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外国美术史笔记

古埃及美术的特点：

埃及是古代奴隶制专制国家的典型代表，具有从法老到大臣、平民、奴隶这样一个等级森严的金字塔型社会结构，埃及艺术是为法老和少数贵族服务的，作用是歌颂王权，巩固奴隶主国家的政权，强调等级制度。

其重要特征是，法老为自己建造陵墓、庙宇、雕凿巨像。

宗教对埃及艺术产生了重要的影响，埃及人都是虔诚的宗教徒，甚至法老也必须借助宗教力量来通知国家，埃及人相信“灵魂不灭”，认为人死后，灵魂仍存于尸体，所以埃及人对尸体的保存特别关心而产生木乃伊，美术史家有把埃及艺术称为“来世艺术”。

由于埃及的地理环境原因，使得文化发展上的单一状况。

希腊古典时期的美术：

这一时期是希腊艺术的繁荣期，艺术的个门类都取得了巨大的成就，其中尤以建筑和雕刻对后世影响最为深远。

建筑：

古典时期的围柱式建筑的各部份开始形成固定格式和比例，总的趋向简练合理。

这一时期最突出的代表是雅典卫城建筑群。

是希腊人为纪念他们在希波战争中的胜利而建的。

其主要建筑是献给雅典娜女神的巴底农神庙。

是典型的长方形围柱式建筑，人字形坡顶，他的柱子采用了利亚式，东西三角楣有高浮雕装饰带，建筑结构和装饰因素、内容和形式却得了高度的统一，是世界艺术史上最完美的简述典范之一。

雕刻：

古典时期的雕刻已完全摆脱古风时期的拘束和装饰性，产生了写实而理想的人体，达到了希腊雕刻艺术的鼎盛时期，次时的希腊雕刻形成了理想化的脸型：

椭圆形的脸、直鼻梁、平展的额头、端正的弧形眉、扁桃形的眼睛，嘴唇微微鼓起，下唇比上唇丰满，嘴角微微下垂，发髻刻成有组织的波纹，人物表情宁静严肃。

古典初期以米隆为代表，他的作品造型准确，对人体的骨骼和肌肉运动有较深的理解和传达，代表作为《掷铁饼者》，在次件作品中米隆解决了人体重量落在一只脚上的中心问题，使另一只脚可以自由曲伸，改变了雕刻中直立的程式。

古典盛期以最伟大的雕刻家菲狄亚斯为代表，他设计了雅典卫城建筑，创作了卫城中的大量雕刻和装饰浮雕。

他的作品创造了典雅、静穆的形象，是古典雕刻的理想美的典范。

代表作是雅典娜女神和巴底农神庙东西三角楣所创作的高浮雕，被当做古典雕刻最完美的标本。

古希腊美术繁荣的原因：

古希腊是欧洲文化的发源地，古代希腊人在科学、哲学、文学

、艺术上都创造了辉煌的成就，对欧洲文化的发展产生了深远的影响。

希腊艺术的形成、发展与其社会历史、民族特点、自然条件有着密切的关系。

城邦国家的奴隶主民主政体为文化艺术的发展提供了有利的条件，城邦国家要求公民具有健壮的体格和完美的心灵，希腊艺术中的理想形象就是既有典雅宁静的气质，又有运动员一样的体魄。

贸易和航海业的发展使得希腊人接触两河、埃及等地区文化的机会，因而孕育了一大批最优秀的艺术家，希腊神话是希腊艺术的土壤，它孕育着历史和哲学观念的萌芽。

温和的希腊气候使希腊人有广阔的露天活动和运动场所，运动员的裸体竞技为艺术家提供了塑造健美人体的条件，使他们对于人体美有较早的领悟和表现，正因为在这样的大环境下，希腊美术得以发展、繁荣，给人类文化宝库留下了最珍贵的遗产。

古风的微笑：

古希腊古风时期开始出现了大型圆雕和建筑装饰雕刻，但雕像仍多处于正面的呆板、僵硬阶段，显然还受埃及程式化的影响，但又不及埃及雕刻成熟。

人物直立相一根柱子。

女性的衣纹刻成一根平行线。

为追求生动的表情，人物脸部都带有微笑的表情，这种千篇一律的笑容被称为“古风的微笑”。

古希腊美术与古罗马美术之间的区别：

希腊在公元前1世纪被罗马吞并，罗马人虽然征服了希腊，但在文化上却又被希腊人所征服，罗马人是希腊艺术的崇拜者和摹仿者。

希腊艺术对罗马产生了重大的影响，但由于不同的社会环境和民族特点，罗马艺术也有其不同于希腊美术的独特之处。

罗马人是一个冷静、务实的农业民族，所以具有写实和叙事性的特征，而希腊则是充满浪漫主义色彩和幻想的成分，罗马艺术风格不像希腊单纯，而是渊源复杂的，既受到伊达拉里亚美术的影响，有吸收了希腊、埃及、两河地区文化的影响。

希腊艺术主要用于敬神，围绕神庙和祭祀、纪念活动进行创作，带有理想化的色彩。

罗马人的艺术则大多是以给帝王歌功颂德、满足罗马贵族奢侈的生活需要为目的。

雕塑上希腊人强调的是共性和民族精神，而罗马人要求的是个性特征鲜明的肖像。

在建筑上希腊主要是神庙和剧院建筑，而罗马除了这些外，还有各种类型的实用性和纪念性建筑，他们在技术上首先开始运用三合土，在结构上广泛采用各种拱券。

总之，希腊和罗马艺术可以这样概括比较：

希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调个性的、典雅精致的；罗马艺术是实用主义的、享乐主义的、强调个性的、宏伟壮丽的。

古罗马时期的艺术特征:

希腊在公元前1世纪被罗马吞并，此后，古代世界的文化中心从希腊转移到了罗马。

罗马艺术总的艺术特征是实用主义的、享乐主义的、强调个性的、宏伟壮丽的。

分别：

1、罗马人是一个冷静、务实的农业民族，他们的艺术具有写实和叙事性的特征；2、其艺术渊源复杂，既受了伊达拉里亚美术的影响，又吸收了希腊、埃及、两河流域地区文化的影响；3、罗马人的艺术大多是以给帝王歌功颂德、满足罗马贵族奢侈的生活需要为目的的；4、罗马人的雕刻艺术要求是给个性特征鲜明的肖像，艺术家不仅满足于外形的逼真，而且注重人物个性的刻画；5、在建筑上罗马人取得了独特的成就，他们在技术上首先运用三合土，在结构上广发采用各种拱券，在建筑类型上比希腊更为丰富。

结合罗马竞技场，述古罗马建筑的艺术特色：

建筑是罗马美术的主要成就，而建筑中占主要地位的是体现国家强大以及歌颂独裁者的大型公共建筑，罗马人最杰出的成就表现在市政工程方面，他们修筑了各种类型实用性和纪念性的建筑如：

规模浩大的道路、水道、桥梁、广场、公共浴池、圆形剧场、凯旋门和集会场等设施。

他们在技术上首先开始运用三合土，在结构上广泛采用各种拱券，罗马人在建筑的空间处理、节约材料、耐久使用和美观等方面都作了有价值的探索，为以后西方的建筑艺术奠定了基础。

其中万神殿是拱券建筑的杰出代表；君士坦丁凯旋门和图拉真纪念柱是古罗马纪念性建筑的代表。

科洛西姆竞技场代表了罗马建筑的顶峰。

它是罗马最大的椭圆形竞技场，可容纳5600多人，设计者巧妙地安排了一系列环形拱和放射状拱，对观众的座席和通道都做了精心的安排。

竞技场共有4层拱门，1～3层分别是多利亚式、伊奥尼亚式、柯林斯式三种柱式装饰拱券门，第四层是有饰有半圆柱的围墙。

竞技场的形制对现代体育场建筑产生了深远的影响。

拜占庭美术的主要成就：

公元前330年，君士但丁大帝迁都拜占庭，罗马帝国的政治中心就开始向东迁，君士但丁堡不但在政治上超过西方，而且也成为艺术上的中心。

拜占庭帝国的基督教文化是政教合一的产物，为宗教和王权服务，因此拜占庭艺术形象总是威严庄重、动人心魄的。

拜占庭的主要艺术成就是建筑和镶嵌画，拜占庭的建筑继承罗马风格，早期教堂建筑主要沿用罗马陵墓圆形或多边形的平面结构和万神庙式的圆穹顶，穹顶结构被加以变化，形成由大小不同的穹顶连续构成开阔高大的内部空间的特殊形式，至中后期，四边侧翼相等的希腊十字式平面取代了圆形、多边形式，成为教堂布局的主要模式，穹顶被沿用下来，成为控制内部空间和外部形象的主要因素，圣索菲亚大教堂是拜占庭艺术中最辉煌的成就之一。

镶嵌画在拜占庭艺术中占有特殊的地位，这种小彩色玻璃和石子镶嵌而成的建筑装饰画，成为教堂内部装饰的主要形式。

此时期最著名的镶嵌画在意大利拉文纳的圣维他尔教堂的《查士丁尼皇帝和廷臣》、《皇后提奥多拉和女官》。

什么是罗马式美术：

罗马式美术本身就是一个极其复杂的概念，在欧洲相当长的一段时间里，人们将哥特艺术以前的所有艺术都称之为“罗马式”，“罗马式”有那么几点是可以肯定：

10世纪西欧经济水平提高，封建制度稳固；十字军东征和大规模的传道活动扩充了教会的势力和影响；经济的发展和宗教的狂热使新的教堂和修道院层出不穷，为了追求更加壮丽的效果，这些建筑普遍采用类似古罗马的拱顶和梁柱结合的体系，并大量采用希腊罗马时代的“纪念碑式”雕刻来装饰教堂，应此这个时代的风格被称为“罗马式”。

罗马式艺术还有许多不太明显的外来影响：

古希腊时代的古典艺术，早期的基督教、伊斯兰教、拜占庭和克尔特—日耳曼传统，所有这些风格在11世纪融合在一起。

罗马式建筑分布在天主教盛行区：

从西班牙的北部到莱茵河地区，从英国到意大利北部。

具有代表性的建筑有；圣赛尔南大教堂（法国）、杜勒姆教堂（英国）、比萨教堂（意大利）。

结合具体作品，试析哥特美术的特点：

意大利文艺复兴学者将12、13世纪到他们之间的艺术称为“哥特式”。

哥特艺术发展重点从追求建筑的效果而转向绘画的效果。

哥特艺术开始于巴黎及其附近。

始于苏热重修圣德尼教堂之时。

这次改建首次系统地应用了以肋穹结构为基础的新建筑体系，圣德尼教堂内部有双层回廊，但这并不使内部显得拥挤，相反，细长的拱门、肋架和支持拱顶的圆柱使其格外通畅、轻巧。

这轻巧首先表现在彩色玻璃窗户已扩大到正面墙，其次是内部结构在形体上优雅而富有韵律。

之所以如此是因为建筑师在玻璃窗外面修了一道扶墙，分担了拱顶向外的冲力，由于负重区域被挪到教堂外部，内部也就更轻巧、空旷了。

苏热在重修教堂强调严谨的几何形造型和对于明亮光线的追求。

巴黎圣母院是最著名的哥特式建筑，也包含了哥特式建筑的特点：

塔楼（应该是尖顶）、大花窗、空灵，叠门立柱、大窗花、飞檐扶壁、“向上高升”等。

巴黎圣母院的西面工程也别具一格，各个部分在比例关系和组合方式上极为成功。

最能反映哥特式艺术雕刻成就的是法国的夏特尔教堂。

哥特雕刻具有写实特征，雕刻人物通常有安静、严肃的表情和不断增加的体积感。

同时反映出中世纪艺术走向世俗化和现实性方向。

哥特绘画发展较缓慢，主要体现在手抄本圣经插图和大批的彩染玻璃上。

比较罗马式教堂和哥特式教堂的差异：

欧中中世纪人们将哥特艺术前的艺术都称之为“罗马式”，代表教堂有：

圣赛尔南大教堂、杜勒姆教堂、比萨斜塔。

意大利文艺复兴学者把12、13世纪到他们之间的艺术称为“哥特式”。

代表教堂有：

圣德尼教堂、巴黎圣母院、夏特尔教堂。

哥特式教堂和罗马式的区别：

1、后者有着结实而厚重的墙壁，而前者具有轻盈、纤细的结构。

罗马式教堂建有沉重的拱顶，其稳定性取决于足够厚实的墙壁，以支撑各种各样的压力和应力。

哥特教堂的设计者们开始采用尖券和肋拱来减轻拱顶的重量，它们比半圆形的拱顶更为稳固，并能够跨越各种形状的开间，在肋拱间填以很轻的石片和纤细的墩柱便可支撑拱顶的重量了。

2、在罗马式教堂中，窗户总是很小，而哥特，窗户的尺寸大大增加了，允许空前规模地采用彩色玻璃画。

3、哥特教堂的平面遵循了带有呈放射状分布的礼拜堂和后堂回廊式型制，但这些礼拜堂不再像早先建筑那样呈孤立的单元。

礼拜堂间的墙被除去了，造成了一种统一的空间效果，两排呈半圆形排列的承重圆柱对统一的空间进行分节。

昏暗的罗马式室内被宽敞、开放、充满各色光线的结构所取代。

什么是文艺复兴：

文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。

“文艺复兴”的原义是“在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴”其变化的思想基础就是关怀人，尊重人，以人为本的世界观。

这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文化的发掘而得以建立的。

在经历了封建教会势力的1000年统治后，人们开始挣脱精神上的束缚与奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视，并成为驱散中世纪的黑暗，建立新型的资产阶级文化的重要武器。

资本主义生产方式的出现不仅动摇了中世纪的社会基础，也确立了个人价值，并在这个基础形成了与宗教神权文化相对立的思想体系——人文主义，人文主义肯定人是生活的创造者和主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，人文主义的学者和艺术家提倡人性反对神性，提倡人权反对神权，提倡个性自由以反对人身依附。

文艺复兴时期的美术就是这个基础上发展起来的，文艺复兴运动首先发生在意大利佛罗伦萨。

米开朗基罗《最后的审判》的艺术特色：

这幅祭坛画是其晚年重要的作品，花费了六年时间，画于西斯庭礼拜堂。

是他对人生的总结，也是对历史的裁判。

壁画构图的处理与构思取得了一致，构图并未突出明确的秩序与结构，而强调一种自然的安排。

此作品的成功和伟大之处在于从人与人的相互关系中产生了统一的人的集体形象，而色彩巧妙的使用又使壁画具有了戏剧性的紧张。

米开朗基罗艺术中的悲剧性是以宏伟壮丽的形式出现的，他塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反映。

正是在他的艺术里，文艺复兴时期的人文主义理想得到了全面而鲜明的表达，因为他有意、无意地流露出人文主义思想的核心，即人的主动性与积极性作用以及人建功立业的能力，所以米开朗基罗的艺术几乎成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

达.芬奇《岩间圣母》的艺术特色：

达.芬奇是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一。

这幅画是他在米兰期间所创造的重要作品之一。

这幅画中，达.芬奇是使用了明确的几何结构来安排人物，即人物被框进了一个等腰三角形，他的这一作法为当时盛行的金字塔形构图奠定了基础。

同时他又用天使与婴儿来加重右下角的分量，并通过左上方的光源使整个画面得以平衡，像这样在复杂的动态中取得平衡的手法为后世艺术家广泛运用。

另外由于重叠山岩而显得柔和的光线不仅使形的塑造得以深入，也使整个形象具有了独有的诗意的光晕。

拉斐尔绘画风格：

拉斐尔是意大利文艺复兴盛期的艺术家，他的画面上始终洋溢着明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感。

其中以《雅典学院》为其最辉煌的作品，无论是从内容还是从形式上来看，此幅作品都标志着人文主义思想在文艺复兴时代美术中的最终胜利，也标志着人文主义思想与古希腊、罗马文化的密切联系。

拉斐尔是描绘女性形象的大师，他笔下的圣母是美丽的平民妇女形象，在她们身上体现出慈爱、善良、温顺的高尚品质，引起人们对生活的憧憬，拉斐尔与达.芬奇、米开朗琪罗的不同之处在于他以优美的、诗一般的绘画语言体现了人文主义的理想，他对美的孜孜不倦的追求对后世产生了巨大的影响，他所确立的美的样式成为后来学院派古典主义的标准之一。

意大利文艺复兴盛期美术的主要成就：

15世纪末到16世纪初是意大利文艺复兴的全盛时期，艺术中心从佛罗伦萨转移到罗马，并吸引了大批艺术家、思想家到罗马工作，在艺术上形成了以罗马为中心的罗马画派，其中以达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为三杰的成就为代表。

达.芬奇是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，他的天才不限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质学等方面都有反映。

达.芬奇善于画人物性格特征及内心世界，深入研究透视法、色彩和构图。

《岩间圣母》一画中，使用明确的几何构图来安排人物，这以作法为当时盛行的金字塔形构图奠定了基础，《最后的晚餐》把所有人的性格都生动地从他们的行动和手势中表达出来，使每个人物均具有充分表现力的同时，不时画面凌乱、分散。

米开朗基罗作为雕塑家和画家以艺术作品上倾注了自己满腔悲剧性的激情。

其人物雕像宏伟健壮、气魄宏大、充满无穷的力量，《大卫》是一个充满了愤怒和力量的青年人，这种力量也是人文主义者向往的自由的人所具有的潜力，因此，该作品成为复兴时代英雄的象征。

《创世纪》表现出他在绘画上的独创性，通过神的题材表现人的伟力。

拉斐尔的主要成就（见简答）

什么是威尼斯画派：

威尼斯画派的创始人被认为是乔万尼.贝利尼。

威尼斯15世纪成为地中海沿岸最大的商业中心，实行贵族共和制政体，整个城市充满了繁华的世俗气氛，后半期美术题材就从宗教转向了世俗。

世俗题材使他们把目光转向美丽的自然风光，舒适豪华的生活也带来一种享乐主义情调。

威尼斯画派的艺术家对色彩特别敏感，他们追求色彩热烈明朗与辉煌灿烂，由于威尼斯气候潮湿，使得湿壁画的创造被扼制，而画于画布上的油画得到发展。

油画的优越性还在于它能最充分、最得心应手地来揭示客观的色彩与色调的充实丰满。

威尼斯派的代表画家有乔尔乔纳、提香、丁托列托。

威尼斯画派产生的背景及主要成就：

产生背景：

威尼斯在15世纪成为地中海沿岸最大的商业中心，实行共和制政体，整个城市充满了繁华的世俗气氛，后半期美术题材就从宗教转向了世俗。

这里的艺术家对色彩特别敏感，世俗的题材使他们把目光转向美丽的自然风光。

威尼斯艺术发展的特殊性。

玻璃画、镶嵌画中极具装饰性的色彩感受与丰富的世俗生活发生了冲突，这使得威尼斯画派转而追求色彩的热烈明朗与辉煌灿烂。

其次，由于威尼斯气候潮湿，使得湿壁画创作被扼制，而画于画布上的油画得到发展。

油画的优越性在于它能最充分、最得心应手地揭示可观的色彩与色调的充实丰满；也能更加灵活地表现画面上的光线、色彩与空间的细小差别；并能更加柔和、更加明确地塑造人物形体。

主要成就有被认为是威尼斯画派的创始人——贝利尼在15世纪末形成自己的风格，注重风景的描写，把自然景色诗意化，使作品充满宁静和淡雅的情调，其晚期开始大胆采用外光，色彩变得明朗鲜艳，流畅的线条富于音乐性，这种和谐优美的基调促进了威尼斯画派的形成和发展。

另一成就是提香的绘画。

提香的作品显得壮丽、热情、富于想象，色彩强烈，用笔奔放。

其早期的作品仍能感到牧歌式的情调、柔和的形体塑造、宁静的色调等，其晚年的作品所要解决的问题是进一步深入地理解色调的相互关系与明暗的规律，日益完善造型处理上的笔发运用于色彩安排，绘画的色彩和谐问题以及不拘绳墨的笔触表现问题。

其绘画的色彩方向对后世影响较大。

文艺复兴时期尼德兰美术的特点：

中世纪的尼德兰包括现在的荷兰、比利时、卢森堡以及法国北部的一些地区，由于地理条件优越，是当时欧洲资本主义经济发达的地区，因此文艺复兴时期尼德兰美术也取得了辉煌的成就。

由于雕刻作品现存极少，在15世纪尼德兰美术中绘画方面成就便显得非常突出，尼德兰画派的艺术家们创作了大量的祭坛画与独幅木版画。

因为尼德兰美术脱胎于中世纪的哥特式艺术使得尼德兰文艺复兴初期的绘画有比较浓郁的宗教气息，总的绘画倾向是：

严肃、静穆，人物形象不够生动自然。

另一方面，尽管这些作品大多表现了传统的宗教题材，却由于画家对描写世俗生活和周围环境的兴趣大大增长，作品中便不时体现出现实主义倾向，其中以扬.凡.埃克和勃鲁盖尔为尼德兰文艺以复兴时期代表画家。

扬.凡。

埃克的《阿尔诺芬尼夫妇像》的特点：

这是画家在尼德兰文艺复兴时期的一副作品，是一副新婚夫妇的全身肖像画，也可以视为一幅出色的风俗画，画家精心刻画了一对现实生活中的人物，他们宣誓对婚姻信守忠诚，表现了他们的内在情感，也表现了当时市民阶层的道德观念，虽然扬.凡.埃克的大部分作品是宗教画，他却突破了宗教画的传统技法，非常重视对人物性格与心理的刻画，非常注意写实，细心研究了光和色的表现，还对油画方法做了重要改进，在他的笔下展示了现实世界丰富多彩的景象和现世人生的生活，冲破了中世纪的禁欲主义，体现了认为主义观念，为尼德兰文艺复兴开辟了道路。

德国文艺复兴时期的美术特点：

德国文艺复兴发端于15世纪，在德国美术史上将1420年左右到1540年这段时期称为文艺复兴时期。

这个时期许多艺术家对人的生活环境和生活现象表现出关切，热心于描绘自然风景，人物的造型则强调真实感，凡此种种都反映了文艺复兴时期人文主义者肯定现世生活、肯定人性、歌颂大自然的倾向。

以《基督履海》为代表则在欧洲祭坛画中第一次画了实景，而且特别注意表现光的变化，以及水中倒影。

德国文艺复兴时期肖像画与风景画开始作为独立画科出现，特别是版画达到了当时欧洲的最高水平。

在德国出现了一大批杰出的艺术家，为造就这个时代的艺术做出了不朽贡献，他们与时代同步，相当广泛地参与社会生活，因此，德国文艺复兴时代的美术作品以深刻而严肃著称。

其中以伟大的艺术家丢勒为该时期的代表。

什么是枫丹白露画派：

枫丹白露画派是法国文艺复兴时期活跃在法国宫廷的美术流派。

是国际样式主义绘画的重要组成部分，分别以法王两次修建巴黎郊外的枫丹白露宫为契机形成了枫丹白露画派，枫丹白露派画家由来自意大利的画家罗索、普里马蒂乔等人与法国画家卡隆、雕刻家古戎和彼隆等人合作，他们融合了意大利样式主义与法国本土哥特传统，在宫廷内外的装饰上形成了一个风格性很强的艺术流派。

他们设计和参与制作的壁画、挂毯、浮雕以及各种各样的装饰品是如此精美，以至于连意大利都为之黯然失色。

罗索独出心裁地设计出一种将壁画和灰泥边饰结合在一起的新形式。

作为壁画边框，围绕中心画面灰幔和高浮雕人体不在单纯起装饰作用，而是对画中含义的补充。

他们使画面向四周扩展开来，有时甚至把两侧的窗户也包纳其中。

其中古赞父子是枫丹白露画派中享有盛誉的画家。

卡拉瓦乔的艺术成就：

卡拉瓦乔是16世纪末17世纪初意大利现实主义最主要的代表人物。

卡拉瓦乔主义在当时影响了整个欧洲，把现实主义艺术推向了一个新的阶段。

具有鲜明民主主义思想色彩的卡拉瓦乔艺术的产生与当时意大利的动荡时代有关。

卡拉瓦乔在绘画上的最大成就是他对光的捕捉和描写，他熟识影对人和物产生的效应，故而强化明暗的对立关系。

卡拉瓦乔是一个叛逆和革新者，他把目光对准下层，专门画那些被侮辱、被损害者的形象；同时他对自己所处的社会抱有批判和怀疑的态度，而他的这种怀疑与批判被一些人看作是叛逆的表现，所以人们把他看作是“不合群的人”。

其《多疑的多哈》表现出了他是多么大胆地在怀疑和批判当时的那个社会。

卡拉瓦乔对宗教画的理解是：

应该把流浪汉、农民、渔夫的形象引进神圣的教堂。

这种把宗教题词世俗画的观点在当时无疑是有进步意义的。

祭坛画《使徒马太和天使》，《基督下葬》等都把宗教的神平民化了，卡拉瓦乔被誉为推开17世纪艺术大门的人。

巴洛克艺术的特点：

巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格，名称由来，说法不一，总的来说这个名称在当时含有贬意，是18世纪古典主义艺术理论家对于上一世纪一种艺术风格的称呼。

巴洛克艺术最早产生于意大利，为教会服务，被宗教利用的。

其特点有：

1、它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；2、它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；3、它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；4、它是很关注作品的空间感和立体感；5、它综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合；6、它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；7、大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向。

巴洛克艺术的代表是艺术大师贝尼尼。

代表作《大卫》。

贝尼尼的雕塑艺术特色：

贝尼尼是意大利巴洛克风格中最著名的雕刻家、建筑家、画家。

贝尼尼塑造的人物雕塑总是处于激烈的运动中，给人以一种轻快、活泼和不安的感觉。

其中《大卫》着重表现了运动中的人体和不可遏制的激情，《普鲁东抢劫珀尔塞福涅》生动地表现了力量和运动，也富有空间感。

在贝尼尼转折时期，创作了一件把建筑与雕刻结合在一起的青铜华盖，显示出巴洛克艺术的综合性、豪华性、装饰性、戏剧性等特点。

标志贝尼尼雕刻达到顶峰的作品是圣德列萨祭坛。

在这件作品中，贝尼尼体现出人文主义的思想。

它反映了人的尊严、理想和对美好生活的追求和渴望。

其晚期的作品则越来越显示出一些程式化的倾向，有时为了表达多余的热情，动作过分夸张。

而人文主义色彩淡薄了，现实主义的因素也减少了，更多的是宗教神秘色彩。

虽然在创作技巧达到了炉火纯青的地步，然而不少作品已缺乏生气和创新。

巴洛克与洛可可的区别：

巴洛克风格的主要特色是强调力度、变化和动感，强调建筑绘画与雕塑以及室内环境等的综合性，突出夸张、浪漫、激情和非理性、幻觉、幻想的特点。

打破均衡，平面多变，强调层次和深度。

使用各色大理石、宝石、青铜、金等装饰华丽、壮观，突破了文艺复兴古典主义的一些程式、原则

洛可可风格的总体特征是轻盈、华丽、精致、细腻。

室内装饰造型高耸纤细，不对称，频繁地使用形态方向多变的如“C”“S”或涡券形曲线、弧线，并常用大镜面作装饰，大量运用花环、花束、弓箭及贝壳图案纹样。

善用金色和象牙白，色彩明快、柔和、清淡却豪华富丽。

室内装修造型优雅，制作工艺、结构、线条具有婉转、柔和等特点，以创造轻松、明朗、亲切的空间环境

17世纪荷兰美术发展的主要成就：

荷兰画家勇敢地挣脱了千余年以来神话和宗教题材的束缚，而把现实生活作为艺术创作的源泉，绝大多数画家都以现实生活为题材，新兴的资产阶级和中下层平民开始成为绘画中的重要角色，绘画艺术反映现实生活的深度和广度也大为增加，