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绘画艺术语言表现出了笔墨无尽的情味。
我们经过汲取古人的绘画
经验,归纳出新的知识点,去学习、实践。
进而提高我们的审盛情
识及着手能力。
二、经过大师感觉笔墨
笔墨是中国画的基本构成,掌握好笔墨的运用是最重点的,如何用
笔用墨作为初学者来说是很重要的,所以老师要求我们从起步就要
正确学习笔墨的运用,不可以落入俗套。
所以,刚学画画,我们主要
以摹仿效仿先人佳作为主,学习先人的用笔用墨。
我很喜爱吴昌硕
郑板桥的笔墨,他们是中国画坛的巨匠,对中国画的发展影响很大,
所以对他们的画法也进行了一些学习,有一点自己的领会。
(一)笔法的领会
吴昌硕作画来自于石鼓文,他曾说过“且凭篆籀笔,落墨颇草
草。
”[1]他的画风带有很显然的石鼓气味,他是用石鼓文的笔势来作
画的,这第一让我感觉学好书法对自己作画是大有帮助的,元人赵
孟頫所说:
“石如飞白木如籀,写竹还应八分通。
若也有人能会此,
应知书画原来同”,[2]所谓书画同源此时才有真实的领会。
吴昌硕的
艺术,是从篆刻开始,因为长久的磨炼,他的腕力功夫获得了锻炼,
这类功力在他的用笔之中获得了充足的发挥,笔力是靠腕力表达出
来的,手段功夫不好很难表现出有重量的线条,这在作画过程中是
、
有感觉的,长时间不练笔,就觉的画出的线会发抖,没有重量感,吴昌硕的用笔有“钝刀硬入”之语,就像他的篆刻,腕部力量很大,几乎要把笔用秃,这类笔法有种开张拓展的笔意。
吴昌硕善于画花卉蔬果,都是他家乡常有的画材,表达着他对家乡的深爱之情,他画的画充满了很浓的金石气味,仿佛也像是一幅篆刻作品,很有大气感,即便是画一幅小的作品也气概非凡。
所以,我感觉感情和运笔是相互联系的,用笔的力度表现出感情的变化,假如对事物没有足够的感情,不过靠刻板的描摹和无心的挥洒是表现不失事物的
而
本质的,所以一定在平常多练习,多专心领会,才能内行笔上运出
拥有强鼎力感的线。
(二)墨法的领会
墨和线对比而言,线条主假如勾画轮廓,来表现物象的形体,墨不单能够造形,更能表现出物象的质感、起伏等。
笔墨不单能达到舒畅淋漓,气吞河山的艺术成效,最重要的是用墨能够创造出独到的
氛围,表现人的心理感觉。
比如郑板桥画的《墨竹图》,[3]是他的一幅构想奇妙的作品,画面主要描述竹竿和竹节,而竹叶只画了几片,
墨色的描述浓浓淡淡,干湿吞并,恰到利处。
笔墨变化丰富生动,竹子画的固然细但丝毫感觉不出轻微,而是坚韧挺秀,富裕弹性,很有力度。
画中将竹叶画的很肥,翠绿感实足,令人能充足感觉到竹的劲节,画面神完气足,神彩俱佳,充足发挥了中国画笔、墨、纸、水的功能和作用,使整个画面富裕情致,有傲然矗立,咄咄逼人的气概。
郑板桥之所以有这类创作领会,既来自于他数十年创作实践心得,也与他对传统名家认真推测学习有关。
这和画家崇高的
涵养,人格和看法息息有关。
郑板桥自称“四时不谢之兰,百节长青之竹,万古不变之石,千秋不变之人”,[4]从中能够看出他坚韧倔强的品性。
可见墨法的运用除了扎实的基本功以外和作者的涵养是亲密联系的。
(三)气韵的领会
先人作画很侧重画面气韵的表现,老师也曾说过我们画画是要画出空气,让人看了画感觉空气在流动,给人以舒畅的感觉,但空气是看不见的,如何让他人在画中感觉到这类气的存在是一幅画成功与
否的重点。
吴昌硕作画从前,心中已经有这类“气”存在了,等到画的时候,则能一呵而就。
他用气推进笔,落笔勇敢必定,能够掌握
全局,做到胸中有数。
等画马上达成时,他便开始调整,勇敢落笔,当心整理。
他对整幅画布局的安排很到位,特别是对气的掌握,通
过诗书画印的安排使整幅画活起来,气韵实足。
比如他暮年做的一幅作品《葫芦图轴》,在写意花鸟课上我也摹仿过,这幅画泼墨大叶草隶悬藤,满幅金黄色大葫芦次序而生,有些地方密不漏风,有些地方却很松散,信笔自如,气概旺盛。
画的左下面有一行题款,左下角有一印,右上角再盖一个小印,这个印固然小但相当重要,关乎整个气局。
右上和左下相互辉映,左上角和右下角则空白,对角气贯全幅,全局皆活。
吴昌硕这类独到的构想,诗书画印的奇妙安排将中国画的气味发挥的酣畅淋漓。
这是我们在作画中应当学习的地方,
在作画从前第一要有一个好的态度,而后要对所作之画有全局的意识,掌握好整幅画的构图,诗书画印的安排都要预先想好,需要别出心裁地去想去思索,不可以敷衍了事。
三、笔墨写生感觉
经过学习大师的画让我深有感想,第一他们对中国画的热忱是无可比的,我从大篇二:
中国画学习心得领会
中国画作品赏识学习心得
中国画是植根中华民族土壤中的艺术,但是真实能看懂中国画的人
还不是好多。
我正是带着一种对中国画的好奇与探究心选择了“中国画作品赏识与基本技法”这门课。
在老师的指导下,我们赏析了很多优异的中国画作品,还学会了画工笔划,水墨画,写意牡丹等。
虽
谈不上对中国传统文化精华有了认识,但也在老师的熏陶下对中国画有了一些浅显的认识、领会。
我理解了赏析一幅中国画,要赏析它的境界与境地,只有为观者创造出一种境界的作品才是一幅好画。
如“行到水穷处,坐看云起时”,含有无量的神韵在此中,这才有诗意。
画也要这样,含不尽之意于画外,这叫画意,这就是境界境地。
先人说“人格不高,落笔没法”。
这个说法我也很赞成。
比方说一个人假如没有什么心胸,画就谈不上有什么境界气韵,假如一个人特别侧重自己的气质涵养,那么他的笔墨之间必定会少几分浮华,多了几分真美。
中国画按其使用资料和表现方法,可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等;
按其题材又有人物画、山川画、花鸟画等。
中国画画幅形式较为多样,横向睁开的有长卷、横披,纵向睁开的有条幅、中堂,盈尺大小的有册页、斗方,画在扇面上边的有折扇、团扇等。
国画在古代一般称之为丹青,主要指的是画在绢、纸上并加以装裱
的卷轴画。
中国画历史悠久,远在2000多年前的战国期间就出现了
画在丝织品上的绘画——帛画,这从前又有原始岩画和彩陶画。
两汉和魏晋南北朝期间,社会由稳固一致到分裂的急巨变化,绘画形成以宗教绘画为主的场面,山川画、花鸟画亦在此时萌芽。
隋唐期间社会高度繁华,绘画也随之表现出全面繁华的场面。
山川画、花鸟画已发展成熟,宗教画达到了巅峰,并出现了世俗化偏向。
元、明、清三代水墨山川和写意花鸟获得突出发展,文人画成为中国画
的主流,但其末流则走向因袭模拟。
中国画自19世纪末此后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观点19世纪此后,在政治、经济
中心城市,汇聚了一大量画家,以上海为张大千等人;
以北京为中心的北方画家群,如齐白石,以广州为中心的岭南画家群,如黄君璧等人。
总之,学了这门课,我得益匪浅,既陶冶了情操,又学习了新知识。
1篇三:
感觉中国画的笔墨00
笔墨是中国画的基本构成,它传承了中华民族数千年的文化精神。
本文经过我对中国画的学习和理解,从我从事教课工作后教授这些儿童学习国画,从对用笔用墨以及写生感觉等方面的认识领会,感觉中国画的独到的艺术魅力。
刚开始学习中国画我对它并无什么观点,不过被众多出色的作品所吸引,感觉笔、墨、水联合会产生很美的境界,感觉特别的奇特。
最先学习国画对笔墨的用法掌握不好,记得我的国画老师总会想出好多方式激发我们的学习兴趣,比方先让大家在生宣纸上用笔任意转动,使用点线面相互叠加浸透,自由发挥,感觉一下笔墨浓浓淡淡的变化,轻松地表现出几种不一样的造型,把大家引入奇妙的联想中间。
同学们都对这类无声的语言有很大的兴趣,用尽心思去表达自己心里的想法,这类感觉是很美好的。
教室悄悄无声,只实用笔
尽兴挥洒的声音。
而此刻我也站在讲台上教给学生学习国画,我也
尽量用风趣生动的方法让他们感觉国画的魅力。
有感觉的,
长时间不练笔,就觉的画出的线会发抖,没有重量感,吴昌硕的用
笔有“钝刀硬入”之语,就像他的篆刻,腕部力量很大,几乎要把笔
用秃,这类笔法有种开张拓展的笔意。
吴昌硕善于画花卉蔬果,都
是他家乡常有的画材,表达着他对家乡的深爱之情,而他画的画充
满了很浓的金石气味,仿佛也像是一幅篆刻作品,很有大气感,即便是画一幅小的作品也气概非凡。
所以,我感觉感情和运笔是相互联系的,用笔的力度表现出感情的变化,假如对事物没有足够
的感情,不过靠刻板的描摹和无心的挥洒是表现不失事物的本质的,所以一定在平常多练习,多专心领会,才能内行笔上运出拥有强鼎力感的线。
可见墨法的运用除了扎实的基本功以外和作者的涵养是密
切联系的。
他对整幅画布局的安排很到位,特别是对气的掌握,经过诗书画印的安排使整幅画活起来,气韵实足。
这是我们在作画中应当学习的地方,在作画从前第一要有一个好的态度,而后要对所作之画有全局的意识,掌握好整幅画的构图,诗书画印的安排都要预先想好,需要别出心裁地去想去思索,不可以敷衍了事。
【篇二:
国画山川的教课领会;
4400】
国画山川的教课领会
中国水墨画积厚流光,经过几千年的积淀和积累,从被世界绘画届嘲讽到此刻愈来愈遇到国际拍卖行的喜爱,国画分为山川、人物和花鸟,是我国最重要的国粹之一,是前辈们留下的难得财产和文化传承。
本文侧重介绍此中的山川画的教课方法,在学生的摹仿、实践和创作中剖析新的和领会,让学生与老师都能相互心中互有同样,用眼去察看,从心去感觉,以画来领会。
有益于学生对国画山川的领会和理解,便于老师培育学生的审美和潜能,培育更多国画山川的人材和大师。
国画;
山川画;
教课方法;
心得领会
国画中留下了许很多多大家、名家的山川画作品,这些都是我国文化遗产的珍宝,但这些大师多数已经作古,但是他们为后代留下的文化精神和传统技法倒是难得的非物质文化遗产,堪称国画山川的根源。
在国画山川的教课中,集成和弘扬民族艺术,传承优异技艺,面向全国以致世界是老师的责任。
教课应与创作实践相联合,要修业生在娴熟掌握传统绘画技巧和文化知识时,理解绘画中的传统底蕴和时代精神,顺序渐进才能厚积薄发。
但教课中不可以忽略学生的创新能力和诉求,文化创新是国画的进步的表现,也是社会文明层次的提高。
1.国画山川的历史与发展
国画山川自魏晋南北朝期间已逐渐雏形,但更多的是作为人物画的背景衬托,而至隋唐开始逐渐遇到重视,以山川自然风景为主体,采纳水墨和泼墨的技法绘制。
到了五代、北宋各名家层见迭出,且形成百花怒放的鼎盛。
传统的山川形式包含水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩。
在唐代常常以画邦交,至此山川画已经特别成熟。
山川画与人物、花鸟不一样,更多的讲究地点空间和境界表达,可大气澎湃、可浑朴有力、亦可秀美华美,山川画中彰显出我中华民族的地大物博微风土人情。
而到了元代明朝,跟着经济和国力的走下坡路,山川画也逐渐遇到冷淡,再没有大提高。
2.对照中国山川画与西洋风景画
中国山川画与西洋风景画从字面上就能够分出二者的本质差别,是
起源于东西方两个世界,而从技法上的差别更为显然。
西洋画主要以油画、版画、水粉、水彩和工艺美术画为分类,其风景画更侧重几何形状的比率关系和立体透视的层次,在绘画中常常浓墨重彩,
利用光影的联合使画更靠近于照片的传神成效。
在绘画工具上以油布绘画纸和纷纷复杂的油彩和涂料加以组合。
而山川画一般只有两种形式:
工笔划与写意画。
工笔划重申线条的精确和搭配,利用仔细入微的笔法,加上谨慎耐心的态度来描述光景。
要求一呵而就,每一笔都丝丝入扣,没有剩余也没有遗憾。
生动传神的再现山川河流、花草树木。
工笔划对工具的选择十分讲究,要使用仔细的绢布、熟宣,加上不一样尺寸的狼毫、羊毫,画作生动形象,精美非常。
而写意画更侧重的是感觉,是西洋画师最没法感觉到的气韵微风采,简单几笔就能勾绘出自然风光,或是云雾缭绕,或是青山烟雨,或是川前瀑布,或是深山峡谷,堪称能洇能湿,收发自如。
这类表现都要归功于生宣的属性,再加上不一样大小尺寸的毛笔,只用一种墨色也能让层次了如指掌,这也是写意二字的本义。
3.山川画的绘画技巧
山川画作为国画中的一个分支,固然有着自己独立的技巧和方法,
但是山川画仍是从花鸟人物中衍生出来的,其技法之间有同样,都能够相互借鉴和创新。
自然第一一定在教课中让学生认清差别,而后加以侧重练习,等技法娴熟后才可试试。
国画中对毛笔的使用是其最基础的部分,握笔如做人,笔的力度和方向掌握不好,是不行能画好一幅画的。
此刻专家较为广泛的用笔技巧被称为骨法用笔,骨法用笔勾画的线条坚固有力、棱角分明,并且在层次和布局时能够正确适合,整个画面整齐、清楚,是最重要的技法;
而中锋和侧锋的技巧是利用笔锋和笔腹在纸上绘画,前者垂直于纸面,后者横握而执,利用毛笔与纸的不一样角度,笔尖于纸的离合,让线条游走在画面之中,多在山石的画法中使用;
藏锋与露锋是把笔触的印迹隐蔽和裸露来表现物体不一样的质感的画法,让赏识着在若有若无的笔法中,自己去领会山川的若近若离;
顺锋和逆锋从书法的角度来解说更为简单理解,在写字时常常使用提和勾的动作,一般来说依据习惯动作方向就为顺,反之就为逆,所以顺锋多表现光滑流利的笔法,而逆锋所表达的物体以粗拙和突兀为宜。
在表达形式上还有更多的高深,固然不常用,但也是老师教课中需要提点的,这里不加以赘述,主要有转折、提按、拖笔、战笔、枯
笔、飞白、尖锋丝法与散锋丝法等多种形式。
山川画中绘制时常常点睛几笔更会让作品出彩和生动,大师常用几种方法来达成:
勾描、皱法、擦法、点法、染法。
所谓画龙点睛之笔,更是为创作加分添
彩。
勾描也就是的是线条勾画,在素描中也常能用到,在虚化的轮廓和侧重地点用更深笔墨来勾描,让所化光景更为突出和立体;
皱
法是在轮廓里和空白之处,运用填补的方式,表现?
物象的大小、纹理和质感,多用于山川画面的褶皱,使画面更为立体和灵巧,增强
距离感;
点是水墨画最常用的笔法,可大认为山,也可小认为籽,不一样力度、角度、方向、大小、形状、颜色的点,会让整幅作品丰满和生动起来,一般在绘画快要达成时,作为最后一道扫尾工序;
染法就是着色,染的过程显现的是画作的整体成效,画作能否能达到要求,等染法达成后便了如指掌,染的过程要做到莫不欺笔、色不盖墨,能够频频上几遍的染,利用干染和湿染的不一样成效下,层层分明,到处奇妙。
只有娴熟掌握各样不一样的技巧和笔法,才能在创作时胸中有数,下笔如神,这需要平常的频频练习和领会。
4.开发学生自主创新能力
寓情于景、身临其境、从心出发是国画山川的精神层面理解,无论
是从赏识仍是绘画时,都要保持这类心境,才能把形似转变为意似。
需要的是学生坚固的基础,更需要学生对山川的透辟理解,加上自己的创作能力和发挥。
这个过程需要一段很长的时间的磨炼,详细能够采纳以下几个方式:
4.1赏识大师的作品,理解和认识传统技巧和作品,做到了然于胸。
在平常的讲堂或许课外练习时,有步骤、有针对的让学生摹仿大师的作品,运用多个不一样的技巧分别创作,并且系统的解说和分享经验。
让学生叙述作品创作的过程,碰到的难点和重点。
而对于有自己风格特点的学生来说,介绍和描述自己作品的出发点和手法技巧,会提高其自信心的成立,提高创作热忱和兴趣。
风格、特点的形成过程,变化阶段,理解和感悟能力都会在不停的沟通中相互提高。
教师和其余学生在这过程中的议论和建议,会让学生加深对大师技巧的进一步理解,促进其更深刻的去研究和探究,即便出现新的问题时也能够独立的思虑和实践。
有益于学生宽阔新思想,拓宽想象空间,进而不停的启迪学生的创新意识,逐渐形成自己的认知,达到理论、实践、理论的良性循环。
4.2留给学生更多的自己创作实践和空间,增强学生的自信心。
山川画与其余的国画不一样,它使对风景的描述,表达的是大山大河的雄伟与汹涌,与人物花鸟绘画需要对事物察看入微不一样,更需要学生去理解那份感染力,面对优美广阔的风景,心境自但是然的会更爽朗和放松,这份心情假如能够透辟的融入此中,作品必定不会
缺少内容。
学生在饱览祖国河山的同时,自己找到赏识的地点和角度,自己选择题材和技法,把漂亮的部分画在纸上,对学生的察看能力和洞察力的感悟能力有着不行言喻的提高。
同时这个创作过程对学生的自己涵养也是一种历练,能够在同一时间不一样的角度对同一环境进行绘画,也能够在不一样时间对同一地址进行绘画,再进行对照和剖析,让学生对山川国画有更好的总结和判断能力,不停的稳固和增强综合的能力水平。
4.3学生的自我个性感情觉适合的注入画作,带有感情的创作和下笔,让作品自己说话。
每个学生都有自己的个性,能够张扬,能够洒脱,也能够委宛和静雅,常常会在作品中表现,但山川绘画的主题也有自己的内容形式,加上笔法技巧,假如学生能够收放自如,既与大自然的巧夺天工浑然天成,更能抓住作品的灵魂。
我们在剖析古代大师的作品时,常常会说出大师的下笔习惯和画作的特点,交代大师的性格和背景,正是因为这样,山川与人性之间都存在的共同寄望就在这张纸上。
感情是虚无的,对所看到的风景的理解也是虚无的,要让其余人也能感觉到这些不可以用语言和文字确实表达的东西。
学会理解和体悟作品自己,以笔代嘴,以画为心,情形合一,才能涉及到艺术的巅峰,进入国画山川的真实境地。
5.国画山川的创作不可以刻板,不可以一致议论标准
中国国画最大的特点是不追求一味的“像”这个观点,更多的是一种
理解,以及对气的感觉,有着独到的艺术风格。
假如以“像”或许“不像”来评判作品,那么国画山川好多是不切合要求的。
学生对作品之
侧重表现手法和技巧的话,常常会让作品逗留在直白无味的复制阶段,要在山川画中做到传神,在画面选择和收集时就已经能够掌握住气的观点
真实的显现作品,这是中国画中最中心的意义。
所以,教课过程让学生能够理解这类“不像”的气是一个难点,也是一个打破点。
学生在学习国画山川时,是要把自然风光用主观意识的理解进行实体转变的过程,与油画和素描的再现不一样,不可以光光追求仔细的比率和构造,不单是水墨画没法做到这一点,并且对这个作品也是一种强求。
山川画应当挣脱这类对详细事物做到栩栩如生的复制,而只要切合自然规律和法例,作品更多的要去表达山的势气、水的灵巧、树的沧桑、云的缥缈。
只有对大师作品增强研究和剖析,精心设计和构想,做到心与神的一致,才能不让作品平庸无奇,吞没于
大众的集市之中。
适量的夸张和想象也是对作品的再加工,细节的
合理想象会让一幅静默的山谷增添生气,比方山谷中的几笔鸟儿会
让矗立的山川突显雄伟的空间,潺潺溪流中的石头会让喧杂中带有
一丝沉静,古松下的行人会使得画面多几分平和。
不用真的看到什
么就画出来,也不用没有就不画,掌握所画物质的特征和本质,会
更好的抓住其要领,不行被“像与不像”所连累而束手束脚,敢于创
作是自信心最好的解说。
不要太甚于在乎其余人的理解和议论,但
也不可以故意的去多此一举,俗语说画虎不行反类犬,所以掌握好分
寸和尺度也是需要更为深入的学习。
6.结束语
综上所述,国画山川对学生的基础能力、知识构造、笔法技巧、身
心涵养、个性表达以及创新能力的综合追求。
并且每一步都是需要长时间的积累和实践才能做好,这此中的努力和练习只有在自己能领会获得。
即便是富裕艺术天分的学生,在任何环节中粗心粗心都可能会半途而废。
而老师、学校以致整个社会,也一定要成立起完美的艺术系统,来帮助学生更好的学习理论知识和技巧,在供给基础教育的同时,增添有关历史的认识和赏识,让学生贮备能量后显现自己的才能。
参照文件:
[1]杨浩峰.用国画山川写生实践教课剖析的方法开发学生笔墨创新潜能研究[j]鸡西大学学报.2011,3(3):
19-20.
[2]杨宇新.国画山川的教课领会[j]教育战线.2011:
138
[3]方靓.笔墨写生及道脉回溯——“潘天寿与中国画写生”学术会谈会辑论[j]
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