水彩风景画课程教案Word文档格式.docx

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七、作业安排：

本课程前后分三个学期授课：

1．第2学期安排以山、水、树、天空、地面、河流、农舍、建筑等不同课题风景写生作业36幅，其中记忆与默写作业6幅。

尺寸：

16开/8开。

课外作业，临摹名家作品9幅，80课时。

2．第4学期安排，以不同光线不同色调，不同课题风景写生作业36幅、尺寸：

16开/8开。

课外作业临摹名家作品9幅。

80课时。

3．第7学期安排不同技法表现，不同艺术追求风景写生练习36幅，尺寸：

80课时。

每学期安排创作风景一幅、尺寸：

4开/8开。

课外时间完成

八、教学过程

组织教学：

本课程为下乡写生课、组织学生集体进行写生。

复习旧知识：

针对要讲授的知识，复习以往新学到的知识进行学习，起到一种连接作用。

水彩【watercolor】一般称做水彩颜料。

透明度高，色彩重叠时，下面的颜色会透过来。

色彩鲜艳度不如彩色墨水，但着色较深，适合喜欢古雅色调的人。

即使长期保存也不易变色。

水粉【Gouache】又称广告色，是不透明水彩颜料。

可用于较厚的着色，大面积上色时也不会出现不均匀的现象。

虽然同属于不透明水彩颜料，但水粉一般要比丙烯便宜；

但在着色、颜色的数量以及保存等方面比丙烯稍逊一筹。

应根据不同用途选择性的使用。

按制作工艺水彩颜料一般有四种：

干水彩颜料片

湿水彩颜料片管装膏状水彩颜料瓶装液体水彩颜料

水彩画简史

水彩画，在人们的概念中，一直把它作为外来艺术。

由于在英国流传的时间较长，所以世界上总把英国作为水彩画的发源地。

据史载最早出现的英国水彩画，可追溯到16世纪后期，距今约四百年历史。

世界上最早的一幅水彩画是16世纪德国画家丢勒画的《一大块草皮》

但是人们又发现，欧洲文艺复兴时期，德国的画家丢勒（AlbrechtDUrer1471—1528），早在15世纪末和16世纪初就用水彩作画，他的一些色彩淡雅的小幅水彩画“一簇樱草”、“大草坪”等，至今仍不失为佳作。

而17世纪初期，荷兰的独立，给商业和文化带来了繁荣，为此，一些描绘荷兰景色的优美典雅的水彩画，在荷兰首都阿姆斯特丹市场上出现，深受人们的喜爱，当时荷兰的绘画成为世界美术行列中的高峰，并对英法等国产生了深远的影响。

水彩画能作为一个独立的画种，并在当时堪与油画抗衡并流传至今的，还是要算英国。

欧洲一些画家，都不像英国画家那样严肃认真地对待这门艺术形式。

英国水彩画家在经过长期的努力后，克服了某种歧视，才奠定了它应有的地位，享有盛誉的英国皇家艺术学会，也直到20世纪的1943年才吸收了第一位水彩画家为正式会员。

水彩画虽然在英国跻于较高的艺术领域，而其表现形式和颜料制作的发展是极为缓慢的。

事实上欧洲在中古时代的4世纪到文艺复兴时期就有了水彩画的雏形，那是指经本上每一章文字首个单词的第一个字母，贵族使用的一些手册，草药等植物的书籍等，都以手绘小插图装饰，这些在钢笔（鹅翎笔）底稿上，用清水浸颜料所作的画，画得很纤细。

后来为了使颜料加厚并粘附在纸上，进一步加鸡蛋清，加可溶的阿拉伯树胶，加蜂蜜和甘油等，又逐步制成糊状或块状颜料，从现制现调现画到稍能保存，这段历史经历了较为漫长的岁月。

英国在16世纪至18世纪后期的作品中，画家们虽已懂得在制作颜料时要加凝固剂，但这些物质调成的颜料作画容易变黄，所以当时很多画家常用一种颜色作画，或是黑色，或是偏淡的灰青、灰蓝色，他们先用钢笔（鹅翎笔）勾画很精致的线条，再在底稿上敷以深浅的单色，颇似建筑渲染图，所以这一段时期几乎可称为单色画时期。

随着历史的演变，到18世纪时，英国逐步上升为欧洲的主要资本主义国家。

工业、军事及科学技术的进步，促进了文化艺术的发展，英国水彩画在此形势下相应得以进展。

“地形画”的问世，无形中把水彩画的色彩技巧问题推进了一步。

有“水彩画之父”美称的保尔·

桑德比（PaulSandby1725—1809）在颜料制造和绘制技法方面，作了不断的尝试，他和他的哥哥托马斯·

桑德比（ThomasSandby1721—1798）都曾在伦敦军事制图部工作，先后担任军事观察机构和皇家地形景物的绘图员，在大量地形画的绘制中，对大自然进行了深入的观察研究，特别是对天空、草地、树木、岩石和建筑物等的描绘，显示了水彩画已能表现阳光和空气的能力。

当然，在他们的前后或当时，还有不少从事地形画的画家，但在内容上仅有记录性的特点，与欣赏性的水彩画不能混为一谈，而保尔·

桑德比才使色彩和水彩画的表现技巧展示了新的趋势。

18世纪后期，托马斯·

吉尔丁（ThomasGirtin1775—1802）等人的作品，在保尔·

桑德比所取成果的基础上继续努力，力图改革并摆脱过去固有的画法，逐渐从传统的偏冷色彩打底，改为暖色或相关色打底，或改变打底色的方法，分别用各种色彩将各种景物直接画在纸上，可以说，吉尔丁是真正摆脱单色画的第一个画家，虽然他仅活了二十七岁，但从他开始，英国水彩画的色彩改革已初具面貌，吉尔丁对其后的水彩画家的影响很大。

吉尔丁去世后，理查德·

波宁顿（RichardParkesBoninaton1802-1828）这位巨星的闪现，进一步奠定了英国水彩画的色彩基础，并使之趋向成熟。

他少年时期，随家移居巴黎，后与法国的浪漫主义大师德拉克罗瓦（Euaè

neDelacroix1798—1863）成为挚友。

又创造了在罗浮宫学习研究的条件，使他的风景画在法国被认为是一次作品的革命，所以他的水彩画成了法国水彩画的启蒙者，并多次在法国得奖，1827年重返英国时，还不太为人所知。

过度的勤奋，过早地结束了他的生命，病逝前才为祖国所公认。

他的作品《悬崖下》、《阿芒寺院》等的画法，已与一些现代的作品风格极为相似。

崖下（水彩）

[英]理查德·

帕克斯·

波宁顿

威廉·

透纳（JosephMallardWilliamTurner1775—1851），是西方美术

史上举足轻重的画家，他既以油画著称，又是英国水彩画史上的巨匠。

地形画和18世纪其他一些画家的作品，成了他艺术的起点，他对色彩的大胆尝试，使他在水彩画领域取得了革新的效果，他十四岁进入皇家美术院，二十七岁成为皇家美术院的院士，艺术道路比较顺畅，一生创作了大量水彩画和油画，并有很多以海景为题材的作品，临终时，留下大量水彩画和油画，这些作品都捐给了国家美术馆，是他留给自己祖国最珍贵的礼物。

与威廉·

透纳齐名的约翰·

康斯泰勃尔（JohnConstable1776-1837）也是西方美术史上的巨匠，也以油画和水彩画著称，一生以故乡风光为创作题材，但他仅把水彩画作为记录和研究自然的素材，生前并没有以一个水彩画家的身份受到重视，直到本世纪，才为人们所公认。

从总结和研究的角度而言，英国的水彩画在拥有波宁顿、透纳、康斯泰勃尔后，其色彩、技法和画风已日趋成熟，尤其在作品中就光对色彩所起的科学作用，个人画风的鲜明性，已明显地显示了出来。

当然，和他们同期或先后出现的一大批水彩画家，都对英国的水彩画史作出了巨大的贡献。

如：

约翰·

瓦利（JohnVauey1781—1873）的理论教学成就；

塞尔·

柯脱门（工ohnSellCatman1782-1842）带有装饰味又透明轻快的画风；

彼得·

特·

温特（PeterDewint1784-1849细腻又抒情的作品；

大卫·

柯克斯（DavidCOX1783-1859）粗犷而又耐人寻味的情趣等⋯⋯都是英国水彩画史上的先驱。

一直延续到20世纪，水彩画的特性及其面貌已为人们所熟悉，并在原有基础上进行了种种改革。

远在公元1271年时，意大利杰出的旅行家马可·

波罗（MarcoPolo1254-1324）已把西欧的工艺品和绘画传到中国。

随着宗教的传播，16世纪后期，意大利传教士利玛窦（MatteoRicci

1550-1610）来中国时，带来了一些水彩画的印刷品，18世纪初叶，意大利画家、耶稣会员郎世宁（GiuseppeCastiglione1688—1766）来到北京，常使用水彩画工具作画，使中西绘画技法熔为一炉；

之后，法国也派擅长水彩画的传教士蒋友亿来北京，而此前后，欧洲一些国家已有外交使团和商务团体来到中国，其中，英国水彩画家尤多。

可以说，西洋的水彩画形式传人中国，并在中国得以发展，约有百余年历史。

水彩绘具使用问答

Q:

什么是不透明水彩？

跟透明水彩有什么不同？

A:

所谓的不透明水彩，是指树胶水彩画颜料（Gouache）跟广告颜料。

一般指的“水彩颜料”都是指透明水彩。

至于两者有什么不同，简单地说，就是涂在别的颜色上面的时候，可以清楚的看见下面的颜色的，是指透明水彩。

可以将下面的颜色盖住的就是不透明水彩。

如何才能调出很好的颜色？

正统的方式都是在调色盘上混合。

也许大家会认为我在说废话,但是

要诀是,大家可以参考水彩盒内颜料管的排列方式,在调色盘上由暖色系向

冷色系的顺序排列,就像演色环一样排列颜制的彩度。

因为透明水彩干掉了还是可以用,所以当调色盘上的颜色排好后,你就可以轻松地决定颜色了。

还有另一个方式，就是透明水彩可以在纸上重复上色混色。

自淡色亮色到浓色暗色的顺序重叠,效果比较好。

如何上色,才能正确混色就将渐层画好呢?

水彩可以因为加水量的不同,而有各种的变化。

在颜制还没干之前加水，或涂在加了很多水的其它色颜料上,就可以混色。

不过混色的感觉会因为纸质跟水量的影响而有所不同。

即使经验再丰富的人,偶尔还是会出错。

至于要画渐层的感觉，就要趁颜料还没干的时候,将浓色到薄色的边界线一

点一点地重复上色,因为透明水彩是用“水”调整颜色的浓淡,所以大家可以一点一点地加水画出淡色。

至于不透明水彩,则是用白色颜料来调浓淡,所以要事先将原来的颜色加白色颜料在调色盘上调好浓淡不同的颜色,然后再依序上色。

怎么样涂,才能将一大片背景颜色涂得很均匀？

若是涂像天空那种大面积的平面图时，首先要调出足够的颜料。

要是涂到一半颜料不够用再补充颜料的话，颜色恐怕会不一样。

接着是为了预防涂到一半颜料中断,最好用毛质柔软的水彩笔沾足颜料一口气涂好。

大家

也可以事先在纸上先涂一层水。

上色的时候，可以用制图胶带将纸贴在画板上，让纸稍微倾斜一点比较容易涂得均匀。

要是不想留下笔触的话，大家

可以利用海绵。

沾湿的海绵可以将颜色涂的很均匀

水彩纸的种类有哪些呢?

要是用吸水性不好的纸,对水彩的效果很难发挥。

尤其是透明的水彩会看到纸的颜色所以一定要慎选纸的颜色跟质料。

为了能够充分表现水彩的特色而特别制造的纸就是水彩纸。

颜色，有蛋白色跟稍微白一点的颜色。

至于纸张表面,以光滑无纹到细纹的都有。

水彩：

水彩的最大好处是便宜，当然我说的是国内的品牌。

上海产的马利牌水彩颜料是笔者使用到现在比较出色的一种，而且16色的价格绝对不超过15元哦。

在我们的例稿中，你可以发现水彩使用得法的话一样是非常不错的，信奉便宜有好货的的朋友就用这种吧。

至于水彩的用法，我想所有上过小学美术课的朋友都知道拉，关键是熟练而已。

要注意的事项当然还是有的要准备一支小吸管（买不到

的话就问化学老师讨一支吧），这样，取水稀释颜料时就不会使两种色彩混淆一起，保持颜色的纯度；

另外，水彩的一大好处是可以渲染，那就要切记使用厚一点的纸张（市面上卖的原稿纸就可以了）：

由于水彩是透明的颜料，也就是说，万一出了差错是盖不住的，所以一定要步步小心才行。

至于通常所说的上色要由浅入深，我到认为不必默受陈规，由深入浅也会有不同的效果哦，试试就晓得了。

水彩画的基本技法

1、干画法和湿画法干画法是一种多层画法。

用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。

表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。

干画法可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。

层涂：

即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。

在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。

层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。

罩色:

实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。

某一块色过暖，罩一层冷色改变其冷暖性质。

所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。

在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此法。

接色：

干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。

这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。

枯笔：

笔头水少色多，运笔容易出现飞白；

用水比较饱满在粗纹纸上快画，也会产生飞白。

表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。

干画法不能只在“干”字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。

湿画法可分湿的重叠和湿的接色两种。

湿的重叠：

将画纸浸湿或部分刷湿，末干时着色和着色末干时重叠颜色。

水分，时间掌握得当，效果自然而圆润。

表现雨雾气氛、湿润水汪的情趣是其特长，为某些画种所不及。

湿的接色：

邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。

接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。

画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。

2、水分的掌握水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。

水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。

充分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。

掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。

时间问题：

进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。

一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。

如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。

空气的干湿度:

画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。

在这种情况下，作画用水宜少；

在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。

画纸的吸水程度：

要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。

另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜；

描写局部和细节用水适当减少。

3、“留空”的方法

与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空”的方法。

一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。

水彩颜料的透明特性决定了这一作画技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。

在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空”的技法。

恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力；

相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。

着色之前把要留空之处用铅笔轻轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。

另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。

有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。

空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。

在实践中反复练习，就会熟能生巧。

即得用特殊的工具材料和手段，造成特殊的效果。

水彩画的特殊技法

刀刮法：

用一般削铅笔的小刀在着色的先后刮划，是破坏纸面而造成特殊效果的一种方法。

着色之前先在画纸上用小刀或轻或重、或宽或窄地刮毛，以破坏部分纸面，着色之后出现较周围颜色重一点的形象。

这是因刮毛之处吸色能力强，所以变重了些。

它表现虚远的模糊形象或隐约可辨的细节效果较好。

着色过程中进行刀刮，水多时会产生重的刀痕，水少时浮色被刮掉又会产生较亮的刀痕，处理有关细节可用此法。

另外在颜色完全干透之后，用刀刮出白纸，或轻巧断续地刮，以表现逆光时的亮线、亮点或较小的亮面、闪动的光点和冬天飘落的雪花等，虚虚实实，自然有趣。

蜡笔法：

用蜡笔或油画棒，着色前涂在有关部分。

着色时尽可大胆运笔，涂蜡之处自然空出。

用以描绘稀疏的树叶、夜晚的灯光、繁杂的人群等都比较得力，可以收到事半功倍的效果。

吸洗法：

使用吸水纸（过滤纸或生宣纸）趁着色末干吸去颜色。

根据效果需要，吸的轻重、大小可灵活掌握，也可吸去颜色之后再敷淡彩。

用海绵或挤去水分的画笔吸洗画面某些部分，也别具味道，有异曲同工之妙。

喷水法：

有时在毛毛细雨的天气下画风景写生，画面颜色被细雨淋湿，出现一种天趣，引人入胜。

有时在着色前先喷水，有时在颜色末干时喷水。

喷水壶要选用喷射雾状的才好，水点过大容易破坏画面效果。

撒盐法：

颜色末干时撒上细盐粒，干后出现象雪花般的肌理趣味。

撒盐时，应视画面的干湿程度，过晚会失去作用。

盐粒在画面上要撒得疏密有致随便乱撒，会前功尽弃。

对印法：

在玻璃板或有塑料涂面的光滑纸上，先画出大体颜色，然后把画纸覆上，象印木刻一样，画面

粘印出优美的纹理，颇得天趣。

此种效果用细纹水彩纸容易见效，以对印为主，

稍作加工即可成为一幅耐人寻味的水彩画。

有的局部使用对印方法，大部分仍然靠画笔完全。

油渍法：

水与油不易溶合，利用这一特性，着色时蘸一点松节油，会出现斑烂的油渍效果，使平凡的色块增加变化，也是颇具天趣的。

讲授新课程：

以下是课程的主要内容

第一节：

取景、构图和景物的选择

1、选景、大自然是美的。

但也并不什么地方都可以入画，都能引起人们的美感，正是由于客观的大千世界、广阔而庞杂，如像金沙、混杂一样，我们必需经过筛选和淘洗，选景的过程就是观察和比较的过程。

一般来说，选景要注重选择近、中、远层次分明，黑、白、灰调色较为明显，主体物较突出，富于节奏感，色调倾向较为明显的景色。

对于初学者来说，要根据自己的能力、时间以及练习的目的来选景，不要贪多求全。

如地面景物很好，就选画地面景物为主，少画一些天空；

如果天空云朵优美动人，也可以描绘天空，少画地面。

即使是选择景物一角，只要表现自然生动而富有情趣，同样也能给人美的感染。

选景可以从以下几点来考虑。

1从学生自身审美角度去选取景物

2从逆光、侧光、正面光等不同光线和阴天、晴天、一年一晚，及各种气侯多变的条件下选景。

3在取景时预先估计到构图均衡统一的问题。

4在表现景物深远的空间感方面，取景时宜适当选择近、中、远三景的画面。

5取景着眼于对比关系是十分重要的，画面上的明与暗、疏与密、动与静、冷与暖、虚与实、软与硬、高与低、远与近、强与弱等都属于对比范围。

6取景还需选择较好或较典型的角度去描绘。

风景写生开始阶段很重要，选景时，首先熟悉周围环境，最好在指导教师的安排下选景，免得提一大堆画具到处转。

2、构图

构图问题，涉及到画者的美学思想和艺术修养，反映其概括取舍和组织画面

的能力，是风景写生成败的重要因素

风景画构图主要是取与舍和画面均衡关系，主题要明确。

主题一般放置在画面的中心位置和透视线交汇处。

透视线和地平线的高低，对一幅画主要是描绘什么起很大的作用。

大面积的天空容易产生空间感，使人感到天高云淡、心情舒畅。

略带俯视的构图是西方风景画常用的手法，这样的构图以中远景为主，而抬高地平线，这样景物充实、生活环境反映上体实在。

下面几个构图要点在实践练习中要把握好。

1构图要突出重点，不要在构图时企图把看到的一切罗列到画面上来。

这样会使主题不突出、零散、吃力不讨好，由于画面东西太多而画不完，显得粗糙、呆板。

2作建筑风景画时一定要在画初稿时注意透视的准确。

待上了颜色之后，再修改就困难了。

首先是要确定画面上的地平线位置，倘若你想省略掉地面上的一些东西就把地平线放低些；

要省去天空部分就把地平线放高些。

确定地平线后，建筑物所有主要部位都要根据透视规律，尽可能画得选型准确。

3在构图时还可以根据需要做一些取舍。

首先要突出主体、同时有些破坏画面效果的细节可以删去，有些主要配景上的物体（如树、山等），也可以根据需要移动位置。

在写生中，学习时多画些小素描和小色彩稿练习。

构图的最高要求为简洁、生动、画面均衡、突出主题。

第二节：

风景画的写生特点

1、概念：

以自然景物（包括建筑）为描绘的对像的绘画。

2、风景画的主要艺术特点是：

研究气氛、情调和意境。

气氛：

指一幅画应具备一定的季节、时间、气侯、地域的光线特点和合乎情理的自然组合规律。

情调：

是指富有浓郁的生活气息和时代感表达出一种具有感染力的情绪。

意境：

对于风景画来说，是审美的更高层次，“以情写景，情景交融”