艺术视频观后感Word文件下载.docx

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　　表演结束后，我也为那些没能亲临现场观看表演的同学们感到遗憾。

但是虽然没能够亲临现场，他们仍然能够从学校电视台拍摄的视频中观看到同学们的精彩表演。

谈到这里，我在此向学生会成员和电视台成员们的辛勤劳动和帮助他人的精神致敬。

艺术是奇妙灵动的，它是人类的灵魂，是性情的闪耀，是心灵的蔚籍与憩息之所。

它应该融入我们学习生活的每一天当中，让枯燥的学习充满活力。

虽然艺术节的活动是短暂的，但艺术节上同学们们表现出来的热情却将在我们心灵上留下永远的美丽与精彩。

　　艺术节处处洋溢着青春的美，这种美并不加修饰，来自生活，来自自然，更来自我们的心灵，我们用节目诠释着我们对生活的感悟。

初春孕育了绿色的一中，艺术节则孕育了

　　绿色的青春。

同学们用他们自己的才艺征服了全校的师生，艺术节提供给我们展现自我的舞台，让我们尽情演绎青春与时代同行。

　　同样，艺术节的圆满举办也成为了我校百年校庆的一个良好开端，我们相信在百年校庆上还会有更多的精彩，更多的欢呼雀跃，更多的心灵震撼。

我们期待着更多的多才多艺的一中学子涌现，我们也期待着明日的成长，我们会以饱满的热情迎接未来，以健全的品格，健康的身体和优异的成绩报答母校，报效国家。

　　篇二：

bbc纪录片《艺术的力量》观后感

　　bbc纪录片《艺术的力量》观后感

　　一

　　即使在bbc的一众艺术类纪录片中，这套8集的【艺术的力量】也绝对出类拔萃。

跟很多同类片子四平八稳的访谈风格不同，这个系列采用真人演绎、现场还原的方式，配上精到的视听语言和simonschama个性化且极富感染力的讲述，每一集都超级震撼，实在是讲述杰作的精彩纪录片，不容错过。

每集的开头，讲述人都从某件作品入手，提出一个疑问，然后在一个短暂但异常华美的片头之后，答案慢慢从艺术家的生平和其精神的激荡中浮现。

更为强悍的是，根据具体内容的差异，每集都采用不同的视听风格和结构方式，难为制作者了。

　　内容上，如其名所示，“艺术的力量”，更准确的说，是艺术的冲击和震撼力，所以这其中没有优雅和谐的文艺复兴大师，没有恬静安适的传统风景画家，8集8位，全是血脉贲张的狂人，在世时，或者已享有盛名，或者尚不为世所容，但其最好的作品都跟用来点缀和装饰的情调无关，而是为了震惊世人，shocK！

　　显然，首集绝不会是同时代的卡拉奇，而铁定是脾气暴烈、不可一世的杀人犯卡拉瓦乔，一位首次让底层人物形象出现在经典题材画作上的恶魔，讲述集中在卡拉瓦乔内心飘荡的魔鬼和天使，一场持久的争斗，罪人和救赎不是教堂里富丽堂皇的大师画作，而满布着现实的惊惧和血腥。

　　接着是伦勃朗，17世纪荷兰俗世荣光的记录者，但让他真正伟大的，不是对虚矫美好的记录，而是真实的丑恶。

和商业时代对应，这一集的节奏相对要轻快一些，但底下的阴郁一如既往。

　　第三集是柏尔尼尼，大理石罗马的主要设计师。

巴洛克时代，竞相邀宠，彼此拆台（主要是他和博罗米尼），争风吃醋，大肆铺张。

柏尔尼尼的雕像饱满、热烈、情欲旺盛，本集一开头，讲述人说到一位法国的参观者，“如果这就是神圣的爱，那我再熟悉不过了。

”

　　特纳的第四集，也显然不会是着重那个享有盛誉的传统风景画家，那个特纳师承自克劳德·

洛兰，描绘着静谧优美的英国田园风光。

通篇讲述的，是另一个特纳，出身底层，困扰，不安，画笔恣肆，惊世骇俗，但保有着艺术家的激情和良知。

　　达维德（这个DAVID是法语的姓，很多地方翻成大卫，不准确）的第五集可能是其中最强悍的，因为背景是铁血峥嵘的法兰西革命岁月，法国佬以再生的罗马人自居，腥风血雨，风云激荡。

这一切都反映在达维德的画作上，从罗马题材到现实革命，再到飞扬的拿破仑。

这里会有一点意识形态上的小分歧，国内的教材当然都把他说成是进步革命的桂冠诗人，而事实上他免不了有红顶画家见风使舵的一面，还有对革命的褒贬，片中有句台词，“（【马拉之死】）后面可以是斑驳的墙壁，也可以是无尽的虚无。

　　梵高集因为有他的家信打底，主要分两个场景，一个是梵高在幽暗逼仄的小屋内自言自语，不见天日，另一个是广角拍摄的金色原野、炫目阳光，一如梵高转瞬即逝的悲惨生活和激励后世的不朽之作。

片中说，在梵高这里，“艺术取代了宗教。

　　毕加索集没人来扮演他，取而代之的是轰炸场面的黑白纪录片。

本集的主线是，一个宣称要砸毁一切传统标准的现代主义大师，如何在特殊年代重新找回艺术震人心魄的力量。

现代主义艺术在毕加索这里，

　　至少曾经克服过形式玩闹和孤芳自赏的毛病。

　　最后一集讲的是罗斯科，一个在消费年代试图给日趋麻木的日常生活找回震惊体验和神话意味的反抗者。

他的画我看着有点像是彪悍版的蒙德里安，但片子告诉我错了，他根本就不是蒙德里安那样的神秘主义者。

这位俄裔美国画家经历过哥萨克和希特勒对犹太人的屠杀，紧接着面对的是永无节制的文化工业、消费快感、安迪·

沃霍尔，还有摇滚乐，在他看来，这无异于又一场屠杀。

他说，在过去一穷二白的岁月，艺术没钱，但人们反而可以无所顾忌地追逐自己的理想，如今，一切都成了约定俗成的商品，还有所谓艺术的力量吗？

所以他断然拒绝了相当于今天250万美元的报酬，不想为纽约四季餐厅作画。

很难跟人介绍罗斯科那些浓烈的色块，我们更熟悉更习惯的是早就熟视无睹的波普和招贴艺术。

这一集开头提出的疑问是，艺术到底具有怎样的力量，能改变我们，改变世界吗？

最后的回答是，不可能！

　　二片子是从对毕加索早年作品的回顾开始，在那些时候，毕加索沉浸于自己的艺术世界，用自己无语伦比的天赋以及技巧来颠覆他所继承的传统。

比如美，比如历史。

裸体女人的魅惑在传统中多少带着神秘与魅惑，而在《亚维农的少女》中，它却变成了站成一排展示裸体的妓女。

单手牵马的将军的手曾是标准的权力描绘，在毕加索的旷野男孩儿中，同样的单手与随意却被抽取了历史与空间。

他多么熟悉他先前的伟大画家们对各种元素反复和熟练运用，可是毕加索却坚决说：

不！

现在，形式大于内容。

　　这个时候的毕加索可不是画得出guernica的毕加索，他才懒得管政治。

他的朋友说：

“毕加索，那可是我认识的跟政治最不沾边的人了。

　　但生活的节奏还是要快过艺术，毕加索再次回到西班牙，跟他的新情人一起，见证着30年代西班牙残留的斗牛场的血腥。

死亡的人或牛，血腥的气味。

这景象对他而言实在难以忘怀。

1937年的格尔尼卡，轰炸机从穿着布衫或带着礼帽的人们头上飞过，几乎是“不经意地”（”almostcasually”）扔下几颗炸弹。

这是一个黑色玩笑吗？

母鸡在错误的地方下了蛋？

这里可不是战场。

可生活才没空去琢磨这些玩笑，格尔尼卡只知道自己一下子从白天进入了黑夜，烟雾弥漫，房子着了火。

黑白的世界印刷在黑白的报纸上四处传送，是想留下这一刻，还是仅仅想复制这黑与白？

我们不知道毕加索是否也在看到这照片的时候考虑过这问题，我们只知道：

他决意创作他的《格尔尼卡》，那老早答应了世博会的约稿，却久久久久没有任何头绪的与当下的政治世界直接相关的杰作。

奥，他知道，这会是个杰作，只要他能够完成的话。

　　simonschama对《格尔尼卡》评语是：

毕加索再一次颠覆了艺术——不久前由他重新定义的现代派艺术。

这一次，毕加索不再刻意拒绝历史，相反还伸出他强壮的手臂，要用他手中的画笔重新承托起那沉甸甸的传统。

他可没办法忘记普拉多美术馆里那些旷世的珍藏，那在战火中遭受着灭世的命运的珍藏。

他也没办法忘记自己的祖国最伟大的画家——他自己的先驱者和珍视者戈雅。

他们都在说：

看，这是战争。

不是吗？

毕加索仍然是立体主义的大师，可是这一次，在《格尔尼卡》中，他挽救了立体主义潜在的分崩离析的命运。

他为它们重新注入生命的整体性，注入自己的爱与恨，憎恶与自责，坚持、绝望以及救赎之歌。

　　就如同所有伟大的艺术家一样，毕加索在《格尔尼卡》中一边巧妙地隐藏着他自己，一边无畏地探索着他自己。

情人、情妇、孩子、母亲、格尔尼卡、自然、鲜血、受伤的马、疯狂的牛、拿蜡烛的人……所有的形象以及他们一起牵扯起来在他心里头奔涌的感情，毕加索都不放过。

他睁大双眼朝自己最痛的地方的地方走过去，把他们画下来，一笔一笔，一点一塑形。

他如此深刻地体验到了战争，只因他如此深刻地在自己身上——自己的全部身心——体验到了人性，完整的、无暇的、永恒的——也是无比脆弱的——人性。

schama对毕加索创作过程的一点评论我印象极其深刻，他称毕加索在创作《格尔尼卡》初期的微小

　　希望，随着创作的进行和深入便坍塌成了巨大的绝望和悲哀。

那可是深深地怀疑？

那可是沉痛的发觉人自身的脆弱与不堪一击？

那可是悔恨或者无能为力之感？

这可部真是鸿篇巨制。

bbc对《格尔尼卡》的描绘以倒地的士兵结束，他的伤口里开出小花，镜头又移动他摊开的手掌中，里面写着画着救赎的纹记。

（这纹记也曾在戈雅的《五月三日的枪杀》中出现，微小，但清晰。

）而整个画面最为夺目的，是《格尔尼卡》的上空，那冷酷的、人造的灯泡眼睛，以及在它右侧，像拳击一样从无中伸出来的持蜡烛的壮手臂。

谁会胜利呢？

对毕加索来说，这也许并不是一个开放式的答案。

善良对邪恶，其中一方必胜，然而我们却无法忽视任何一方。

　　“在战争面前，艺术家唤醒我们的良知与不安。

别忘了这时代的冷酷病：

那些人假装什么也没看见，整理衣冠，安详地踱过这二十尺，移动到另外的艺术花园。

毕加索撕开疮疤组织让我们流血，让我们辗转难眠。

他如颁下命令，一字一顿在你耳边念出人性的律令，如果你仍愿遵守。

这毕加索已经不是原来的毕加索了。

（pablopicassoisnowanartisttransformed.）”

　　只愿这影片别又成为新的催眠曲。

人们关掉电视，就像他们闭眼不去看毕加索的《格尔尼卡》那样。

　　三

　　记得钱钟书先生有一本书《写在人生边上》，因此我想到人生是有边的，而且也常常有一种边缘的感觉，就象小时候拿个瓶子去捉蝌蚪，总有那么几个小家伙游走于瓶口处，一不留神就溜掉了，现在想起来，觉得它们应该是幸运的，它们会有机会成为真正意义上的青蛙，当然也可能是癞蛤蟆，但从概率上说会存在出现王子的可能；

而瓶中的是我阶段性的宠物，最终夭折，如果也用概率来说，百分之百。

　　这样的情形似乎与现代的社会生存守则大相径庭，我们觉得在那个发着亮光的高高的写字楼里聚集着，会有一种安全感，归属感，进而自豪感，如果被更小的空间所包围则会激发出成就感，似乎那个大大的玻璃瓶子让我们感到了久违的温暖。

　　现实的印象

　　深夜看了几幅油画，伦勃朗的，还有梵高。

　　当思想扩张的时候，需要主义的规范；

当艺术繁荣的时期，又需要派别的分类；

因此伦勃朗被称为现实主义，印象派，梵高比他年轻，为后印象派；

只是他们活着时候，可能没有意识到关于现实的主义，画画的时候也没有用好手中关于印象的派，不然不太好理解伦勃朗的破产、梵高的自尽。

　　另一种解释也许是他们都游走于人生的边缘，放着阿姆斯特丹的奢华、巴黎的繁浮不入，非要反其道而行之，以至于把自己的轨迹直接甩到了身后的那些世纪。

　　现实的画面如同一面镜子，映得出我们眼见的世界，而印象则是我们对现实世界在画面上的反映，不同之处在于，前者不得不接受，后者不得不选择，而选择的效果是有差距的，表现为距离现实的远近，近的叫作品，远的叫伟大的作品。

　　行走于现实边缘的伦勃朗和梵高，在近现实的角度，为我们带来了超现实的印象，即为不朽。

　　温柔的单纯

　　来源于伦勃朗的一幅画，斜倚在门栏上的女佣。

较之以往，从风格上来说并无大异，同样的唯美、写实与细腻，但变化已然初露端倪，其选择的视角、关注的主体从权势贵族转向市井平民。

不知道为什么，在当时的阿姆斯特丹，在当时的伦勃朗所处于的被推捧的状况下，他所做出的这样的选择。

他看到了什么？

他发现了什么？

　　从奢华富丽的人群中走出，从精美华贵的包裹中剥离，也许他看到了繁腐的侵蚀，雍容端庄、正襟危坐下的贫乏；

也许他发现了刻意低调下的跋扈，油光粉饰下的乖张；

这些我们不得而知，我们所知的仅取决于我们的所感，从这幅沉静的作品中所看到的纯真、温柔与丰润。

　　虚浮总是弥漫在各个时代的上空，偶然的一丝微风划过，揭去了并不坚实的伪装，从一双独具审美视角的眼中，发掘出角落里瑟瑟发抖的单纯的美丽，一瞬间，跃然纸上的便是这份内在的平实所带来的精致的艳丽，以及那份不再是金色的光芒。

　　燃烧的理念

　　至此之后的伦勃朗，变了，人们觉得他越走越远了，人们觉得他的技艺在衰退，人们觉得他脱离了本是属于他的辉煌的本应步入巅峰的轨道。

于是他开始资不抵债，他破产了，他开始被穷困所滋扰。

　　然而，此时他为自己所画的自画像，我们看到了什么？

那金色的光芒，四射出的辉煌，伦勃朗俨然如同一位君主，一位画界的帝王。

他的画不再精琢，不再纯澈，不再像一面明镜透映出我们理所当然的想象。

　　技艺是不会退化的，只有思维的停滞。

因此，此时的伦勃朗他看到了我们所看不到的也不愿看到且终会被看到的真实的影像。

　　这一点与梵高的情况并不一样，梵高在表现他所看到的景象，我们需要从他的作品中去找寻他的意向；

伦勃朗也表现他所看到的影像，他把答案放在作品中揭示着我们的表象，以至于我们难以接受，因为谁都恐惧会在照妖镜下发现自己的真相。

　　与之技艺相比，他们都不同程度地通过艺术的表现传递出一种信息，他们所摒弃的某些细节，是在诱发着变革，在暗示着某种征兆，当烈火熊熊燃起之时，无须去揣摩火焰跳动的舞蹈，也许该去思考，为何，火在烧。

　　时尚与灭亡

　　时尚这个词很有煽动力，需要我们focuson，也就是跟着潮流上。

结果好像有两种，冲在浪尖或死在沙滩上。

没有永久的时尚，但总有超越的时尚。

而超越却并非一定激进，回顾也是对于当今的时尚的一种反时空的提升。

比如古典之后的新古典，印象之后的新印象，是否会有后古典以及超印象，这仅仅取决于名称的界定了。

　　新的时尚往往远离时尚，这便是时尚的悲哀了。

一轮又一轮的时尚从兴到衰，从崛起到灭亡，周而复始，它所带来的并不一定是正确的方向，而仅仅是有个方向。

当潮流退却，时代沉积，过后所依在的，已经不再是时尚，这就是所谓的经典了。

当我们回顾经典的时候，不得不赞叹这经典的弥足珍贵，亘古绝响

　　与荡气回肠，同时往往又发现它们曾经地那么地跟不上时尚。

　　伦勃朗与梵高，一个在病困中逝去，一个在绝望中衰亡，可谁会想到曾被边缘漠化的两个人，他们的作品连同他们自身会成为当今昂贵的时尚，而他们本所代表的曾是拒绝时尚。

　　粗糙的真实

　　真实到底什么样，这与怎么样才是真实有些不大一样。

　　伦勃朗挥刀自毁的那张关于荷兰脱离罗马帝国历史的巨作也许可以探寻出些许关于这个问题的解答。

狰狞的叫历史，血腥的也叫历史，不是那顶皇冠就抹去了暴征，也不是那枚勋章就可以洗去了杀戮。

回顾历史需要的是陈述而不是描绘，也许这是伦勃朗的所愿，不是赏心悦目的才叫做伟大，而伟大的历史也无须粉墨，其伟大之处就在于还原了历史的真实，哪怕是粗糙，甚至丑陋的真实。

　　狂野的自由

　　当伦勃朗将这幅画送入市政厅的时候，也许期待着认同，而如果认同则代表着他多年徘徊边缘后的回归，而这样的回归必然会带来超现实的深远影响，也许这样的话，印象风格的思维会提前唤醒尚处沉睡中自由的画风，他期待这钦定的自由。

然而，拒绝逢迎主流与其期待这钦定的自由一样，是不可期待的。

于是他以这样的方式消灭了自己的幻想。

梵高，也许他就没想过这类的问题，但结局是他用类似的方式结束了自己的生命。

　　自由，一个久违的概念。

有形的枷锁解脱之后，可以舒展了肢体，而无形的束缚何以得此逃离？

面对太多实际的困扰，如何可以不畏困苦，不惧险阻，不媚凡俗而去坚持自我也许是最终自我否定的理念，去捍卫这份脱离主体的自由？

　　然而正是他们，伦勃朗和梵高式的先驱们，以他们先知般的灵感，疯子般的逻辑，顽固不化的韧性，纯粹缜密的理念，以及在狂放的自由随想中所喷薄而出的惊世骇俗的伟大作品，在推动着文化艺术的发展，这是一股不可磨灭的动能与力量。

　　也许每个人都曾走在人生的边缘，只是我们不知那未知的方向。

　　谨以此篇回应《powerofArt——Rembrandt》，望指正。

　　四

　　终于把这套bbc的《艺术的力量》看完了，最后一集讲纽约的Rothko，至此把从文艺复兴到后现代艺术的过程走过一遍，非常想集中记下一点感触。

首先真觉得，每个艺术家的人生都或多或少有偏执倾向，不是沉溺于某种表现手法，就是思想太独到。

罗斯科是执着地揭露资本主义之下人性的苍白，Turner后来去揭英国历史上的伤口，伦勃朗也是，晚期去谩骂荷兰人奢华忘祖。

而他们对艺术史的贡献，又恰恰是这

　　篇三：

美术概论视频课观后感

　　美术概论视频学习后的感受

　　“美术”指运用一定的物质材料，通过构图、透视、用光等艺术手段，在一定的空间中塑造直接可视的平面形象或立体形象的艺术。

它是反映社会生活和表达艺术家思想感情的一种艺术形式。

由于它塑造和描绘的是具体的、人们借助视觉可以感觉到的实际物象的形状外貌，这样对象的外形便是美术的基础，造形是美术的特殊功能，所以我们现仍称它为造型艺术；

还由于美术形象是在空间二维或三维中展开，所以人们也称它为空间艺术；

又由于美术所塑造的艺术形象是客观事物视觉形象的构成因素，人们欣赏时也是通过视觉感官感受到它的形象的，所以，美术又称视觉艺术。

　　美术也是各种道理的一种怎么样才能正确的理解美术，无论是绘画还是其他的艺术行为。

都不可以为了艺术而艺术，就如同我们学会了开车，是为了驾驶它去自己想去的地方而不是在场地里绕圈，学会了语言是为了表达我们的思想一样。

只是美术使用的语言不同罢了，（:

艺术视频观后感）其本质和世界上所有真理一样是永恒的，只有这样出来的作品才可能会是好的作品。

技巧只是桥梁，它传达作者的感情思想到达彼岸，而不是单独存在的。

任何的艺术都是如此。

美术概论中说“美术是对世界的一种认识”这也许是对的，不过我更想把这个世界理解为是艺术家的世界。

　　比如：

《溪山行旅图》。

范宽以雄健、冷峻的笔力勾勒出山的轮廓和石纹的脉络，浓厚的墨色描绘出秦陇山川峻拔雄阔、壮丽浩莽的气概。

这幅竖长的大幅作品，不仅层次丰富，墨色凝重、浑厚，而且

　　极富美感，整个画面气势逼人，使人犹如身临其境一般。

扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二。

这就是高山仰望，人在其中抬头仰看，山就在头上。

在如此雄伟壮阔的大自然面前，人显得如此渺小。

山底下，是一条小路，一队商旅缓缓走进了人们的视野——给人一种动态的音乐感觉。

马队铃声渐渐进入了画面，山涧还有那潺潺溪水应和。

动中有静，静中有动。

这就是诗情画意！

诗意在一动一静中慢慢显示出来，仿佛听得见马队的声音从山麓那边慢慢传来，然后从眼前走过。

《溪山行旅图》，好就好在静止的画面有一种动感，一幅空间艺术的绘画却有一种时间艺术的感觉。

面对这幅一千多年前古人的绘画，体味着画中令人心醉的意境，怎能不令人发出由衷的赞叹。

打开《溪山行旅图》，一座大山矗立眼前，和山水一起映入人们眼帘的，还有不少收藏者的题款，而这些题款，就成了揭开名画流传千年的唯一线索。

　　1艺术家创作出来的艺术品，必须通过鉴赏主体的审美再创造活动，才能真正发挥它的社会意义和美学价值。

　　2鉴赏主体在艺术欣赏活动中，并不是被动、消极地接受，而是积极主动地进行着审美再创造。

　　3从最根本意义上讲，鉴赏同艺术创作一样，也是人类自身主体力量在审美活动中自我肯定与自我实现,培养提高艺术鉴赏力,离不开大量鉴赏优秀作品的实践。

熟悉和掌握艺术的基本知识和规律,历史、文化知识以及生活经验与生活阅历，美育与艺术教育。

　　阐述美术概论的审美过程有以下几点：

　　⑴审美直觉:

　　指人们在审美活动或艺术鉴赏活动中，对于审美对象或艺术形象具有一种不假思索而即刻把握与领悟的能力，使人刹那间暂时忘却一切聚精会神地观赏它，全部身心沉浸在审美愉悦之中。

审美直觉的特点就是直观性和直接性。

　　⑵审美体验

　　美术审美过程中心环节指鉴赏主体在审美直觉基础上，达到艺术审美活动高潮阶段调动再创造的想象力和联想力，激起丰富的情感，设身处地地生活到艺术作品之中，获得心灵的审美愉悦把外在作品中艺术形象转化为鉴赏者自身生命活动。

　　⑶审美升华

　　艺术鉴赏活动的最高境界指鉴赏主体在审美直觉和审美体验基础上达到一种精神自由境界，通过艺术鉴赏审美再创造活动，在艺术作品和艺术形象中直观自身，实现本质力量的对象化。

　　艺术批评的作用：

　　⑴人们更好地鉴赏艺术作品，提高鉴赏能力和鉴赏水平

　　⑵通过对艺术作品的评价，形成对艺术创作的反馈。

艺术创作是一种复杂的精神生产，艺术家需要广大读者、观众、听众和批评家的帮助，才能深刻地认识自己，不断地提高自己，敢于攀登艺术的高峰。

　　⑶丰富和发展艺术理论，推动艺术科学的繁荣发展。

　　艺术批评特征

　　①科学性

　　艺术批评家需要在艺术鉴赏的基础上，运用一定的哲学、美学和艺术学理论，对艺术作品和艺术现象进行分析与研究，并且作出判断与评价,人们提供具有理论性和系统性的知识。

　　②艺术性

　　艺术批评作为一门特殊的科学，与其它的科学不同，它既需要冷静的头脑，也需要强烈的感情，既离不开理性的分析，更离不开艺术的感受。

从某种意义上讲，艺术批评是一门科学，也是一种文艺体裁。

优秀的艺术批评文章不仅应当

　　③逻辑清晰、论证严谨，而且应当文字优美、生动感人，给人们一种特殊的美感享受。

　　中外优秀作品，具有深刻的思想意蕴和独特的艺术追求，体现出较高的文化品格和独特的艺术创新，具有了经久不衰的艺术魅力。

　　政治与历史系

　　20XX级社会工作姜中杰