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古典音乐欣赏
※古典音乐欣赏※
什么是古典音乐
我想今日许多人脑海想的古典音乐,是一个和流行音乐的相对名词,而主观的也会认为古典音乐是「过时」或者是「不流行」的音乐;也许会有人认为古典音乐是贵族音乐,所以给人的感觉是「非常严肃」的;而另外更有可能有些人曾经听过古典音乐,但却因为认为自己听不懂,认为古典音乐是「艰深难懂」的音乐。
以上对于古典音乐的看法,其实都是不正确的。
首先对于「过时音乐」来谈,我们都知道「过时」这个词有「老旧」以及「没价值」的意思在里面。
然而今天爱乐者所喜好的古典音乐,就年代来讲,虽然大多是前人所写的「老东西」,但是却不代表它就是没价值的。
这些作品的历史或许老旧,但其所反射出来的精神却往往是「永久不灭」、「历久而弥新」的,它能够感动当时的听众,同样地它也能够感动现代的我们。
「不流行」的音乐似乎不能用来形容古典音乐,并不是「不流行」不够来形容它,而是它就在我们生活周遭,不管是电影、电视甚至于广告,采用古典音乐作为配乐的,有越来越多的趋势。
例如:
莫扎特的「小星星」,被电视的综艺节目应用于改编为开场序曲。
柴可夫斯基的「天鹅湖」,被应用于最近的广告主题配乐。
还有巴达洁夫斯卡的「少女的祈祷」,被应用于我们最熟悉的生活之中,就是利用此音乐于垃圾车的广播,让大众知道垃圾车已到。
还有华格纳的「结婚进行曲」,应用于走向红毯的另一端教堂,所应用于仪式之中。
所以说古典音乐算是流行音乐应该不为过吧!
古典音乐一定是「非常严肃」吗?
事实上,的确在音乐的形式上,有些作家的作品比流行音乐是严肃的一些,但是我们并不能以偏盖全,这并不是古典音乐的全貌。
其实,有不少的古典乐曲,在那个年代算是流行音乐,而且具有相当的价值。
例如莫扎特所写的小夜曲和嬉游曲,是宴会上的配乐;史特劳斯所谱的圆舞曲,更是用来跳舞的音乐;而歌剧也是一般平民百姓娱乐用的戏剧节目。
所以说古典音乐并不是全部都是严肃的音乐的。
最后再来谈谈古典音乐是否真的「艰深而难懂」?
关于这个问题,前段的叙述其实已经做了个答复,因为古典音乐在过去既然是为宴会、舞蹈、娱乐或是宗教实用性而创造的音乐,那它不一定是艰深难懂的音乐。
只不过古典音乐在无数前辈音乐家的努力下,的确发展了许多作曲法则以及特定的形式。
所以一般爱乐者倘若能对这些作曲规则与乐曲形式有概括的认识,就更能懂得如何去欣赏古典音乐,进而提升自己对古典音乐欣赏的能力。
说了这么多,到底什么是古典音乐呢?
今天大家所讲的「古典音乐」,其实是「西洋古典音乐」,我们可以知道古典音乐是西洋人所发展出来的音乐。
说的更清楚一点,古典音乐是由西方国家、尤其是西方文明发源地的欧洲国家,由古自今经过长时间的演进所发展出来的一种音乐。
就创作年代来讲,古典音乐并非仅仅指十六、七、八世纪时的作曲家所写的音乐,近代甚至于当代的作曲家也包括在内。
此外,古典音乐虽然说是发源于欧洲国家,但是近代以来,北美洲、拉丁美洲乃至于全世界的其它许多国家地区,也都深深受到欧洲文化影响,也产生了不少杰出的古典音乐作曲家。
虽然这些作曲家的国籍各有不相同,但是他们在作曲上大抵沿用了欧洲音乐体系所发展出来的作曲手法,因此他们所写的音乐,通常也都并入古典音乐的领域中来讨论。
古典音乐入门
古典音乐只是经历了一段较长久的时间,去芜存菁的先人的智慧而已,也正因为它经历了时间的考验,还能屹立不摇,更突显了它的价值,真正称得上是”经典之作”.严格说来,现在我们所称的古典音乐,在当时也不过是流行音乐,心存这种观念,才容易接触它,正当你开始对古典音乐有了初步的认识后,会慢慢看到它的内在美,再深入探究,更会慑服于它的浩翰无穷而感动的。
以下就本组本身的经验与参考前人的真知灼见,简单地列举一些进入古典音乐世界的方法,希望对大家能有所帮助:
1.找个好师傅领你进门:
不论从事什么行业,或任何的兴趣,找对了师傅就是成功的一半.有人认为,结果不重要,过程比较重要;我却以为结果同样重要,兴趣虽然只是兴趣而非糊口的工具,但是老受到挫折,时间一久,不也会让人兴趣缺缺吗?
人都是需要鼓励的,这是大家都同意的吧?
师傅有两种:
书、人和因特网.要找到好的介绍音乐欣赏的书不难,现在市面上有成打的这类的书和杂志,但是差异蛮大的,以入门十大古典音乐来说,一百个人介绍的大概都不会一样,多比较总是比较好的,本组也会提供十大古典入门音乐,除了跟据经验外,还参考了网络的多媒体信息,可让大家更了解清楚古典音乐的内涵。
2.由浅入深,由短而长:
千万别一开始接触古典音乐就想要有系统地按照年代来进行,运气好的话,你可以持续一两个月,运气不好的话,三两天大概就挂了.培养一个兴趣,尤其是自己没这方面基础的,最好是从简单的开始,先累积一些经验和信心,再向高难度的挑战,说实在的,就算你懒得挑战高难度,只听一些简单易懂的音乐,有什么不好呢?
这类的音乐也没什么不好的啊!
难道你能否认它是古典音乐吗?
不过....相信我,当你听了够多的古典音乐后,你会欲罢不能的,等着瞧!
所以呢,最好先从精选的音乐开始,这类CD通常会节录一些比较常听到的,比如说:
广告出现过的,电影的配乐,听了之后就像直接注射到心脏的强心针一样,令人振奋,令人有成就感。
3.只要是好听的就听,别管年代派别:
广泛地涉猎各类型的音乐,除了能增加自己的欣赏能力外,更能培养鉴赏的能力:
哪个音乐家的音乐比较感伤,哪个音乐家的音乐又比较能够刻划出人性;哪一天也会从你的嘴里吐出这些话来的喔!
别怀疑,你进化了,该再往前迈进一步了,这时候你就会知道什么都听的好处了。
4.多讨论:
多看乐评杂志,多和人讨论,多上网看或参与讨论,如果身边有个有底子的人,那就再好不过了,虽然每个人的看法都不一样,不过多从别人的观点来听音乐,也可拓展自己的视野.比如说:
大部分的人都认为柴可夫斯基的第六号交响曲”悲怆,是一首无与伦比的悲剧音乐,本组自己也这么想,但是就是有人认为它是柴可夫斯基的自传,不应该演奏得如此的哀伤.第一次听到这种说法时,只有一个感觉:
这是哪个猪头,每个指挥都恨不得能把听众的眼泪给指出来,那有人会觉得不要太悲伤的.后来,本组找来柴可夫斯基传记和悲怆CD,好好的研究一番,没想到听着听着就发现一件可怕的事,好像这猪头才是对的,原来自己才是个猪头.多接受别人的观点,多从别人的立场看事情,会让自己的心胸更开的。
如何欣赏古典音乐
「如何欣赏古典音乐」这个话题,一定是所有有心想要接触古典音乐者最关心的。
到底要用什么方法才能一窥古典音乐的奥密呢?
我想古典音乐既然名为「音乐」,那么「用心聆听」才是探究古典音乐之美的不二法门。
什么是「用心聆听」呢?
美国作曲家柯普兰在他的著作「怎样欣赏音乐」一书中提到,一般人听音乐的方式,可以从他投入的深度分为三个层次:
1、从音乐的感觉面来听:
这是最简单的方式。
在这样的方式里,聆听者完全是在无思虑的状态下进行,也就是说,听音乐的人单纯从听得声音本身而得到乐趣,毫不经意地让自己沐浴在音乐的声音中,像这样不用脑筋而身心却被吸引的情形,就是从音乐的感觉面去听。
不过,这种方法只能称之为「听音乐」而不是「欣赏音乐」,因为提到「欣赏」二字,则多少有一点「探究」在里面。
2、从音乐的感情面来听:
尽管古典音乐中有许多作品是属于「绝对音乐」(绝对音乐强调音乐的美是由乐曲本身自发性的结构,而非依赖文字、绘画等其它艺术而产生的。
像是古典乐派时期的乐曲,着重于乐曲形式上的美,作曲家并不以乐曲来描述事物,这种音乐就是属于绝对音乐。
〉但是对于一般初入门的爱乐者而言,越具有意义的的音乐,他们越认为能表达感情。
然而我们必须知道,虽然音乐中有所谓的「标题音乐」,但是音乐相对于视觉艺术是比较抽象的,因此想要明确地说明所有音乐的意义,其实是不可能也是没有必要的。
不管音乐是属于「绝对音乐」或是「标题音乐」,只要我们能从音乐中找到感情共鸣并从而产生满足感的话,这种音乐的体验仍是很有意义和可贵的。
3、从音乐的理论面来听:
对于业余的爱乐者而言,如果他对于音乐的组成材料以及各种乐曲的形式,能有个基本认识的话,对于音乐鉴赏能力的提升,仍会有相当大的帮助。
爱乐者若是能沉醉于乐曲的旋律、协奏、和声以及音色运用各等方面去听音乐,渐渐地他便更能够了解作曲家的作曲手法,并体会出作曲者的创意意图。
所以如果爱乐者都能以知性的方式欣赏古典音乐,那么自在的优游于美妙的古典音乐世界,便不再是一件难事了。
对于一个想要真正一探古典音乐奥妙的爱乐者,除了可以用感性的方式在音乐中寻求情感的共鸣外,更必须以知性的角度去了解各种和古典音乐相关的知识。
但是要如何从这个角度来提升自己对音乐的欣赏能力呢?
以下有几点建议:
A、对于各种音乐形式的基本认识:
交响曲、协奏曲、室内乐、歌剧、艺术歌曲等等各种不同的音乐形式,其都有独特的表现方式,爱乐者如果能对各种音乐形式的特点具有掌握能力,就能以整体性的观点来了解作品的全貌。
B、多阅读作曲家的传记:
一个作曲家会创作某一种类型的曲子,与他所处的年代、生活、工作背景,甚至和他所交往的朋友有密切的关系。
例如巴哈终其一生都为教会工作,所以他创作了大量的宗教性音乐;莫扎特因为认识了优秀的单簧管演奏家安东‧史达德勒,因而创作他著名的A大调单簧管协奏曲即单簧管五重奏。
所以爱乐者若能经常阅读音乐家的传记,欣赏音乐时便能与传记中所提及的故事相互印证,这对于所欣赏乐曲的了解是很有帮助的。
C、对相关其它艺术增加了解:
文学与音乐的交融是浪漫乐派时期的主要特色之一。
如,德布西的印象音乐,是受了印象派画家对于画作中光影变化的启发而创作。
所以爱乐者若是能多阅读浪漫时期的文章作品,或是对于印象画派的特色有所认识,那么在欣赏浪漫乐派或是印象乐派音乐作品时,就会有更丰富的收获。
说了这么多,最后还是要提醒,不管阅读了多少音乐书籍,千万不要忘记,音乐毕竟是听觉艺术,不论是任何音乐,最终仍旧要透过你的耳朵来感受,因此「多听」仍然是欣赏古典音乐的不二法门。
古典音乐的型式
乐章(movement)
所谓乐章是指音乐作品的主要区隔。
它是乐曲中有意义的完全中止,但通常整件作品仍同时演奏。
序曲(ovurture)
序曲现今有分两种:
第一种是歌剧、神剧(oratorio)或芭蕾舞剧的前奏﹔第二种是管弦乐团音乐会开始的前奏。
但现今没有很详细的区分,往往有时在歌剧演出时所听到的序曲与其内容无关,这已经是稀松平常的事。
在十七及十八世纪的序曲分成三乐章,法国式的序曲是(慢-快-慢)三段,而意大利式的序曲是(快-慢-快)三段式。
但到了十八世纪晚期,德国作家葛路克(Gluck,1714~1787)认为序曲的作用应将观众带入情节之中,此一见解获得当代的作曲家莫扎特、海登及贝多芬等作家的赞同而延用至今。
协奏曲(concerto)
协奏曲在古典音乐作品里占有相当多的地位,此者通常在一般管弦乐演奏会的第二部分,是由一名或数名演奏家独奏,乐团作为伴奏。
之前提到:
作为一位独奏者他在一首曲子所扮演着重要角色,显现出这首乐曲的价值所在。
从十七世纪末<协奏曲>的演奏方式转变成一小部分弦乐器作为主奏(称为concertantsoli),乐团其它成员作为伴奏(ripieno)的演奏方式为大家所接受,通常乐团的大小及主奏乐器都是随着演奏乐曲而改变,并没有一定的限制。
交响曲(symphony)
<交响曲>一词原于希腊文,意为<共鸣>,其意义随着时代而改善。
一般刚接触古典音乐的人大多是从交响曲开始聆听,最具大家所熟知莫过于贝多芬的名作-第五号命运交响曲吧!
是的,交响曲的乐团演奏比各类乐曲来的庞大,更深入的来说,已广泛指称各大规模的管弦乐作品,只要不包含独奏者均可称之。
习惯上,交响乐曲都有四乐章(但有诸多例外),此四乐章一般型式可分为快板、慢板、小步舞曲及快板。
但有时作曲家会因不同创作需要而改变此模式。
古典音乐的演奏方式
乐团演奏(orchestra)
乐团演奏是经历多世纪来发展而成,现今乐团因成员日渐增多,形成更具有可看性的演出。
有关所有的管弦乐器的演奏,不论合奏或独奏,在布利顿(BenjaminBritten,1913~1976)的<青少年管弦乐入门>(YoyngPerson'sGuidetotheOrchestra)中,有完整的例子。
一般乐团大概可分为以下四种主要类型而组成:
A、标准交响乐团:
包括大型的弦乐团部分、木管乐器、铜管乐器及打击乐器。
B、室内乐团:
为交响乐团的最小编制而成。
C、弦乐团:
包括小提琴、中提琴、大提琴及低音大提琴。
D、原始乐团:
使用作曲者当代所用的乐器,或作曲者所指定的乐器。
指挥(conductor)
指挥是一个乐团中的灵魂人物,他拥有无限的权利,往往可以控制整首曲子呈现的速度及演出的效果﹔最重要的是他要有激发乐团成员最佳潜能的责任。
一首曲子演奏的成功与否,全然在于乐团与指挥的配合默契上。
现今的指挥是由乐团领导人(小提琴首席)或大提琴手来担任。
如果是与首席关系密切的独奏者担任协奏曲的演出,便不需要任何人来独立指挥。
独奏者(sololist)
独奏者是指与乐团共同演出,个人担任与众不同的角色,可能是声乐家、某种乐器的演奏。
有时也可能以二重奏型式出现。
独奏者往往都有过人的才华,出现于协奏曲中的独奏部分,并且具有绝佳的技巧、个人的风格及璀璨的人格,将自己全然投入演奏,决定一首乐曲的价值。
弦乐四重奏(stringquartet)
弦乐四重奏是由双小提琴、一中提琴及一大提琴所组成的。
这是从十八世纪以来固定的编制。
古典乐的四重奏乐曲不记其数,其中以贝多芬、莫扎特、海登及舒伯特(其作品在本站会有详细介绍)最具有代表性。
较近代的四重奏作曲家有巴尔托克(Bartak,1881~1945)及萧士塔高维契(Shostakovich.1906~1975)。
当今最具盛名的四重奏乐团阿玛迪斯弦乐四重奏(AmadeusQuartet),其为入门聆听的绝佳作品。
室内乐(chambermusic)
室内乐是一种较"严肃"的音乐,演出人数由二至十五人不等。
而其中组成的型态在各作曲家的作品中亦不一定,其中除了前介绍过的弦乐四重奏外。
还有钢琴三重奏(一小提琴、一大提琴及一钢琴)、小提琴与钢琴二重奏、大提琴与钢琴二重奏、弦乐三重奏(小提琴、中提琴及大提琴)、弦乐五重奏(既弦乐四重奏外,另加一中提琴或大提琴)、钢琴五重奏(既弦乐四重奏外,另加钢琴)、弦乐六重奏(小提琴、中提琴及大提琴各二)及木管五重奏(长笛、竖笛、法国号及低音管)等。
此外其它组合,则需视作曲家要求而定。
古典音乐的发展史
提到了古典音乐史,相信许多人都曾听过「巴洛克时期」、「古典乐派时期」、「浪漫乐派时期」以及「现代乐派时期」等等的名词。
这些都是西洋古典音乐史上各个时期的名称。
至于每个时期在时间上如何界定,综合各家的共同点加以整理后,可以得到一套多数人可以接受的区分方法。
这些区分法是这样子的:
A、古代(TheAncientPeriods):
?
~公元五百年
B、中世纪(TheMiddleAge):
公元五00年~一四五0年
C、文艺复兴时期(TheRenaissance):
公元一四五0年~一六00年
D、巴洛克时期(TheBaroqueEra):
公元一六00年~一七五0年
E、古典乐派时期(TheClassicEra):
公元一七五0年~一八二0年
F、浪漫乐派时期(TheRomanticEra):
公元一八二0年~一九00年
G、现代乐派时期(TheModernEra):
公元一九00年~?
巴洛克时期(TheBaroqueEra):
公元一六00年~一七五0年
「巴洛克」(Baroque)这个字是葡萄牙文,它原来是指「不规则」或「畸形」的珍珠,将这个字加以引申的话,则具有「怪异」、「夸张」的意思。
为什么这个字会被运用到音乐上呢?
原来在十八世纪末期,有些西洋艺术史学者以他们对古典派的审美标准,来回顾自十七世纪以来的艺术发展,他们觉得这一百五十年来的绘画及建筑作品,给予他们的印象是古怪而且过份地庞大,所以他们就以「巴洛克」这个字来代表这段时期的艺术风格。
而因为音乐也是艺术的一部份,后来就有人也把这个不太好的字眼,形容当时的音乐。
以今天的眼光来看巴洛克时期的音乐,我们会觉得它一点也不古怪,但因为「巴洛克」这个名称延用已久,似乎也没有人想为这个时期的音乐,另订更恰当的名称。
巴洛克时期,是西洋音乐史上最多彩多姿,也是最混乱复杂的时期之一。
在这个时期,音乐的发展是朝着好几个方向同时并进,乐曲的形式与构造也不断地在发展和演变,所以这个时期呈现出一个现象,那就是新、旧不同风格的音乐很明显同时并存。
今天回头来审视巴洛克时期的音乐发展,我们会发现,造成这种情况的原因,主要是在文艺复兴时期,复音音乐的创作手法已达到一个颠峰,进入巴洛克时期后,人们在求新求变的时代精神下,开始把文艺复兴时期已经开拓的乐曲样式逐渐加以变化,以求取更强的音乐表现力。
在当时,许多新的作曲技法被拿来实验和改良,所以巴洛克时期产生了许多新的曲式,例如声乐曲有歌剧、清唱剧及神剧;乐曲则有奏鸣曲、组曲及协奏曲等。
在这些新兴的乐曲形式中特别值得一提的,是歌剧的出现,一般相信现存最古老的歌剧是于一六00年上演于意大利的佛罗伦萨,由于歌剧是一项划时代的产品,所以「巴洛克」也就以歌剧诞生的这一年,来做为与文艺复兴时期的分界点。
除了新曲式的产生外,巴洛克时期的音乐特色还有以下几点:
1、数字低音的运用:
「数字低音」这个名词经常困扰古典音乐的新鲜人,令人无法明了它所代表的意义。
在巴洛克时期的曲目中我们经常可以看到XX(乐器)和数字低音的奏鸣曲(或协奏曲、组曲等)这样的名称,这使得许多人都以为数字低音是一项乐器,其实数字低音并不是其一种乐器的名称,而是一种作曲手法。
要解释什么是「数字低音」,可以先想象一下时下年轻人唱歌时用吉他伴奏的情形。
或许有人曾注意到,在他们唱歌的歌本上,除了旋律的简谱外,还有一些供吉他弹奏的和弦记号,这些记号的运用和巴洛克时期的「数字低音」在概念土是一样的。
巴洛克时期的声乐曲或合奏曲,习惯上是由风琴、大键琴或鲁特琴等可以奏出和声的乐器,或是由大提琴和低音管等低音乐器来演奏低音声部,而作曲家通常就用数字或记号来标示这些低音的上方应该奏出什么和声。
所以和文艺复兴时期相比较,巴洛克时期音乐的特色之一,就是「数字低音」的使用。
讲得更清楚一点,便是音乐已从复音音乐各声部平衡的构造,转变为分成了高音的「旋律声部」和低音的「和弦声部」。
2、调性系统的产生:
数字低音的应用在音乐上引起了新和声的观念,这个新的和声概念取代了以往复音音乐以对位法为基础的声部结合效果,这也就是说以和声理论为基础的大、小调音阶系统,在巴洛克时期逐渐成了音乐创作的主流。
3、乐曲的蓬勃发展:
前面我们在介绍文艺复兴时期的音乐发展时,曾经提到乐曲的主要发展是从十七世纪开始,原因之一是和巴洛克时期歌剧和神剧等戏剧音乐的发达有关。
因为歌剧和神剧的演出都必须运用到大键琴、风琴或管弦乐器,作曲家在创作歌剧与神剧时,无形中提升了对各种乐器音色以及演奏技巧的掌握,而这个难得的经验,使他们在写作乐曲时更加得心应手,原因之二则是巴洛克时期意大利北部克列莫纳这个地方,出现了诸如阿玛娣、瓜奈里及史特拉第瓦里等等的制琴家族,他们制造了大批优秀的各式提琴,大大地提升了弦乐器的表现力。
好的乐器加上当时一些优秀的演奏人才,自然也使得作曲家乐于去谱写器乐曲。
归纳巴洛克时期的音乐成就,我们可以说,巴洛克时期是西洋音乐史上一个承先启后的时代,巴洛克的作曲家们继承了文艺复兴的音乐遗产,并且将它改良创新而开创出一番新的局面。
有人认为,如果文艺复兴时期是西洋近代文明的蕴育期,那巴洛克时期就是近代文明第一次开花结果。
我们也可以说,巴洛克时期的最大音乐成就,在于它总结了西洋音乐史过去千年以来的音乐发展,并为后世开辟了一条新的道路。
复音音乐在这个时期虽然仍旧为人们所采用,但主调音乐很快地便占了上风,所以巴洛克时期也是西洋音乐史上一个重要的「转唳点」,今天人们尊称巴哈为「音乐之父」,主要原因正因为巴哈是巴洛克时期成就最高的一位作曲家!
古典乐派时期(TheClassicEra):
公元一七五0年~一八二0年
古典音乐的发展,在巴哈时代一过去,便进入了「古典乐派时期」,所以古典乐派时期就以巴哈逝世的一七五O年那一年做为起点。
此外,因为贝多芬晚期的作品显示出浪漫式的倾向,所以古典乐派就以一八二O年做为终点(贝多芬逝世于一八二七年)。
不过需要说明的是,虽然巴洛克与古典时期是以一七五O年为分界点,但是古典风格的形成,不像文艺复兴至巴洛克时期,以一六00年为分界点那么清楚,一般来说,从一七四O年至一七七O年左右是古典风格形成的一个过渡时期。
「古典乐派」这个名称,当然也是后人研究这个时期的音乐风格后才订出来的。
既然用了「古典」这两个字,那么这个时期的音乐所给予人们的感觉一定是「高尚」、「典雅」的啰!
一点都没错,古典乐派时期的音乐,与之前的巴洛克时期以及之后的浪漫乐派时期相比较,的确给予人相当明显的差异。
古典乐派的音乐通常都给聆听者一种单纯、明朗、优美、均衡的印象,这和巴洛克时期音乐华丽而且乐风复杂,以及浪漫时期音乐强调作曲家个人情感的宣泄,是很不一样的(当然并不是所有古典时期的音乐作品都不包含个人情绪,只是在程度上相较于浪漫时期是轻微多了)。
造成这种情形的主要原因是古典乐派的作曲家,受到了当时文学上古典主义精神的影响,所追求的是一种乐曲形式上客观的美感,所以古典乐派的音乐大都有着统一而且规律的性格。
归纳古典乐派时期的音乐表现,该时期的音乐有以下几项特色:
1、数字低音的舍弃不用:
前面我们才提到「数字低音」的使用是巴洛克音乐的特色之一,然而巴洛克时期一结束,数字低音这个名词也跟着走入历史。
到了古典时期复音音乐已经鲜少为人采用,这时几乎已是主调音乐的天下了,主调音乐的乐曲通常是由一个声部来担任主旋律,而由其它声部来担任伴奏。
在古典时期,作曲家们对于和声伴奏的部份,已不再像巴洛克时期是用数字来表示,然后再由数字低音的演奏者来即兴发挥。
这时期的作曲家对于曲调的和声部份皆已完整写出,并且安排各种乐器来担任,以增加不同音色的变化。
2、乐曲「渐强」与「渐弱」表现法的使用:
今天一般人可能对于乐曲渐强与渐弱的表现方式已习以为常,认为这是理所当然的事,但是这儿我们必须说明的是,这种表现方式是从古典时期才开始的。
在复音音乐的时代,由于复音音乐着重的是每一个声部地位均相同,各声部必须保持均衡,所以不容易有强弱差别很大的表现。
即使是巴洛克时期的主调音乐,虽然也强调独奏部与伴奏部之间力度上的强弱交替,以产生乐曲明暗的变化,但是巴洛克时期乐句强弱的对比,是以明晰的台阶式表现的,当时的人还没有将乐曲塑造成「渐强」或「渐弱」的概念,所以说乐曲渐强与渐弱的表现手法,是从古典时期才建立的。
3、奏鸣曲式的建立:
奏鸣曲这个名词在古典时期以前即已出现,但是最初的奏鸣曲不管在形式或含义上均模糊不清,当时这个名称主要是用在乐曲上,目的只是要与声乐曲做个区别。
但是到了古典时期,奏鸣曲经由D.史卡拉第、巴哈的儿子K.P.E.巴哈以及史他密兹等作曲家的努力,逐渐建立成一种乐曲形式,然后再由海登、莫扎特及贝多芬等人将之发扬光大。
为什么要特别强调奏鸣曲式建立这件事情呢?
主要是因为「奏鸣曲式」为古典时期乐曲最常采用的曲式结构。
举凡独奏奏鸣曲、交响曲、室内乐曲及协奏曲等等今天爱乐者最常聆赏的乐曲形态,都是依循奏鸣曲式来创作的,而且此一重要的曲式也被后来的浪漫乐派所延用。
奏鸣曲式既然那么重要,那到底什么是奏鸣曲式呢?
奏鸣曲式是一种由两个相对的主题,以呈示部、发展部和再现部的程序进行发展的曲式。
这样子的定义虽然很简明,但是对于古典音乐的入门者而言,恐怕还是不太容易了解,在这儿
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