西方绘画艺术流派及作品鉴赏.docx
- 文档编号:10512360
- 上传时间:2023-02-17
- 格式:DOCX
- 页数:90
- 大小:1.02MB
西方绘画艺术流派及作品鉴赏.docx
《西方绘画艺术流派及作品鉴赏.docx》由会员分享,可在线阅读,更多相关《西方绘画艺术流派及作品鉴赏.docx(90页珍藏版)》请在冰豆网上搜索。
西方绘画艺术流派及作品鉴赏
西方绘画艺术流派及作品鉴赏—高震波整理
一、国际哥特主义
概念定义通常被称作国际哥特式的,是1375—1425年期间流行于西欧的哥特艺术的一个优美的变体。
但无论是哥特艺术还是国际哥特主义,都以其强调装饰、图案和色彩为特征。
主要特征高贵的,理想化的,仪式的,神性的
国际哥特式起源于一般的哥特式风格,哥特式艺术追求装饰效果,而不是旨在向人们表现居住在“真实”空间中的印象。
在各种形式的哥特式艺术中,大小和比例上的扭曲是非常普遍的。
哥特艺术最典型的特征是中心形象(如国王、王后、基督或童贞女玛利亚)相比次要形象往往要更大一些,在国际哥特式艺术的鼎盛时期,这种风格结合了装饰设计、丰富的色彩和诗歌式的的细节,但也经常会伴随着镀金材料的过度使用。
国际哥特式艺术的主题往往是宗教的,并且集中在表现天堂的壮观景象、人间聚会以及末日审判。
其世俗主题通常是理想化或模式化的,集中于一些高贵的行为,比如狩猎或者阅读金银装饰书。
代表人物弗拉·安杰利科;雅各布·迪乔内;法布里亚诺·达·秦梯利;林堡兄弟;洛伦佐·莫纳科等。
弗拉·安杰利科,是意大利画家,约1420年左右进入修道院。
安杰利科在出家之前,他为教堂作画,出家后也以画著名。
现存最早作品是1429年完成的祭坛画《圣彼得殉教》,风格比较保守。
安杰利科的优美的画,是以前从未看到过的一种作品。
在他的画中,有温柔的抒情,这也可以认为是文艺复兴期的自由主义的一种表现。
诚然,他画的题材,几乎都是有关基督教的。
这是一幅14世纪末、15世纪初盛行于意大利的板上油画。
画家贝亚托·安杰利科(1387-1455年)通过对坐着的圣母玛利亚和直立在她膝盖上的圣婴耶稣的描绘,展露了画家全部的灵性、亲切和虔诚,使他成为那个时代无法被超越的优秀画家之一。
《圣母玛利亚和圣子》贝亚托·安杰利科的真实名字是弗拉·乔瓦尼·达·菲埃索累,他的艺术生涯初露锋芒始于微缩画。
他仿效旧抄本中的一种绘画技术,注重对人物丰富的恼怒和担忧的细节描述,因此对每个局部都处理得非常细腻。
这幅画被历代画家和学者视为精致、纯洁和灵修的典范。
林堡兄弟
林堡兄弟有三人,包括Herman、Jean、Paul,他們是法蘭德斯人,但都定居在法國。
他們也到過義大利,因為在他們的作品中許多主題,甚至於整個構圖,都是從托斯卡尼大師們的作品中借用而來的。
他們最傑出的作品是由法國皇帝的弟弟德.貝里伯爵﹝DucdeBerry﹞贊助而製作的一部手抄本《最美時禱書》﹝LestresrichesheuresduDucdeBerry﹞,這本手抄本也是國際哥德式風格中最傑出的作品。
在這本《最美時禱書》中最突出的插圖就是月曆圖,這個月曆包括一年十二個月中人與自然在一起生活的狀況。
這一連串的繪畫原來一共有十二幅,畫中的人物都在作合於季節的勞動,在中古藝術中,這些勞動已經成為一種事實的傳統。
林堡兄弟將許多細節湊在一起,成為人類在大自然生活的鳥瞰。
譬如二月份的月令圖以一種非常可愛充滿抒情的氣氛來描寫陰沈沈冬天農村的生活,這是西方藝術中第一幅雪景。
在這幅畫中有一群羊擠在草堆中,一些飢餓的鳥在農場上找尋食物,還有一位少女正用熱氣吹著凍僵的手,她一路趕著要到她同伴聚合的暖和的茅屋裏。
圖中間部分有一位村民正在砍一棵樹作為燃科用,另外一位在趕一頭背著很多東西的毛驢,他們朝向遠方山中的房子走。
二、文艺复兴
文艺复兴(Renaissance)是指发生在14世纪到16世纪的一场反映新兴资产阶级要求的欧洲思想文化运动。
“文艺复兴”的概念在14-16世纪时已被意大利的人文主义作家和学者所使用。
当时的人们认为,文艺在希腊、罗马古典时代曾高度繁荣,但在中世纪“黑暗时代”却衰败湮没,直到14世纪后才获得“再生”与“复兴”,因此称为“文艺复兴”。
文艺复兴的艺术有一个显著的特点:
现实与人文。
文艺复兴所有的创作大都围绕着这个主题。
这包括了人的感观,人的信仰,人的性欲,以及人的世界观。
这时期的作品都要求打破封建神权,打破封建的禁欲主义。
打破封建制度对人精神甚至是肉体的封锁。
这时期有很大部分的作品以宗教为主,许多评论说是借宗教作为盾牌。
我反对这种说法,对西方世界稍有认识的人都知道,宗教信仰在西方是占据着他们很大一部分的生活。
文艺复兴时期的宗教艺术,归根究底可以说是一种人的宗教艺术,而不是封建制度下教会的宗教艺术。
而文艺复兴时期艺术技法上的特点,主要体现在以写实传真为首务,开创了基于科学理论和实际考察的表现技法,如人体解剖和透视法则等。
在风格和技法上更注重色彩的协调和自然,不拘一格。
在建筑艺术方面,它以恢复古典建筑传统为首任,同时着重探讨建筑美感的理性法则。
代表人物:
乔托·达·芬奇拉斐尔米开朗基罗波提切利
乔托(Giotto,约1266—1337)是佛罗伦萨画派的创始人,也是文艺复兴的先驱者之一。
乔托的艺术是中世纪与文艺复兴的分界线,他不仅表现出卓越的绘画技巧,同时也奠定了文艺复兴艺术的现实主义基础。
《逃亡埃及》《圣经》中说,东方三博士得知人类未来的救世主耶稣诞生,即前往耶路撒冷朝拜,以色列希律王得知后甚为恐惧,立即下令将耶稣诞生地的伯利恒地区所有男婴全部杀死,借以灭掉耶稣根除后患。
上帝托梦于耶稣义父约瑟,赶快将圣母玛利亚和刚出生的耶稣带往邻国埃及避难,乔托描绘的正是这一情节。
在这幅画中乔托完全抛弃了中世纪的清规戒律,画中人物有着健壮而结实的身体,充满世俗的人情意味。
我们所见情景,就是现实生活中的母亲抱着孩子骑在驴背上,在丈夫引导下和同路人在乡间山道上行进,这是一幅活生生的世俗画面。
画家把神请到了人间,将神变成人
《哀悼基督》是乔托在1305年至1306年为意大利帕多瓦的阿雷那礼拜堂所作的装饰壁画之一。
此画表现了基督遗体即将下葬时的情景,除人物具有浓厚的人情味外,构图也突破了中世纪平面而抽象化的程式,以左下角的基督与圣母为焦点核心,展开了一个表现心灵与情感的动人场景。
位于构图中心的圣约翰,在绝望与悲痛中向后伸展双臂,向人们展示出那几乎已经被停止使用了1000年的透视法,尽管此时乔托其实并不太了解解剖与透视的规律。
按贡布里希的讲法,乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。
他用短缩法,明暗造型,衣褶中的阴影,使人物给我们圆雕感、重量感。
这幅《哀悼基督》把场面戏剧性地表现出来,人物的目光和动作、斜向的矮墙都把观者的眼光引向基督;圣约翰躬身向前,两臂分开,这样激情的举动打破了以往绘画中的程式化表现;每一个人物的动作和表情都令人信服地传递出一种哀痛之情,即使背对我们的人也是如此;画面具有明显的空间层次感。
如果结合中世纪的艺术就能看出乔托这些处理之于艺术发展的重要意义。
这是《圣经》中犹大出卖主的故事:
希律王决心灭掉神子耶稣,以重金招示,捉拿耶稣。
在耶稣的12个门徒中有个叫犹大的,在重金诱惑下出卖了老师。
希律王派来的法利赛人说不认识耶稣,犹大献计说:
当我走近一个人并与他接吻时,他就是耶稣。
因此,犹大的吻是出卖主的暗号,罪恶的吻。
画家用戏剧性手法,将矛盾尖锐对立的双方置于画面的视觉中心,其余人物分列两旁,作对称式向着中心主体人物。
处于中心的犹大身体被单纯的、明亮醒目的黄色斗篷所包裹着,在周围复杂的人群中显得更加突出,他抬手欲搂抱耶稣的手势,使斗篷形成扇面形的褶纹由疏到密向上集中,将人们的视线引向头部,人们的目光最后落在耶稣和犹大的对立面孔上,犹大向上作乞求状,而耶稣俯视犹大,冷静、锐利夹着仇恨,像一双利剑欲穿透叛徒的胸膛。
《犹大之吻》是乔托的一幅具有代表性的著名壁画,被称为文艺复兴初期的绘画杰作。
它是以《圣经》故事为题材进行创作的。
这个故事我们十分熟悉:
为了13块银币,犹大将自己的老师出卖给了犹太教当权者,并为拘捕耶稣的人带路。
画面上犹大带领一队人马,直奔耶稣而来,将他团团围住,犹大上前亲吻耶稣,以此作为捉拿耶稣的暗号。
而耶稣早已识破了他的诡计,对他怒目而视,犹大则显得十分惶恐。
四周人头涌动,杂乱无序,充满了紧张的空气。
无论表现什么样的主题,也不管画面中场面有多么嘈杂,乔托都有一种惊人的协调、组织并使画面重心突出的能力。
捉拿耶稣的兵士手执火把,挥舞着各式武器,但画面的中心位置却显得平静而庄重。
整幅作品用光、用色和构图都显得十分准确、和谐,将“犹大之吻”那一瞬间各种人物的表情、内心世界以及场面的特定氛围表现得淋漓尽致。
通过对这则圣经故事的描绘,乔托的爱憎跃然其上。
波提切利在15世纪80年代和90年代,波提切利是佛罗伦萨最出名的艺术家。
他宗教人文主义思想明显,充满世俗精神。
后期的绘画中又增加了许多以古典神话为题材的作品,相当一部分采用的是古希腊与罗马神话题材。
风格典雅、秀美、细腻动人。
特别是他大量采用教会反对的异教题材,大胆地画全裸的人物,对以后绘画的影响很大
《维纳斯的诞生》是意大利画家桑德罗·波提切利于公元1487年为佛罗伦萨统治者梅第奇家族的一个远房兄弟创作的画布蛋彩画,现藏于意大利佛罗伦萨乌斐齐美术馆。
画面所表现的是西西里岛的一个美丽的传说:
一片漂亮的大贝壳漂浮在碧波荡漾的海面上,上面站着纯洁而美丽的维纳斯,翱翔于天上的风神轻轻地将贝壳吹到岸边,等候在岸边的春之女神正张开红色绣花斗篷,准备为维纳斯换上新装。
维纳斯身材修长,容貌秀美,双眼凝视着远方,眼神充满着幻想、迷惘与哀伤。
[1] 体现了在佛罗伦萨流行一种新柏拉图主义的哲学思潮:
美是不可能逐步完善或从非美中产生,美只能是自我完成,它是无可比拟的,美是不生不灭的永恒。
[1]
画面中,在波光粼粼的爱琴海上,花瓣从天空坠落。
裸体的维纳斯略显娇弱无力地站在一个大贝壳上,她微曲右腿,身体向右微微倾斜,一头金色长发被海风轻轻吹散。
她的皮肤光洁剔透,美丽的面庞略显出某种淡淡的迷惘。
那双纯真无邪的眼睛,笼罩着一种脉脉的忧郁和哀怨,显示出她刚刚来到这个世界的无助和迷茫。
维纳斯的脖子和双手显得长了一些,但这更增加了她的优雅和风韵。
画面的左上方,长着翅膀的风神正鼓起双唇把维纳斯徐徐吹向岸边,那里,来迎接她的春之女神身着华丽服装,正准备把一件缀满鲜花的红色披风披到她裸露的身上。
[1]
创作背景
编辑
《维纳斯的诞生》一画,原是为佛罗伦萨统治者梅第奇家族的一个远房兄弟所创作的,作于1485年间。
据说,画家从波利齐安诺一首长诗《吉奥斯特纳》中受到启迪,诗中形容维纳斯女神从爱琴海中诞生,风神把她送到岸边,春神又从右边急忙迎来,正欲给她披上用天空的星星织成的锦衣,纷飞的鲜花加强了这种诗的意境。
画家处理这个场面时,舍弃了原诗中一些喧闹的描写,把美神安排在一个极幽静的地方,背景是平静而微有碧波的海面。
维纳斯忧郁地站在象征她诞生之源的贝壳上,她的体态显得娇柔无力,对迎接者以及这个世界似乎缺乏热烈的反应。
它告诉观者,女神来到人间后对于自己的未来,不是满怀信心,似乎充满着惆怅。
维纳斯这个形象在一定程度上,反映了这个时期艺术家自己对现实生活的惊惶与不安。
古代希腊人想象中的维纳斯,是成人般地从海中诞生的,即生下来就是个少女。
古希腊和古罗马神话中的维纳斯(古希腊神话中叫阿芙罗狄特),在传说中是代表爱与美的女神。
据希腊神话描述,她诞生于爱琴海的波涛之中,一生下来就已成年,既不必经历懵懂无知的童年,也无须面对死亡将至的暮年,她是人类所追求的永恒美的象征。
波提切利的《维纳斯的诞生》就是根据这个传说创作的。
当时在佛罗伦萨流行一种新柏拉图主义的哲学思潮,认为美是不可能逐步完善或从非美中产生,美只能是自我完成,它是无可比拟的,实际上说的就是:
美是不生不灭的永恒。
画家用维纳斯的形象来解释这种美学观念,因为维纳斯一生下来就是十全十美的少女,既无童年也不会衰老,永葆美丽青春。
而画家既受当时人文主义思潮的影响,又对当时新贵族们在权力和金钱的侵蚀”下道德沦丧的现实世界感到忧虑,维纳斯的造型很明显是受古希腊雕刻中维纳斯形象的影响,从体态和手势都有模仿卡庇托利维纳斯的痕迹,但是缺少古典雕像的健美与娴雅。
这种造型和人物情态实际上成了波提切利独特的艺术风格。
而这种矛盾的心理,也促使作者创作了这幅有着成人身躯而又略带忧郁和困惑眼神的维纳斯,也将这种矛盾表现得淋漓尽致。
[1]
艺术鉴赏
编辑
主题
《维纳斯的诞生》局部图(3张)
诗中描述维纳斯从爱琴海中诞生,风神把她吹送到幽静冷落的岸边,而春神芙罗娜用繁星织成的锦衣在岸边迎接她,身后是无垠的碧海蓝天,维纳斯忧郁惆怅地立在象征她诞生之源的贝壳上,体态显得娇弱无力,对迎接她的时辰女神和这个世界毫无激情,不屑一顾。
这个形象告诉观赏者,女神是怀着惆怅来到这充满苦难的人间的。
这种精神状态正是画家自己对现实态度的写照。
[1]
形象
波光粼粼的宁静海面上,全身赤裸的维纳斯踩在巨大的扇贝上,浮于水面,洁白的肌肤、修长的身段以及金黄的飘逸长发,强调出女神的美态,然而脸上带有的淡淡忧愁和困惑的神态表现出她对世态的迷惘。
[2]
色调
全画的色调明朗、和谐,不利用明暗来表现人体的造型,而是选用轮廓线使人物呈现浮雕式的感觉,画面唯美,富有极强的装饰效果。
[2]
《西斯廷圣母》(SistineMadonna)是意大利画家拉斐尔·桑西于1513年到1514年间为纪念教皇西克斯特二世而重建的罗马西斯廷教堂内的礼拜堂而创作的一幅油画,现收藏于德国德累斯顿茨温格博物馆古代艺术大师馆。
该画为拉斐尔“圣母像”中的代表作,画中人物和真人大小相仿,它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。
最初它被放在教堂的神龛上,至1574年,一直保存在西斯廷教堂里,故得此名。
在画面上方,帘幕展开,圣母抱着小耶稣走来。
她的衣着有白、红、蓝三种颜色,分别象征着纯洁、爱和真实。
她清秀的脸上有一种柔和的凝重,这分明显现着母亲的忧郁和无奈,也昭示了圣子的命运。
圣子受到母亲的感染,似乎已经预知了自己肩负的使命,稚嫩的脸上显出深沉的哀伤和忧虑。
他的右手有些畏缩地抓着母亲的衣角,似乎表明着心中隐约的恐惧。
画面左下方是公元3世纪的罗马教皇西斯廷二世。
他身披法袍,抬头跪向圣母。
一脸上露出急切和卑微的神气。
他手的姿态说明着他的虔敬和恳切。
画面右下方是圣女巴巴拉,她是基督教早期殉道的圣者。
虽然在理性上她有着和西斯廷一致的恳求,但是作为一个女性,她深知这个母亲内心所受到的折磨。
因而她虽然跪向圣母,却又侧过脸,尽管面容恬静,但仍然隐隐透露出内心的痛苦与矛盾。
最下方的两个小天使,天真的脸上是疑惑的神气,他们不知道发生了什么事。
在这里,拉斐尔的匠心不止是让画面得到了充实,而且在意蕴上,也有了更为丰满的表现。
在圣母身后,弥漫的蓝光构成了深处的背景,里面是婴孩的头像。
这是一种喻示:
圣母是神的母亲,但同时也是人的母亲,因为她的儿子耶稣是神子也是人子。
[1]
艺术鉴赏
编辑
主题
西斯廷圣母局部图(3张)
这幅作品塑造了一位人类的救世主形象。
圣母决心牺牲自己的孩子,来拯救苦难深重的世界。
该画画出了女性的温柔与秀美,歌颂了圣母把爱子献给拯救人类的伟大事业的崇高行动。
圣母的另一侧是圣女渥瓦拉,她代表着平民百姓来迎驾,她的形象妩媚动人,沉浸在深思之中。
她转过头,怀着母性的仁慈俯视着小天使,仿佛同他们分享思想的隐秘,这是拉斐尔的画中最美的一部分。
人们忍不住追随小天使向上的目光,最终与圣母相遇,这是目光和心灵的汇合。
圣母的塑造是全画的中心。
这幅画中的圣母被世人认为是圣母画中的绝品,画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬、不可亲近的模样,将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女,她的脸上洋溢着坦然的骄傲;为自己手中怀抱着的基督,她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱,因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。
[3]
构图
实景图
该图人物形象和真人大小相仿,由圣母、圣徒组成的三角形构图,庄重均衡,圣母和耶稣的体态健美而有力量,表现了母爱的幸福与伟大。
画面像一个舞台,当帷幕拉开时,圣母脚踩云端,神风将圣母徐徐送来。
代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世,身披华贵的教皇圣袍,取下桂冠,虔诚地欢迎圣母驾临人间。
圣母的另一侧是圣女渥瓦拉,她的形象妩媚动人。
她转过头,怀着母性的仁慈俯视着小天使,仿佛同他们分享着思想的隐秘,这是拉斐尔的画中最美的一部分。
从天而降的圣母出现在观者面前,初看丝毫不觉其动,但是当观者注目深视时,圣母年轻美丽的面孔庄重、平和,细看圣母颤动的双唇,仿佛听到圣母的祝福。
趴在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临,稚气童心跃然画上。
据说,这两个小孩是拉斐尔有一天在面包房前看到的,两个孩子曲肘作成天真的样子,拉斐尔敏捷地把他们速写下来,后来加在这幅画上。
[4]
技巧
从绘画技巧看,拉斐要尔适当地运用了短缩透视法,从而使人物之间留出了纵深感的空间,给人一种厚重和真实的感觉。
画家简短有力的素描风格也发挥得淋漓尽致,画中的线条被处理得简洁、壮阔,并有一种张扬的力量,比如圣母衣饰上的线条,西斯廷二世向右张扬着的长袍以及圣女芭芭向后飘拂的衣皱,仿佛都被一种神奇的圣风吹拂着一样。
而圣婴和小天使的身体曲线都用了局部素描的处理手法,运用得恰如其分。
在色彩处理上,画家运用了多种色彩,使人物物形象鲜明、灵动,达到了很好的色彩效果。
[5]
《哀悼基督》是公元1498年米开朗基罗·博那罗蒂为圣彼得大教堂所作的大理石雕塑作品,现收藏于罗马梵蒂冈圣彼得大教堂。
作品中圣母的形象典雅而沉静,默默地俯视着躺在她双膝上的死去的基督,她年轻而美丽,没有给人以过于悲伤和痛苦的感觉。
雕塑中体现得更多的是人文主义的精神而不是宗教的氛围。
显然这件作品带有作者早期雕刻的风格特点,这个时期主要是对古典风格和题材的继承,运用了稳重而优美的写实手法。
雕像中,死去的基督肋下有一道伤痕,脸上没有任何痛苦的表情,横躺在圣母玛丽亚的两膝之间,右手下垂,头向后仰,身体如体操运动员一般细长,腰部弯曲,表现出死亡的虚弱和无力;圣母年轻而秀丽,形象温文尔雅,身着宽大的斗篷和长袍,右手托住基督的身体,左手略向后伸开,表示出无奈的痛苦;头向下俯视着儿子的身体,陷入深深的悲伤之中;细密的衣褶遮住了她厚实的双肩,面罩却衬托出姣美的面容。
[2]
创作背景
编辑
米开朗琪罗于1475年3月6日诞生在意大利佛罗伦萨附近的山城小镇卡普莱斯。
1494年秋天,法国国王率军入侵意大利,逼近佛罗伦萨。
米开朗琪罗只好离开家乡,到外地去谋生。
待他回到家乡时,教皇联合佛罗伦萨旧贵族排挤积极进行宗教改革的主教萨伏那洛拉,并把他处以火刑,还将骨灰扔到河里。
这一殉道事件深深地震动了米开朗琪罗:
他感到萨伏那洛拉领导的运动是正确的,他提倡的真诚朴素的道德也是崇高的,他是一个同情人民群众的殉道者。
于是,米开朗琪罗开始创作《哀悼基督》。
他要把对萨伏那洛拉的深切悼念倾注到这个作品里。
这个作品是依据《圣经》故事,表现基督从十字架上被卸下来后,圣母玛丽娅抱起儿子尸体时悲痛与哀悼的情景。
[3]
艺术鉴赏
编辑
模式
作者突破了以往苍白衰老的模式,圣母被刻画成为一个容貌端庄美丽的少女,却没有影响到表现她对基督之死的悲痛,她的美是直观的,但她的悲哀却是深沉的。
她所体现出的青春、永恒和不朽的美,正是人类对美追求的最高理想。
[2]
构图
哀悼基督(局部)(3张)
作品采用了稳重的金字塔式的构图,圣母宽大的衣袍既显示出圣母的四肢的形状,又巧妙地掩盖了圣母身体的实际比例,解决了构图美与实际人体比例的矛盾问题。
基督的那脆弱而裸露的身体与圣母衣褶的厚重感以及清晰的面孔形成了鲜明的对比,统一而富有变化。
雕像的制作具有强烈的写实技巧,作者没有忽略任何一个细节,并对雕像进行了细致入微的打磨,甚至还使用了天鹅绒进行摩擦,直到石像表面完全平滑光亮为止。
这一切都赋予了石头以生命力,使作品显得异常光彩夺目。
米开朗基罗还将自己的名字第一次刻在了雕像中圣母胸前的衣带上。
[2]
人物形象
头披长巾的圣母端坐着,裸体、遍体伤痕的基督安详地躺在她的膝上。
米开朗基罗认为,作为圣母,看到自己的儿子做了自己应该做的事,走完了自己的旅程,虽然她的内心是非常悲痛的,但不应捶胸顿足地痛哭,而是把悲痛埋藏在心里。
于是,他把圣母雕塑得异常平静,低垂的眼帘使人感到丧子之痛正在何等残酷地折磨着一个母亲。
略向后面伸开的左手,表现了玛丽娅万箭穿心般的难言之苦。
圣母的表情是静默而复杂的,不仅倾泻了无声的哀痛,也不只是圣母充满哀思的祈祷,它已经大大超出了基督教信仰所饱含的内容,这是一种洋溢着人类最伟大最崇高的母爱的感情。
《最后的晚餐》是意大利艺术家列奥纳多·达·芬奇所创作,以《圣经》中耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐为题材。
画面中人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态,以及手势、眼神和行为,都刻画得精细入微,惟妙惟肖,是所有以此题材创作的作品中最著名的一幅。
收藏于意大利米兰圣玛利亚感恩教堂。
内容背景
《最后的晚餐》取材于《新约圣经》,据《新约圣经·马可福音》记载:
耶稣最后一次到耶路撒冷去过逾越节,犹太教祭司长阴谋在夜间逮捕他,但苦于无人带路。
正在这时,耶稣的门徒犹大向犹太教祭司长告密说:
“我把他交给你们,你们愿意给我多少钱”犹太教祭司长就给了犹大30块钱。
于是,犹大跟祭司长约好:
他亲吻的那个人就是耶稣。
逾越节那天,耶稣跟12个门徒坐在一起,共进最后一次晚餐,他忧郁地对12个门徒说:
“我实话告诉你们,你们中有一个人要出卖我了!
”12个门徒闻言后,或震惊、或愤怒、或激动、或紧张。
《最后的晚餐》表现的就是这一时刻的紧张场面。
[1]
构图布局
《最后的晚餐》宽420厘米,长910厘米 [2] 。
达·芬奇不仅在绘画技艺上力求创新,在画面的布局上也别具新意。
一直以来,画面布局都是耶稣弟子们坐成一排,耶稣独坐一端。
达·芬奇却让十二门徒分坐于耶稣两边,耶稣孤寂地坐在中间,他的脸被身后明亮的窗户映照,显得庄严肃穆。
背景强烈的对比让人们把所有的注意力全部集中于耶稣身上。
耶稣旁边那些躁动的弟子们,每个人的面部表情、眼神、动作各不相同。
尤其是慌乱的犹大,手肘碰倒了盐瓶,身体后仰,满脸的惊恐与不安。
[3]
画中人物从左到右是:
巴多罗买(Bartholomew)、小雅各(亚勒腓之子/James,sonofAlphaeus)、安德烈(Andrew)、叛徒犹大(JudasIscariot)、西门彼得(伯多禄/SimonPeter)、约翰(若望、John)、耶稣(Jesus)、多马(多默/Thomas)、大雅各(西庇太之子/James,sonofZebedee)、腓力(Philip)、马太(玛窦/Matthew)、达太(圣犹大/JudeThaddeus)、奋锐党的西门(热诚者西满/SimontheZealot)。
艺术鉴赏
编辑
达·芬奇的《最后的晚餐》的最初创作构思起步于卡斯塔尼奥的作品。
在达·芬奇的草图中,一字形排开的构图,犹大独自坐在长桌的另一边,耶稣正把面饼递于犹大的面前,众人的注意力都转向了犹大。
为了形成众人对犹大的压倒一切的气势,达·芬奇在草图中升高了视平线。
达·芬奇在草图中也学习了卡斯塔尼奥的做法,让门徒约翰伏在桌上。
而以前传统的画法是根据圣经原典的描述,让约翰投于耶稣的怀中。
草图上的每一个人,几乎都照搬了来自生活的素材,人物都具有剧烈的情态,动作幅度较大,却少有相互的联系。
达·芬奇继承了卡氏对宗教题材的情节化的处理方式——在画中讲一个生动、真实的故事。
这种宗教题材的世俗化倾向在15世纪有了更进一步的发展。
当时,许多画家喜欢把圣经故事展现于此时此地的现实环境中,并常常在其中画上自己和朋友的形象,以此为荣。
[5]
达·芬奇采用了平行透视法,运用了最为传统的一字形排开的构图惯例,让中心焦点集中于耶稣的明亮的额头。
耶稣伸开双手,低垂双眼。
他已经把话说完,沉默着。
但是,他的手势却有着不可抗拒的精神的号召力,召示和启迪人们去内省,去沉思。
作品运用了高超的明暗技法,“达·芬奇被认为是明暗对比法之父,尤其是他的《最后的晚餐》,在较后的艺术中第一次大规模地把明暗用作构图因素。
”所有人物都被统摄于神秘而宁静的光影之中。
不同于卡斯
- 配套讲稿:
如PPT文件的首页显示word图标,表示该PPT已包含配套word讲稿。双击word图标可打开word文档。
- 特殊限制:
部分文档作品中含有的国旗、国徽等图片,仅作为作品整体效果示例展示,禁止商用。设计者仅对作品中独创性部分享有著作权。
- 关 键 词:
- 西方 绘画 艺术 流派 作品 鉴赏
![提示](https://static.bdocx.com/images/bang_tan.gif)