人物写生非常重要的是对称,诸如两眼、两耳、两个鼻孔等都要同时考虑。
头发固有色是黑色。
只要仔细分析,绝不是漆黑一片,也同样有明暗对比。
头发是在颅骨上形成的,发型、明暗都必须考虑结构。
头发力争画得蓬松,富有质感。
第三步,深入刻划。
此时要好好审视一番,看看哪些部位最深、最强烈,就从这些地方着手,一般先从眉、眼、鼻、颞骨处开始,一下子即可抓住特征,画出大的关系,但是一定要避免抓住一点反反复复盯着画,使局部画得过分而关系失调。
先画什么、再画什么可根据对象特征来考虑,如角度有些偏,颧骨比较突出,有的剑眉浓重而富个性,有的眼睛炯炯有神,那就由此展开。
在深入中要始终保持整体关系,明白一幅画的好坏主要取决于整幅画面的整体感,完整感,如果只是将笔墨停留在五官上,以为是画龙点睛,而忽视其它方面,整个画面就不会好。
我们在看画展时,总是站在较远处端详整幅画,对某些部分感兴趣,再走近细观,没有人看画展时直冲到画前死盯着局部看,如果那样岂不滑稽可笑?
在深入中首先着眼于整个画面的明暗对比,我将它比作为主要矛盾。
然后是暗的与暗的比,亮的与亮的比,我将它比作为次要矛盾。
主要矛盾决定次要矛盾,抓住了大的关系,又注意了微妙的关系,整个画面就有主有次,可以有条不紊的进行深入。
每深入一层,即从最凸处开始,带动次明部。
画眼注意整个眼轮匝肌周围的关系,画嘴考虑口轮匝肌的块面,画鼻注意鼻骨、鼻翼与脸颊的联系。
同时,还要考虑这一局部在整个脸部中的比例关系。
总之,在深入中时时考虑整体,主次各得其所。
第四步,调整。
一般考生画画时总喜欢一个劲地往下画,直至结束,感到气都喘不过来。
哪有时间去琢磨一下,留出15-20分钟的时间调整大的关系。
其实这样的想法很要不得。
调整既是深入也是概括,使画面的总体效果更趋完整,要做减法,将琐碎的细节综合起来,加强大关系。
调整还是考生艺术修养的综合体现,究竟以怎样的画面效果呈现在主考官面前,以怎样的画面效果在众多的考生中出类拔萃,这点值得深思。
要画好人像,特别要画得像。
避免公式化、概念化地将人物千篇一律,千人一面的机械式的描摹,好像人物形象是一个模型里刻出来的,总是那么呆板、没有生气。
人物要画得像,首先是形神兼备,注重人物内在性格和情绪的刻划。
只要在平时的练习中,多留意眉、眼、嘴的情绪变化的表现,在神情最为自然、生动的时刻来画,就能使画面有生气。
我觉得形神兼备是人像写生的最高要求,绝不是在技巧提高之后才去追求。
总之要画好人像素描,获得扎实的基础,精确的造型能力,还是要靠多画才能得到。
俗话说,“熟能生巧”,技巧是从勤学苦练中得来的。
同时还要多看好的范画,提高鉴赏力,进而大胆地多方面地进行尝试,不断提高绘画水平,实现自己的理想。
呵呵..
水粉色彩纯度与明度的局限性水粉颜料在湿的时候,它颜色的饱和度和油画颜料一样很高,而干后,由于粉的作用及颜色失去光泽,饱和度大幅度降低,这就是它颜色纯度的局限性。
水粉明度的提高是通过稀释、加粉或含粉质颜料较多的浅颜色来实现的。
它的干湿变化非常之大,往往有些颜色只加少许的粉,在湿时和干时,其明度就表现出或深或浅的差别,这就是水粉颜料的干湿反应。
由于水粉干后颜色普遍变浅,所以,运用好粉是水粉画技术上最难解决的问题。
而含粉的色彩又恰恰使画面的颜色充满水粉画特有的“粉”的品质,而出现特别丰富的中间色彩,但水粉画的颜色细腻程度还是远远要低于油画的。
(一)观察:
1、观察的内容:
观察要全面、系统。
具体来说:
要从形、体、色三方面去观察,要形成头脑中的整体印象,便于构思画面及想象色调与构图。
①静物的形,哪一个最大,哪一个最小,哪一个最左,哪一个最右,哪一个适中,各有什么特点。
②静物的体:
每一个物体体积结构的特点及块面组合,以及哪个物体空间位置最前,哪一个物体空间位置适中,哪一个空间位置最后,以及形与体、物与物之间的远近、高低、向背等空间关系。
③静物的色:
整组静物色彩的冷暖基调是什么,最深色物体是什么,次深的物体是什么,最亮色物体是什么,画面什么色与什么色属灰调(中间调子),什么色与什么色属黑调(深色调),什么色与什么色属白调(浅色调)。
2、观察的方法:
在动笔之前,应该用足够的时间观察、研究、分析物体的形象、形体特征,要形成完整的印象。
坚持多看、多分析,不但深化认识和理解的程度。
①整体地观察:
整体地观察是观察的核心,从整体到局部、从局部到整体,养成整体观念及表现的习惯。
整体观察形、体、色形成第一印象。
②联系地观察:
在整体中,局部与局部之间相互依存,有内在联系。
其中解剖关系、空间关系、透视关系要通过联系地观察,增强整体内容的把握能力。
③本质的观察:
任何表面物象都以其本质为依据,不认识、不理解事物的本质,也就不可能真正理解现象,产生盲目性。
在色彩中形体结构与色彩色调都包含着深刻、复杂、又协调的明暗素描关系,加深本质地理解,可以提高表现能力。
看名家名画,也能进步的道理也基于此。
干画法主要是要注意笔触.笔触如何处理这要多练习多临摹,文字不好表达.
象你说的一组静物,蓝色衬布白色瓶子,很明显,白色的瓶子主要受兰色的环境色影响,因此在暗部和反光应调点环境色.
画投影的时候,切忌画得太厚,颜色要透明,不能死黑一块,而且强烈建议你不要用黑色,可以用普蓝等深色加其他颜色调配出来.投影的颜色是画得越透明越出效果的.另外请不要用现成的灰色.
调色盘的问题:
水粉中调色盘十分重要,我个人习惯用很大的那种调色板,每次调颜色的时候可以多调一点.以备等下要用,因为水粉颜色干了会发灰变暗,许多颜色你可以直接在调色板上观察出来,另外,当你画到一定程度的时候,你看看自己手中的调色板,之前所调的颜色会有许多能再次用上或者经调和其他颜色上直接用的.这样调出来的颜色会与画面上的颜色更协调.不用每次都沾很多不同的颜色把之前的颜色调出来,这样减少画笔直接接触颜料盒也有利于保持你的颜料的干净.我一般画水粉一张4开的静物,3个小时的作业,调色盘基本是不用洗的,注意调的时候冷的暖的亮的暗的分开区域就好了.尽量少用黑色,切记.
(二)
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- 水粉 罐子
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