美术毕业论文范文大全Word文档格式.docx

美术毕业论文范文大全Word文档格式.docx

《美术毕业论文范文大全Word文档格式.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《美术毕业论文范文大全Word文档格式.docx（13页珍藏版）》请在冰豆网上搜索。

有人会问：

蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？

画中人究竟是银行家乔.贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？

此画确有真人模特，还是凭想象画成？

画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？

画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？

蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？

难道不是面部麻痹症造成？

蒙娜丽莎到底是男是女？

其原型是否就是达.芬奇本人？

问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。

其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。

蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？

任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。

有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。

试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？

如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？

无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；

或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。

对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。

面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。

蒙娜丽莎表情是僵化的吗？

瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。

微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。

至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。

人们惊叹达.芬奇卓越的绘画技巧：

画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。

倘若没有真实人物作参照，达.芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。

有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？

为什么今人就摹仿不出？

其实这样的问题很好解答。

我们了解了达.芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。

既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·

芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。

从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。

我们可以理解蒙娜丽莎为达.芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。

有人通过电脑技术将达.芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。

其实这是吹毛求疵。

相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；

然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；

更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；

这点想来达.芬奇也不会例外。

说到这些，其余的问题也就无须解释了。

如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。

驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。

作为世界美术史上最具知名度的一件。

美术毕业论文火急

这有一篇，，，，浅析工业设计专业的美术教学【论文摘要】文章论述了如何通过美术教学加强美术技能训练，增强学生的创造性思维训练，开发工业设计专业学生的智能，提高审美和绘画能力，为他们今后进行产品设计打下良好基础。

工业设计是一门发展迅速的新兴学科，隶属于艺术设计学。

它将科学与艺术相结合，其核心是对工业产品的功能、材料、构造、形态、色彩、表面处理、装饰等要素从社会的、经济的、技术的、审美的角度进行综合处理。

既要符合人们对产品物质功能的要求，又要满足人们审美情趣的需要，还要考虑经济等方面的因素。

工业设计的这些特性，就要求工业设计人员应具有敏锐的观察能力，发明创造能力，对产品美学功能的鉴赏力，对设计构想的表达能力，以及审美性的表现能力，这样才能更好进行产品设计。

美术教学是培养工业设计人员具备完美的设计构想的表达能力以及审美性的表现能力，使其在产品设计过程中从感观角度对产品进行全面把握的重要教育手段。

随着社会的发展、生活水平的提高，消费者更多的要求产品能够给他们带来视觉的享受。

这需要我们通过美术教学培养其扎实的审美能力、提高艺术素养。

但是，从目前工业设计专业的基础美术教学现状看，学生的造型、审美能力、艺术素养并没有得到真正的提高。

培养学生敏锐的观察能力、创造性的构思能力以及具有审美性的表现能力是目前工业设计美术教学中亟待解决的问题，怎么通过美术教学培养学生的审美情感，提高审美能力，并教给他们正确的观察方法，启发形象思维，促进创造性设计思维的发展就显得尤为重要。

一、通过美术教学，培养学生的审美能力，提高艺术修养在我们生活的世界中，到处都有美的事物存在。

但是，并不是每个人都能发现它们。

正如罗丹所说“美到处都有，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现！

”由于生理、教育与生活环境等各种原因的影响，有的人对于美具有很高的敏感性，在很多事物中都能发现美，并产生很明确的审美体验。

很多伟大的艺术家之所以创造出了优秀的艺术作品，一个前提就是他们都具有很高的审美敏感性。

美术教学可充分发挥其特有的认识功能、审美功能和形象表达能力的训练，对学生进行审美教育，使受教育者通过美术教学提高“对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力”，“以美引善，提高学生的思想品德；

以美启真，增强学生的智力；

以美怡情，增进学生的身心健康”，促进学生全面和谐的发展。

[1]目前我国的工业设计专业教育模式分为艺术类和理工类。

艺术类学生有较好的绘画基础，有较好的艺术氛围，他们在审美能力和表现技法上要高于工科学生，而工科学生在入学之前没有接受过正规的美术教育，在这些方面明显要差一些。

针对学生自身的特点，可开设内容不同的欣赏课程，帮助学生在对艺术作品的欣赏、鉴别与评价的过程中，逐步提高审美能力。

在欣赏教学中，最有价值的不是艺术作品本身，而是学生对作品的理解，想象与再创造。

在欣赏教学中，应遵循审美的规律，多给学生感悟艺术作品的机会，提高学生的审美能力。

因此，在教学中也要融入学生感知意念，加强对美的互动交流。

马克思说过：

“如果你想欣赏艺术，你必须成为一个在艺术上有修养的人。

”虽然每个人的审美经验不同，但多给他们感悟艺术的机会，对提高学生的艺术修养和审美能力是十分有利的。

[next]二、通过美术教学，加强美术技能训练，提高美术能力在具备了基本的美术素养后，学生还需要有一定的美术语言来表达设计构思。

美术技能的教育能够有效地培养学生的空间造型能力，通过训练学生在对形、色、体、质的概括和处理上会比较得心应手。

对于有一定绘画基础的艺术生来说，可以改变传统的素描、色彩课程，变其为设计素描和设计色彩课程。

在进行素描训练时，可采用新的教学模式进入课题内容，如对实体进行拆分切割，用微观特写手法表现对象，对拆分的形体进行描绘，追求肌理纹样，图形特征、质感量感的变化。

这些训练不但能够使学生理解物体的大小、厚薄，还可以懂得物体实质和内部构造的关系，对将来进行产品设计很有帮助。

还可以采用“半写生半创作”“意向开拓”、“命题式教学”等新教学模式对学生进行训练。

通过结构素描来分析物体的形态结构，找出其形态与结构的关系、节奏韵律和构成规律，从对形态认识和理解到创造，达到培养和提高。

大学生美术欣赏论文

高中美术欣赏教学与审美评价一、美术欣赏教学的特征许多教师有这样的体会，欣赏教学难于艺术实践教学，而现代作品欣赏则更难。

这也许因为在欣赏传统的再现性作品时，有关史料和作品内容丰富了教学内容，符合了学生追求现实意识和经验的需求，故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。

而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受，学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限，因而使教学发生了困难。

对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的，审美意识的形成需要有个学习的过程。

这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动，但一个不具有较强审美意识的人，往往能欣赏前者而不能欣赏后者。

曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上，从男女老少、各界人士的交流中我发现，人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。

然而，另一个事实却让我吃惊，在“毕加索”、“米罗”的画展上，许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问：

“这些画好在哪里？

”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。

他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。

造成这种情况的原因是多方面的。

但有一点是肯定的，即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上，当面对着新的审美现象时，其评价标准就失去了有效性。

以上列举的事实可以说明，从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味，或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。

一旦我们认识到，教学必须要达到这一目的时，那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。

我们已经知道，欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。

然而，这个属于审美范畴的教学离开了审美功能，专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求？

假如，我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感，能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材；

假如，一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容，是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容，回答是肯定的。

但不禁要问，欣赏教学本身的特征是什么？

也许我们教学最终都是一种手段，所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味，但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。

从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。

正如在其它学科教学中，偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用，并不是该教学的主要特征。

二、艺术的审美价值与评价1.审美价值的客观性艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的，具有客观性。

在欣赏中，由于地区和民族等文化差别，会出现价值观的差异，甚至会有完全不同的价值标准。

但这不意味审美价值无客观性，因价值不等于评价，它们之间可以统一，也可以对立。

文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。

在对某一作品实际判断中，不同主体会出现不同感受。

如，一个人在丧失亲人时，热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。

反之，一个时逢喜事的人，在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。

由于文化习惯的差异，一幅山水国画也难以被一个西方人所接受，主体的评价与价值客观性符合与否，还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯，一个不会下围棋的人，无论其有多少美学方面的知识和经验，也很难感知到棋盘中形式之美。

同时，还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。

一个具有欣赏水平的人，能感知和体验各种媒介的审美现象，甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。

从中我们看到，减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。

所以在教学中，欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。

2.审美评价的功利性在美术欣赏中，对作品的审美感知具有社会功利性。

一方面，审美意象和信息在激发主体审美经验的同时，也可能激发起个人的现实意识，即审美判断中潜伏着利害判断。

如，对画中苹果的色彩和形状产生美感时，也可以作为“望梅止渴”的情感体验。

即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。

另一方面，美感中包含着人类社会有益的内容，如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术，那么人们是不会想往那种艺术的。

因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约，即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。

如，有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范，都可以作为审美评价的标准。

在欣赏教学中，教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异，这些都会影响审美判断和评价，故教师必须具备良好的修养和丰富的知识，理解作品形式和内容最普遍的。

求一篇关于美术的论文

文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。

它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。

文艺复兴的原意是在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴。

其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。

这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。

当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。

实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。

人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。

文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。

意大利早期文艺复兴时期

在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。

在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。

这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。

体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。

意大利盛期文艺复兴美术

16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。

正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。

这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。

文艺复兴三杰--著名的艺术家达•芬奇（1452--1519年），米开朗琪罗（1475--1564年）和拉斐尔（1483--1520年）出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。

他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。

他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。

不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。

他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。

在文艺复兴盛期，以达•芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。

在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。

推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。

通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。

巴洛克艺术是指（16世纪）后期开始在欧洲流行的一种艺术形式，不仅在绘画方面，巴洛克艺术代表整个艺术领域，包括音乐、建筑、装饰艺术等。

关于色彩的毕业论文

新美术课程标准要求在学习内容上改变专业化倾向，通过生动的教学活动，使学习内容变得鲜活充实，易于被学生掌握。

在小学阶段，培养学生对色彩感受能力是一项重要的教学内容。

色彩知识属于美术基础知识的范畴，其中的对比与协调是较专业性的。

为上好江苏版美术教材第六册《色彩游戏——对比与协调》一课，我便尝试综合美术，音乐、文学等多种艺术门类，让学生在自主探究、体验，感受中理解色彩对比与协调不仅仅存在于人们生活的衣食住行，在我们所熟悉的音乐、文学作品中也是能体现的。

在游戏中感知色彩：

上课开始时，教师出示学生熟悉的三原色、三间色，接着让学生辨识：

感知五彩缤纷的色相。

计“找朋友”的游戏活动，先让学生在纸片上涂出自己喜欢的—种颜色，根据纸片上的色彩“找朋友”。

如教师提供的红色，提问：

哪些颜色与红色可以成为“朋友”？

把它找出来，贴到红色周围。

由此学生感知色相接近地颜色组成的协调色画面。

针对没有被选出的颜色，让学生说说不配成“朋友的理由，教师引导学生明确常见的红色与绿色、橙色与蓝色等对比色。

（在此过程中，教师引导学生感受色彩对比与协调在视觉、心理感知上的区别，为下一步教学做好准备）。

于生活中寻找色彩：

教师整理学生的发言，揭示课题（课题的展现要体现色彩的对比与协调）。

提问：

色彩规律中的对比与协调在生活中有吗？

与生活有怎样的关系？

带领学生先在教室内找一找（教室环境布置，学生服装等方面的色彩搭配），再让学生在自己所熟悉的生活中找一找（学习、生活用品等），由学生自己说一说找到的色彩对比与协调。

通过结构素描来分析物体的形态结构，找出其形态与结构的关系、节奏韵律和构成规律，从对形态认识和理解到创造，达到培。

求一篇美术毕业论文

美术专业学生职业生涯规划特点调查研究绵阳师范学院美术与艺术设计学院郝冬绵阳师范学院教育科学学院刘锡玲【摘要】为了深入了解美术专业大学生这一群体的职业生涯规划特点，本研究采用职业生涯规划问卷对276名美术专业大学生进行调查.结果表明，美术专业大学生职业生涯规划总体上较差；

男生的职业生涯规划状况好于女生；

学生干部在职业生涯规划部分维度上优于普通学生.，【关键词】美术专业职业生涯规划特点一、引言近年来，随着我国高校的扩招，高校毕业生的数量迅速增加，他们就业难的问题日益突出，引起社会各界的广泛关注。

如何促进大学毕业生顺利就业？

如何帮助他们今后更好地进行职业发展？

在思考这些问题时，职业生涯规划受到大学生们和学校的关注。

职业生涯规划（careerplanning）是指在对个人职业发展的各项条件进行细致分析的基础上，对个人的能力、性格、兴趣、爱好、价值观等进行综合分析以确定自己的职业倾向，结合现实环境，确定最佳的职业发展方向和目标，并按照职业生涯发展的阶段实施具体行动以达到职业目标的过程。

一些美术专业大学生对文化学习较为轻视。

但在专业学习上，他们的学习方式更具自主性。

由于美术专业对技能有很高的要求，他们的创新精神和实践能力较强。

此外，美术专业大学生的思想开放、思维活跃，容易接受新观念。

但他们也显得比较自由散漫，喜欢彰显个性。

那么，美术专业大学生在职业生涯规划方面具有怎样的特点呢？

本文采用问卷调查的方法，考查美术专业大学生职业生涯规划的特点，为有针对性地开展美术专业大学生