艺术的故事读书心得900字Word下载.docx

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在这里若让我概述一下每一个章节多少显得有些不合实际。

因此，我更愿意来总结一下诸如“透视的发现和在绘画中的应用”这样一个小的脉络。

　　“透视”这个词在我们看来并不陌生。

甚至我们第一天学习美术画个正方体老师们就会给我们讲透视。

可能在今天的人看来，利用透视营造真实的空间显得那么司空见惯，可在这些东西刚被发现时当时的人们该是多么惊愕啊!

　　《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。

我大概有这样一个脉络，透视的发现和发展经过了4个阶段。

　　一，短缩法的发现和运用

　　透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。

最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。

画的是辞行出征的战士，右脚仍然是继承了古埃及的“保险”画法，但是左脚已经是经过透视短缩了。

我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。

也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋，但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。

后来的希腊化时期和拜占庭时期的画中也出现过短缩法。

当时的艺术家是把远处的东西画的很小，近处的东西画的很大。

可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。

　　二、短缩法再次被重视

　　乔托所画的《“信德”的拟人形象》中，我们看到了手臂的短缩法，脸部和颈部的明暗造型，流动的衣褶中深深的阴影。

像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。

乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。

　　三、透视法的提出和应用

　　到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。

我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。

马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。

在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。

通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。

　　到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。

乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。

通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。

虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。

但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。

　　四、透视法的继承和发展

　　曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。

他的人物像马萨乔的人物那样动人，那样有雕塑感。

曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台，使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。

他好像一个高明的舞台监督那样，布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。

　　当然，对透视的探索仍在继续，只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。

《艺术的故事》这本书中涉及较少。

希望以后能看更多的书籍，进一步总结透视发展的脉络。

　　艺术的故事读后感2

　　《艺术的故事》这是一本教人如何欣赏艺术的书。

它看起来有4指厚，16开，文字紧凑但阅读舒适，画面精美，非铜版纸，是哑光的一种我不知道但常用的厚实纸张。

版式朴素，简洁，封面看起来甚至不那么艺术，高兴的是它没有腰封，因为它完全不需要这种俗气装饰。

　　看起来很唬人很高大上是不是?

有点，但，它真的很有料。

艺术听起来不食人间烟火，但这本书就是让你可以用双手触碰得到那些高高在上的艺术品，让你知道它为什么这么做，它带来了什么影响。

贡布里希写作此书并非用作教材或学术，而是为我等凡人所学习阅读，无论是茶余饭后书，是睡前枕边书，还是学习知识书，唯一不能成为的是口袋书或旅行书，因为它真的很重很重。

我都是半躺着看，把它放在肚皮上的，肚皮上还要放个靠垫否则太低脖子很疲惫。

　　其实，我只是想说，你翻开了这本书，会感到双眼大开，你会惊奇地发现那些离我们遥远陌生诡异而面熟的世界，皆为有因有果。

翻开这本书，开始艺术的探索（这么说丝毫不为过）。

因为我记忆差，所以要做读书笔记。

基本为各章节的概括总结、摘选。

不知能坚持多久，书太厚了，但是能记多少算多少，算是个回顾。

　　人们对艺术品的评价，总习惯用简单的美或不美来表达。

一幅天真孩童的画作，我们看到了细腻的皮肤，睁大的双眼，纯真可爱，我们不必追究画作的细节、技法就能轻易做出判断：

这画很美。

一幅老妇的肖像，皱纹满布，眼神浑浊，苍老干涩，我们第一反应是，它很丑。

可是，等一下，如果我们可以撇开第一主观的感觉，细细地观察，会发现它描绘的老妇其实如此真实，皱纹、发丝刻画如此细腻，神情那么到位，因为你看到了它的沧桑感。

那么，这难道不是一幅上好的画作吗?

　　（大多数喜欢在画中看到自己喜欢的场景、题材，这是自然的倾向）

　　（事实上，左右我们对一幅画的喜爱之情的往往是画面上某个人物的表现手法。

）

　　当然，逼真不应该成为判断的唯一标准。

一幅野兔子的画像真实再现了兔子的眼睛、胡子、皮毛，无疑，再加上专业的技法，这确实是一幅好作品。

无论是细致的刻画，还是粗略的勾勒，这是都是真实地表达。

但是，那些看起来不逼真的画作，难道就是不好的作品吗?

　　人们似乎对看起来不对的东西天生地排斥厌恶，尤其在现代艺术中。

不过，没有人非议米老鼠这个非常规的老鼠，甚至喜爱有加。

如果在看现代画展，那么情况就不同了，虽然米老鼠和乖张的小公鸡实属异曲同工，但是接受起来小公鸡没有那么容易。

　　（不管我们对现代艺术家的看法如何，我们都可以毫无保留地相信他们有足够的知识，完全能够画得“正确”。

如果他们不那样画，其原因可能跟瓦尔特迪斯尼一样）。

　　（所以，如果我们看到一幅画画得不够正确，那么不要忘记有两个问题应该反躬自问。

一个问题是，艺术家是否无端地更改了他所看见的事物的外形。

另一个问题是，除非已经证明我们的看法正确而画家不对，否则就不能指责一幅画画得不正确）

　　（在欣赏伟大的艺术作品时，最大的障碍就是不肯摒弃陋习和偏见）。

前人这么画的，那么就是这个样子，比如圣经。

　　我们认为艺术家为之焦虑的事情，一般是美的表现和美，但是真正困扰艺术家的是很难用语言表达的。

所以一般谈论中的“艺术”都是非文字性的艺术，如果能用语言表达艺术那么这些画作雕塑等等似乎也没了存在的必要。

艺术家们只追求一个听起来很简单的东西，合适。

这“合适”似乎很难有个明确的度，但多一分少一分，一切都不一样了，就像做菜。

艺术家们对着作品，寻找着自己认为的平衡，而这种平衡就是作品本身的平衡，当它传到到观众眼里，也同样差别在分毫间，也让我们觉得，它就应该是这个样子，最合适的。

艺术家为了达到这样的平衡，练习自不必说，无数的改动、试验，看似就更改一个颜色、位置，加减一笔，但事实上是复杂而严肃的事情，而非随意随性。

如果我们为他到底为什么要这样改，他也无法回答。

　　在艺术领域，确实有评论家归纳总结规则，但是事实证明，那些墨守成规的庸才画家们淹没在了历史潮流中。

艺术家们在离经叛道的征途上获得前所未有的新的和谐。

　　艺术的故事读后感3

　　老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。

据说它被译成30种文字。

把成千上万的人引入了艺术的殿堂。

作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。

　　读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。

因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。

但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。

其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。

《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。

引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。

就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。

更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。

这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。

　　在前言我被震撼了，看到了很多实话。

作者骇人听闻地说：

“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。

”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。

作者既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

　　读完这么一本厚厚的书，觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。

所以，这本书值得我们去读。

　　艺术的故事读后感4

　　读了这本书《艺术的故事》后，感觉它为我打开了一个崭新的世界，这也是我们学艺术讨论最多的一个问题——创新问题。

《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新，艺术的风格怎样变化，一个新的风格怎样取代旧的风格。

旧的风格是不是就完全死亡呢，不是，它还会有死灰复燃的时候。

这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术来读的。

　　《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：

本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。

因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。

简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。

　　记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是：

“这是什么样的轮廓啊!

”显然，艺术欣赏的首要问题就是形式问题。

这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林，他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念，即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。

这五对概念影响深远，成了后来讲授艺术形式的出发点。

然而在《艺术的故事》中，我们却看到了作者更简洁的手法，他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。

特别值得注意的是，这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点，我们在阅读时将不难发现。

　　本书作者的另一个重要思想，即作者在前言中所交代的一个观点：

一方面，在艺术问题的解决上，某个问题的解决方案无论怎样激动人心，都毫无例外的在别处激起了新问题;

另一方面，艺术发展在一个方面有什么所得或进步，都必然会在另一个方面有所失，主观的进步概念无论多么重