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“变”字用到唐代,简化了一下,借用“徧”字,或作“遍”字。
词的上下可称为上下遍,或上下片,或上下段。
【徧】:
即遍。
【片】:
在南宋,遍字又省作“片”字。
【段】:
与片、遍同义。
【拍】:
韩愈给拍板下定义,称之为乐句。
【么】:
一首词的下遍。
【结拍】:
词的结尾处,谓之结拍。
但结拍井非结句。
【歇拍】:
即结拍
【换头】:
词从单遍发展为两遍,凡是下遍开始处的句式与上遍开始处不同的,这叫做换头。
【过腔】:
即换头。
【过】:
【过片】:
【过变】:
【过处】:
【过拍】:
【重头】:
一首令词,上下叠句法完全相同的,称为“重头”,“重头”只有小令才有。
【双曳头】:
三叠以上的词,第二叠与第一叠句式、平仄完全相同,形式上好似第三叠的双头,故名之曰双曳头。
【转调】:
一个曲子,原来属于某一宫调,音乐家把它翻入另一个宫调,节奏既变,歌词亦变,便出现带“转调”二字的词调名。
【双调】:
元明以来,一般人常把两叠的词称为“双调”。
【促拍】:
所谓“促拍”,就是乐曲节奏的改变,不过从歌词的字句之间是看不出来的。
【偷声】:
一首词的曲调虽有定格,但在歌唱之时,还可以对音节韵度,略有增减,减叫做偷声,与移宫转调有关。
【减字】:
即偷声。
【添字】:
一首词的曲调虽有定格,但在歌唱之时,还可以对音节韵度,略有增减,增叫做添字,与移宫转调有关。
【摊破】:
即添字。
【大拍】:
宋人以音繁词多的曲调为大拍。
【近拍】:
以旧曲翻成新调,亦可以称为近拍。
【近】:
即近拍。
【令】:
唐代人称小曲为小令。
【慢】:
歌声延长,唱得迟缓。
【引】:
宋人取唐五代小令,曼衍其声,别成新腔,名之曰引。
【犯】:
犯调的本义是宫调相犯。
【大曲】:
大曲以许多曲子连续歌奏,少的也有十多遍,多的可以有几十遍。
【摘遍】:
从大曲中摘取其一遍来谱词演唱,称为摘遍。
即摘遍。
【序】:
大曲的第一部分是序曲。
序曲有散序、中序,中序又称为拍序。
【歌头】:
大曲歌遍之第一遍,谓之歌头。
【曲破】:
大曲中序(即排遍)之后为入破。
【中腔】:
所谓“中腔”,可能也就是中序的一遍。
【填词】:
先有乐曲,然后依这个乐曲的声调,配上歌词。
宋元以来一般人则通称“填词”。
【倚歌】:
即填词。
【倚声】:
【填腔】:
宋人为歌词作曲,称为“填腔”。
【自度曲】:
通晓音律的词人,自写歌词,又能自己谱写新的曲调,这叫做自度曲。
【自制曲】:
即自度曲。
【自度腔】:
【自过腔】:
所谓“过腔”者,是从此一腔调过入另一腔调,所谓“过腔”,仅是音律上的改变,并不影响到歌词句格。
【领字】:
于词意转折处,使上下句悟结合,起过度或联系作用的字。
【词题】:
宋以后,词的内容、意境和题材都繁复了。
有时光看词的文句,还不知道为何而作。
于是作者有必要给加一个题目。
【词序】:
“词序”其实就是词题。
如果用一段比较长的文字来说明作词缘起,并略为说明词意,这就称为词序。
【小令】:
明人以58字以内为小令。
【中调】:
明人以59字至90字为中调。
【长调】:
明人以90字以上为长调。
【句式】句式是指一句诗的节奏。
【谋篇】谋篇指诗词的结构章法而言。
对于诗,前人总结的经验很多,但归结起来一般不出“起”、“承”、“转”、“合”四字。
【对句与邻句】律诗每一联为两句,同一联的上句与下句称为对句,上一联的下句与下一联的上句称为邻句。
【滋味】最早记载于梁朝钟嵘的《诗品序》。
“五言居文词之要,是众作之有滋味者也。
”它主要是指诗歌创作的感染力。
这不单纯是作品的艺术性问题,而是包含着作品的思想倾向问题。
以“辩味”来比喻文艺的审美过程,是源于先秦诸子的论述。
历代诗论家更有所发挥,南宋扬万里甚至提出,论诗“以味不以形”的说法。
【用事】钟嵘《诗品序》中说“至于吟咏情性,亦何贵于用事”。
他认为诗歌创作是抒写个人情感和思想,不必注重用事。
这里的用事,是指诗歌创作中的一种倾向,就是在创作中引用典故和前人典籍中的材料。
这种手法,也不是一无是处;
但滥用无度,必然使作品晦涩难懂,损害感染力量。
【切对】是指近体诗格律中的一种形式要求。
在近体律诗中间,不但规定的句数要对,而且这种对,不仅字面意义上相对,而且更重要的是字音的平仄也要工整相对。
这样,就获得完美的音韵协调的效果,增强艺术感染力。
【唱和】最早是指歌曲演唱中的相互呼应。
《荀子?
乐论》“唱和相应”。
南北朝开始,诗人将诗歌相互赠答称为“唱和”。
这种形式,到唐代,得到极大发展,乃至有唱和的专集。
例如:
元稹和白居易的《元白继和集》(已佚)、皮曰休和陆龟蒙的《松陵集》等。
【取境】唐代释皎然在《诗式》中提出的诗歌创作中的一种手法。
所谓“境”,是指诗人将客观现实生活中的场景和感受,通过主观性创造,再现在诗歌创作中的艺术真实,这就要求诗人的感受要“深”“险”,至难至艰,而再现出来的却是“新”“易”,乃至于不露主观的刻划痕迹,平易、自然,达到最高境界。
【五格】唐代释皎然在《诗式》中提出的诗歌批评的一种标准。
它主要是指诗歌中运用典故的优劣。
“不用事第一”,而“有事无事情格俱下第五”。
这里,也涉及到诗歌中的“情”的问题。
所以,不能单纯用“用事”“不用事”以及用事好坏与否来评定创作的高下。
【七德】唐代释皎然在《诗式》中提出的诗歌创作中的七个标准。
即:
“一识理,二高古,三典丽,四风流,五精神,六质干,七体裁”。
这七个标准涉及到思想内容、形式体例和写作风格等。
他将诗歌创作作为一个整体来考察,可是,对于每一个标准没有深入的阐述。
【三思】唐代诗学论著《诗格》(伪托王昌龄所作)中提出“诗有三格:
一曰生思,二曰感思;
三曰取思。
故称三思。
”这是指诗歌创作过程中诗人主观构思的不同过程和情况。
“生思”是指忽然而得;
“感思”和是指间接有所感而得;
“取思”是指深入客观现实,而后才有所得。
【三境】唐代诗歌论著《诗格》中提出,诗歌的境界,有物境、情境和意境。
物境是指山水诗的他作;
情境,是指抒情诗的创作;
意境,是指抒写诗人对客观外界的感受、认识的诗篇。
“张之于意而思之于心”。
这就是说,它不是单纯的抒情,而是主、客观融会所得的抒述。
虽然,这三境说,没有很好的阐发,但对后世的意境说有一定的影响。
【韵味】唐代司空图提出的诗歌批评的总则。
他认为诗歌创作的优劣主要是取决于韵味的消长。
所谓“韵味”是指诗歌创作中涵蕴的思想倾向与艺术特色所构成的一种具有审美价值的品质。
这种品质和欣赏者的主观思想相结合,就形成了“味外之致”“外象之象”等一系列的审美成果。
【雄浑】唐代司空图在《诗品》中提出廿四品。
“雄浑”是第一类。
它主要指诗歌创作的那种雄健有力、浑成一统的风格。
它既包含着正确而又充实的思想内容,又有波澜壮阔的气度。
两者是密切结合的。
【冲淡】“廿四品”中的一类。
它是中国古典诗歌的一种主要风格。
所谓“淡”,不是指“淡而无味”,而是指“素”(从色彩角度着眼)“默”(从意境角度看)和“微”(从欣赏心理角度着眼)。
总之,诗人运用高妙手法,徐纤从容的神态来表现一些微妙隽永超逸的思想感受,诗歌语言也必然是朴素无华、不事藻饰。
【自然】唐代司空图《诗品》中提出的一种诗歌创作风格。
它侧重于创作手法角度,排斥人工的造作、矫饰、刻划等,力求一种天然形成的美的境地。
这种风格,实际上和宋代梅尧臣提出的“平谈”不同,不可混为一谈。
【含蓄】唐代司空图《诗品》中提出的廿四品中的一类。
这是侧重于创作手法的一种风格。
它和浅露、率直相对立,要求诗歌创作的含意深远,含而不露,及至达到意在言外。
这就是说,诗人创作时对于客观生活和主观内心有深刻的体察感受,能发现深层次的思想感情,又能运用高超的艺术手法,寓深意于篇章之中。
从读者角度来说,必须磨练自己的感受力,能有条件体察其中的奥秘,求索作者的本意。
【绮丽】唐代司空图《诗品》中所提出的廿四品中的一类。
这种艺术风格,着眼于艺术语言的创造和运用方面。
主要指华丽辞采的描述以及声韵的巧妙。
【疏野】唐代司空图在《诗品》中提出的“廿四品”中的一类。
这种艺术风格正好和含蓄蕴藉相对立。
它要求诗人感情奔放,一泻千里,尽情宣泻。
读者阅读时,他的思想感情追随着诗篇也经历一个宣泻过程,获得精神的享受,不再需要去品味“言外之意”了。
【铺叙】宋代女词人李清照在《论词》中提出的作词手法的重要论点。
她提出的这个论点,并不单是指“铺陈叙事”,而是着重于诗人内心感受的展现,情景交融的内外过程,乃至思想感情的多层次的交叉复杂的变化等,总之是有关情感领域的拓展问题。
这也是使词的创作,不单纯停留在“情景交融”等单一、静止的描叙上,而是进入到动态的多变的领域。
【平淡】宋代梅尧臣首先提出的一种诗歌创作风格。
这种风格的最主要特征就在于不激越,不飞扬。
诗人的深刻的思想感受,运用朴质、微婉的语言,不动声色的表现出来。
它既有排斥绮丽的一面,更主要的是否定剑拔弩张的讽喻的作用。
所以,这种风格往往和诗人所要表达的思想倾向相互矛盾。
【情真】宋代张戒在《岁寒堂诗话》中说道:
“其情真、其味长、其气胜,视《三百篇》几于无愧。
”这三者是他评论诗歌创作的三个重要标准。
所谓情真,就是指诗歌中含蕴的不但是抽象的情,而是来自内心的真情。
这也是必然关涉到诗人必须具有正确、鲜明的思想认识,才不会在创作中“矫情”“虚饰”。
【味长】宋代诗论家张戒所提出的诗歌构成三种要素中的一种。
它是指诗歌中含蕴的思想感情,不但是“真”,而且具有一定的深度和复杂性。
读者需要经历一个反复体会的过程,才能完整的把握诗人的意念。
这里的“长”,并不是具体的度量,而是一种心理感受的深远程度。
【气胜】宋代诗论家张戒所提出的诗歌构成三要素的最后一个。
它是指诗歌创作中内含和外溢的气势。
这种气势决定于诗人的思想认识和对客观事物的体会的正确性和深广度。
只有能够正确的揭示主客观的事物的本质特征,才能具有这种气势。
否则,只有人为的空架子而已。
【诗家三昧】所谓“三昧”,原是佛经中用语,音译作“三摩地”等。
意思是排除一切忧烦,最终获得正果。
我们古代文论家,将这个词用到文艺批评上,特别是关于作者的艺术修养的造诣。
精通本门文艺规律的,就称之为得“诗家三昧”了。
【气象】宋代诗论学家严羽在《沧浪诗话》中提出的诗歌构成要素。
他说:
“诗之法有五:
曰体制,曰格力,曰气象,曰兴趣,曰音节。
”他所提出的“法”,是从“法度”着眼。
“气象”就是作品所具有的气势。
它决定于诗人所处时代的时代精神、风貌和诗人自身的气质以及倾注于作品的思想感情的深度。
他举出汉魏古诗是“气象混沌”,唐诗与宋诗的分界是“气象不同”,都是就时代宏观风貌评论。
【雅词】宋代词人张炎《词源?
杂论》中批评辛弃疾等豪放派词,“非雅词也”;
同时,他又认为柳永、周邦彦等的词,是“软媚”“靡曼”,也不是雅正之作。
他推崇姜夔词,“不惟清空,又且骚雅。
”所以说,他提出的“雅词”是对“婉约”派词的一个发展。
他主要是从诗教角度来论词,用风、雅来判评词作,既反对豪放派的粗犷(从内容到形式),又反对专门言情的“艳词”,开创“雅词”的新风。
【清空】宋代词人张炎在《词源》中说:
“词要清空,不要质实。
清空则古雅峭拔,质实则凝涩晦昧”。
他标举“清空”和“质实”这样相互对立的审美范畴,并不单纯是词的语言风格问题。
他在评论姜夔词时,对清空的特点比喻作“野云孤飞,去留无迹”。
这和严羽论姜夔词所提出的“羚羊挂角”是一脉相承的。
可见,他是就词的整体艺术特性着眼,特别着重于词的审美角度。
【质实】它是和“清空”相对立的审美范畴。
词论家显然不是在探讨词的内容有无以及多少、正确错误等问题,而是在于揭示诗人表达主观思想感受时的艺术能力问题。
这自然不单是语言问题,而是和诗人的秉赋、才能,修养等都有关系。
这方面修养差,必然造成作品的艺术因素的低下,不能给读者高度的美的享受。
这就是张炎提出的“质实”的关键所在。
【豪放】这是和“婉约”相对立的词风。
所谓“豪放”,词论家虽单从气象着眼,但根本上是在于词的思想内容的不同,是由于词人内心感情的激越所决定;
为了适应内容情感的需要,必然打破唐五代以来词风,另创音律,独辟艺术境地,形成“豪放”词风。
【婉约】[婉约]后人对宋词的流派,有各种分法。
明代张綖首先提出了“婉约”和“豪放”的两分法。
“词体大略有二,一婉约,一豪放。
盖词情蕴藉,气象恢宏之谓耳”。
后来徐镌也说:
“词体大约有二,大体婉约,一体豪放。
婉约者欲其词调蕴籍,豪放者欲其气象恢宏”。
这里,对于婉约和豪放两者的区分,看法是一致的。
所谓“婉约”是指“蕴藉”(不论“词情”“词调”)、也就是说,从思想内容、音乐节律到艺术手法乃至抒情的审美特性等等,到要达到含而不露,包括深层次的意念、情感、而不是直露、粗线的情感宣泻。
从唐五代以来,从“花间”遗风到南宋姜、张等,在这方面,越益进展,艺术上境界日益高妙,蕴藉之完美,至于极境。
【情寡词工】明代诗人李梦阳在《诗集自序》中提出的对于当时诗歌创作倾向的批评。
它主要是指出当时诗歌创作专门拟摹古代,没有思想感情,只在字句上刻意求工。
这样的创作态度和方法,是没有发展前途的。
【以筏喻诗】明代诗人何景明提出的诗歌创作的途径。
他主张,作诗开始要学古人成法,学到手就要舍成法而进行独创。
这正如乘符渡河一般。
这种主张,有着一定的积极意义。
但是,掌握“舍筏”的火候并不容易。
有些诗人终身无法摆脱前人的规范。
【诗有造物】明代论诗家谢榛在《四溟诗话》中提出的诗歌创作的方法。
“诗有造物,一句不工,则篇不纯,是造物不完也。
造物之妙,悟者得之”。
它是指诗歌创作时总要形成一个完整的客体。
这个客体既可以一字一句来看,但更主要是一个整体所表现的气势神韵,而要达到这个目的,那就要依靠诗人对客观事物的“悟”的能力。
【意随笔生】明代诗论家谢榛在《四溟诗话》中提出的一种诗歌创作的理论。
他认为优秀的诗歌创作是在诗人创作过程中,遂渐明确主题,形成格局,乃至完成全诗。
反对先立主意,构思谋篇,再下笔创作。
“意随笔生,不假布置”。
这种理论,在摆脱复古模拟的弊病,反对“主题先行”等方面有一定作用,但它与创作实际往往不符合。
有极大局限性。
【自然为上】明代诗论家谢榛在《四溟诗话》中提出的诗歌创作原则。
“自然妙者为上,精工者次之。
”它强调诗歌创作原则。
”它强调诗歌创作要天然自成,反对过份的雕琢加工,这和他所主张的“意随笔生”等观点相统一。
但是,艺术创作是一个艰苦的、独创性劳动,单纯一味主张“自然为上”,显然有着一定的片面性。
【情词易工】明代戏曲家何良俊在《四友斋丛说》中提出的理论。
他认为文艺作品中描写感情的语言,容易获得良好的效果。
这里是指两个方面。
从作家来说,抒发主观感情是切身之事,容易取得完善的表达语言、形式等;
从诗者角度看,抒写情感的语言,有强烈的感人力量,直接感应读者的感情。
【性灵】明代袁宏道提出的诗歌创作理论的中心观点。
他主张“独抒性灵”。
所谓“性灵”,是指个人在生活实践中,长期形成的本质特性。
它具有鲜明的主观性,但它也有着不可摆脱的社会、时代的因素。
明代诗论家,乃至清代标举“性灵说”的袁枚等,往往只着重于性灵的前一中特性,无视时代、社会的约束性,必然形成他们理论的片面性。
【真趣】明代袁宏道提出的诗歌创作理论。
这是从“性灵”说的基础上,阐发的一种论点。
他说道:
“夫趣,得之自然者深,得之学问者浅”,童年时代“不知有趣,然无往而非趣也”。
可见,他所说的“趣”是专指一种自然形成的感受,也只有这种趣,才是“真趣”。
诗歌中有了它,就能感动读者,给予心灵上的美的享受。
【家数】戏曲创作中的体制流派的特定名称。
首先是明代戏曲理论家王德骥在《曲律》中提出的。
他认为戏曲有“本色”和“文词”两家。
他虽比较推崇“本色”,但也指出两者各有利弊。
“纯用本色,易觉寂寥;
纯用文词,复伤雕镂。
”
【景语?
情语】清代诗论家王夫之提出的诗歌理论用语。
所谓景语,就是指诗歌中单纯描摹景色的诗句,情语,是指“以写景之心理言情”的诗句,亦就是“情”“景”交融的句子。
可见,“景语”是浅层次的,“情语”才是内外交融,饱含情感的诗句。
在这基础上构成名篇佳作。
【神韵】清代诗人、诗论家王士祯提出的诗歌理论用语。
它的中心思想是要求诗歌创作具有深邃的思想感情和蕴籍丰富的审美意义;
外在形式,却又是冲淡、超然的。
它主要是发展了司空图、严羽的理论,在诗歌创作的审美作用方面作了比较深入的探讨。
但是,文艺创作是由多种要素综合构成的,不能片面强调某一方面。
【格调】清代诗人沈德潜提出的诗歌创作现论。
它主要是强调诗歌创作中的“格”和“调”。
前者是指诗歌的格式,也就是表达思想、感情所必须具有的与之相适应的格局,决不是漫无格式、任意而为的;
后者强调诗歌的音律格调。
这种主张具有明显的形式主义倾向。
【肌理】清代诗论家翁方纲得出的诗歌创作理论。
这种主张既反对袁枚、王士祯的“性灵”“神韵”,也不满于沈德潜的“格调”,它主张诗歌创作必需惯彻“理”,“诗必研诸肌理”。
这里的“理”,既是指诗歌的思想内容的“道理”,也体理着创作规律的“文理”。
【诗眼?
词眼】这里指诗、词中的重要关节处。
有的评论家着重于一句中的某些关键词语;
有的则从整篇的布局、高潮等着眼。
清代刘熙载就是着重后一方面的论述,提出“通体之眼”的说法。
【妙在衬跌】清代评论家刘熙载在《艺概》中提出的诗词创作中的一种手法。
衬,是指衬托;
跌,是指跌宕变化,形成一个有机的多资的整体。
他指出诗词创作中必须具有层次和变化,形成一个有机的多姿的整体。
这样才能具有动人的艺术性。
【凭虚构象】清代评论家刘熙载提出的文艺创作中的一个重要理论。
他认为,凭实(客观事物)构象(艺术形象)是容易的,而凭虚(想象)的构象是比较困难的。
但是,凭实构象必然受到“实”的制约,只有凭虚才能具体有无穷尽的意境。
至于这里所说的“虚”,不是“虚幻”,而是取决于诗人的生活积累和想象力的水平的高下。
【有我?
无我】清代评论家王国维提出的诗词创作中的一个主要论点。
“有我”是指“以我观物,故物皆著我之色彩”,也就是说作者主观的感情,移到客观事物上,再由作者将这主客观形成的情感物、物因情迁,统一的形象表现在作品之中。
“无我”是指“以物观物,故不知何者为我,何者为物”。
这里实际上并不是真正的“无我”,而是指将“我”化成“物”,使之与相同一,表现在作品中,只有“物”而不含主观的感情了。
实际上它不能是“无我”的。
这种“物”“我”同一理论,最早可推溯到古代印度《奥义书》中的“梵”“我”一致的理论。
【物我无间】清代评论家刘熙载所提出的文艺创作理论。
“物”是指客观世界,“我”是指诗人的主观世界。
他认为这两者之间是有同一性的,“我”有可能完善的反映客观之物。
当两者统一时,就能创作出优秀的诗篇。
【隔与不隔】清代评论家王国维提出的判断境界优劣的标准。
不隔是好的境界。
不隔就是指客观世界和作者主观世界,乃至读者的精神感受这三者之间是相互贯通,相互观照、对应。
要做到一点,就需要真诚的认识和高明的技巧。
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